30 sept 2009

Cinco días sin Nora, de Mariana Chenillo

Paxton Hernández

La comedia familiar necroamorosa



Desde un principio, atrapa la atención al detalle, que se manifiesta en la cuidadísima dirección de arte, tanto contemporánea como de época dentro del film. Una señora ya de edad avanzada cuidadosamente pone una mesa con una preciosa vajilla de porcelana. Es la señora que minutos más adelante se quitarál a vida, ingiriendo no uno, no dos, sino tres frascos de pastillas. Es la misma señora llamada Nora que trascendentalmente, con anticipación a su suicidio, tiene armado un plan para su velorio, entierro y la apoteósica reunión familiar del adiós.


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La fenomenal ópera prima de Mariana Chenillo, Cinco días sin Nora (México, 2008), es una sencilla comedia negra elevada a niveles de grandeza pura gracias a su humildad y buen corazón, un exquisito ejemplar totalmente anómalo dentro de nuestro cine mexicano por sus sutilezas cómicas y/o dramáticas, un relato sin mayores búsquedas vanguardistas o estéticas pero con el aplomo de una puesta en escena pulcra y segura, un destilado del pálpito necrofílico que siempre ha tenido el cine mexicano (según Jorge Ayala Blanco en La herética del cine mexicano ) que también hace gala de su humor negro dulzón en las antípodas de la feroz amargura anticlerical de El esqueleto de la señora Morales de Rogelio A. González.



La dulce muerte. Sólo el cine mexicano puede tratar la muerte de esta manera. La muerte es motivo de regocijo y festividad para el pensamiento mexicano pero aquí también es causante de toda la ternura y dulzura destilada en el relato. Una ternura auténtica y una dulzura honesta, jamás cursi ni empalagosa, con una emotividad y una sensibilidad cada más vez más raras dentro de un cine acostumbrado al tremendismo, al griterío y a la ojetez.

La trascendencia calculada. Nora ingeniosamente se las arregla para seguir influyendo en la vida de sus familiares aunque ya no esté, activando el engranaje narrativo mediante una entrega de carne para el banquete que preparán para la celebración del Pesach. De tal manera que convocará, aún sin estar presente, a su ex esposo José Kurtz (Fernando Luján formidable), del que todavía está enamorada. Convocará a la nana Fabiana (Angélica Peláez), que se encargará de los preparativos para el banquete de despedida. Convoca a su amado hijo Rubén (Ari Brickman), que junto con su esposa Bárbara (Cecilia Suárez) y sus dos encantadoras hijitas, verán interrumpidas sus vacaciones para regresar a la Ciudad de México. Y convoca a su prima Leah (Verónica Langer), conocedora de un secreto que aunque quería, Nora no se llevará a la tumba.



Los milagros tragicómicos. Haciendo gala de un sentido del humor negro y fino, es asombrosa la capacidad del filme para hallar la gracia y la risa, a base de pura sutileza. Enfrentamiento tripartita entre el pensamiento judío, el cristiano y el ateo, el estilo depurado de Chenillo también hallará eco en una reflexión sobre la memoria y sus recovecos.

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Diabólica Tentación / Jennifer's Body, de Karyn Kusama

El horror tiene cara de mujer

Miguel Cane


Una golondrina no hace verano, y el que Diablo Cody obtuviera un Oscar por Juno, no quiere decir que realmente tenga tanto talento como ella cree. Es de suponer que a la hora de concebir el guión de la ofensiva, vulgar y derivativa Jennifer's Body (aquí traducida como es costumbre, con un título inane, en este caso, Diabólica tentación) pensara que estaba haciendo una sátira mordaz e inteligente tanto del género del terror sobrenatural, como de la generación de adolescentes gringos que son los trend-setters de occidente, convirtiendo en moda sus malos gustos, sin dejar de lado a la más ácida comedia negra y que la culpa de que el resultado en pantalla sea deplorable y nauseabundo, es de su directora (Karyn Kusama, responsable de otra nulidad – la horrorosa Aeon Flux), pero lo cierto es que la película de marras tiene problemas desde el guión.

La película es irritante y ofensiva, plagada de personajes y situaciones insulsas: su trama trata acerca de la amistad entre dos amigas preparatorianas: una guapa, superficial y vulgar (Megan Fox, pésima actriz, pero su cuerpazo es el único ostensible pretexto para ver esto) y la otra menos bonita y agraciada pero igual de estúpida (Amanda Seyfried, peor de insoportable que en Mamma Mia! lo cual ya es mucho decir); ambas ostentan problemas de (falta de) madurez, se preocupan más por el palmito del compañero de clase que por la sociedad en que viven, y son el cliché de las gringas bobas que están muy 'in'.



Un mal día deciden ir a un concierto de rock dizque gótico y ahí la cosa se pone fea, ya que un incendio acaba separándolas. Mientras la güerita vuelve a casa, la nenorrona Jennifer desaparece y no vuelve a dar señales de vida hasta bien entrada la noche, cuando se presenta empapada de sangre y con un aspecto más bien siniestro. (Y hasta ahí, revelar más sería cruel, aunque el 'gran secreto' se descubre a los cinco minutos).


Como a las heroínas de la cinta, a Cody & Kusama no les importa para nada la línea argumental, y la única sorpresa (por así llamarla) que se reservan reside en saber qué sucedió exactamente tras el incendio, en lugar de saber si efectivamente pasó algo, por lo que, con todas sus pretensiones de ser hip, cool, de vanguardia y escalofriante, la película no pierde el tiempo para convertirse en un engendro soporífero, previsible, indigesto y lo que es peor, pedante.

Siguiendo la tónica de la más ruinosa televisión, esta cinta no tiene ni un solo plano digno de mención, y se presenta con una edición casi epiléptica que hace ver a los videos de Telehit como obras de Kubrick.

De todo el desaguisado que suponen los insufribles 100 minutos de la película sólo pueden salvarse dos aspectos tan nimios como esperanzadores. Por un lado la presencia de un elenco de soporte más sólido que las protagonistas, y por el otro la escena más bien tórrida del cacareado beso entre las dos actrices, suficiente para alcanzar la categoría de pornosoft en otra época (y que pondría al Güero Castro a salivar como perro de Pavlov) y por tanto curiosa manera de evitar que la película llegue al único público que debería verla.

Megan Fox


Es decepcionante, después del gran interés por saber si el éxito de Diablo Cody era fruto de un día, constatar que así es. Su segundo esfuerzo en pantalla grande es uno de los más insultantes, pesados y, sobre todo, tristes espectáculos cinematográficos no sólo del año, si no de toda la década. A esta tentación, de verdad, hay que evitarla como a la influenza: no tiene redención posible.

Diabólica Tentación/Jennifer's Body
Con Megan Fox, Amanda Seyfried, Adam Brody y J.K. Simmons
Dirige: Karyn Kusama
Estados Unidos 2009


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Roman Polanski: ¿víctima o predador?

El arresto en Suiza del célebre director cinematográfico, aviva la llama de lo que ha sido una de las controversias más sonadas de las últimas tres décadas.

Miguel Cane


Figura controvertida desde el inicio de su carrera como cineasta hace casi medio siglo, tanto por la elección de temática en su obra como por sus hábitos personales y las tragedias que han circundado su vida, Roman Polanski (nacido en París en 1933) volvió al ojo del huracán tras ser arrestado, el 26 de septiembre en el aeropuerto internacional de Zurich, Suiza, donde debía recibir un premio por su obra en el festival de cine local (cabe señalar que Polanski y su actual esposa, la actriz francesa Emmanuelle Seignier, poseen una residencia de verano en Gstaad desde los años 90), suscitando un escándalo, y resucitando el caso que lo ha perseguido por tres décadas, haciendo que la comunidad artística internacional y los colaboradores pasados y presentes del director, alcen la voz en protesta contra el –bastante vilipendiado- sistema judicial del estado de California, mismo que ha sido muy criticado por lo que muchos llaman “un aborto de la justicia”.



La maldición sobre el genio
Es bien sabido que la vida de Polanski no ha sido fácil. Cuando era un niño, escapó (de manera escalofriante) del Holocausto Nazi, mismo que su padre sobrevivió, mas no así su madre, que fuera víctima del proceso conocido como la “Solución Final”. Posteriormente, ya cuando era uno de los cineastas más aclamados de su tiempo, tras haber dirigido filmes hoy clásicos como Repulsión (1965), Cuchillo en el agua (1962), Punto muerto (1966) y su debut en Hollywood, El Bebé de Rosemary (1968), estando casado con la hermosa actriz estadounidense Sharon Tate – y estando ésta en el octavo mes de gestación de su primogénito-, ésta fue asesinada el 8 de agosto de 1969 por Susan Atkins (quien, irónicamente murió en prisión dos días antes del arresto de Polanski), una de las integrantes del grupo conocido como “La Familia” lidereada por Charles Manson, que junto con Charles “Tex” Watson, Patricia Krenwinkel y Leslie Van Houten, irrumpió en la mansión de Bel Air donde residía la pareja, procediendo a asesinar brutalmente no solo a Tate y su hijo nonato; también al estilista Jay Sebring, la heredera Abigail Folger, el escritor Woyjtech Frikowski y al transeúnte Steven Parent, en uno de los crímenes más espeluznantes de la historia moderna, que muchos señalan como el abrupto fin al 'sueño dorado' de la década de los 60.


Polanski se libró de la masacre, al encontrarse en Londres por cuestiones de trabajo y su vuelta a Los Ángeles ha sido descrita como un auténtico viacrucis (los medios lo persiguieron desde el aeropuerto, y tuvo que buscar refugio en los estudios Paramount, donde Julie Andrews, que filmaba Darling Lili con su esposo Blake Edwards, lo ocultó en su vestidor, personalmente despidiendo a la prensa ella misma). En 2005, Polanski demandó a la revista Vanity Fair por difamación, al publicar ésta un artículo en que se afirmaba que había tenido relaciones sexuales con una mujer en Nueva York, en lo que fue su escala en el viaje de regreso para enterrar a su esposa. Polanski argumentó que esto era una falsedad y ganó el caso.

No obstante, quizá lo que más notoriamente ha marcado al director de Chinatown, Búsqueda Frenética y La Novena Puerta, ha sido algo que sucedió en 1977 y que es el motivo de que, al cierre de esta edición, se encuentre en una celda en Zúrich, luchando contra una extradición que podría representar su primera visita a los Estados Unidos en más de treinta años.

Aunque existen muchas versiones del caso, los hechos son estos: Samantha Geimler (entonces Samantha Gailey) de 13 años de edad – y con actividad sexual previa- fue presentada a Polanski por su madre, Susan Gailey, quien estableció un contrato verbal con Polanski, quien ostensiblemente iba a fotografiar a Samantha para un número especial de la revista Vogue. Cuando Polanski preguntó la edad de la chica a la madre, ésta indicó que tenía 17 años (la edad consensual legal entonces en California era 16 años) y permitió que su hija acudiera, sin acompañante, a la casa de Jack Nicholson – protagonista de Chinatown e íntimo amigo del director- y Anjelica Huston (quienes estaban fuera de la ciudad). Lo que ocurrió fue que Polanski efectivamente fotografió a Geimler, bebieron champagne y consumieron drogas recreacionales (mismas que, por cierto, fueron proporcionadas a la menor por su madre) y tuvieron relaciones sexuales. De hecho, la demanda por presunta violación, no fue presentada por la madre de Geimler hasta después que esta recibiera una compensación por parte de Polanski (ostensiblemente por sus servicios como modelo) y de que este se rehusara terminantemente a dar un papel a su hija en la cinta que en ese momento tenía en preproducción (Huracán, una producción de Dino DeLaurentiis, que en manos de otro director fue un fiasco de taquilla en 1979); fue solo hasta entonces que Susan Gailey denunció a Polanski, quien se declaró culpable de haber mantenido relaciones sexuales con la menor (se retiraron cargos por violación a petición del abogado de la menor, para no tener un juicio con jurado, que habría devenido en poder denunciar a la madre por presunto proxenetismo), pasó 42 días en prisión bajo evaluación psiquiátrica y, estando en libertad condicional, se fue del país antes de conocer el fallo del juez, para nunca más volver. Hay que aclarar que el juez en cuestión también violó la ley al hablar del caso con personal no calificado ni relacionado con el mismo, así como con los medios, resultando ésto en la fuga de Polanski, lo cual es el delito por el que se le ha arrestado (evadir sentencia). Desde 1978, Polanski no ha vuelto a Estados Unidos, ni siquiera para recibir el Oscar que obtuvo como mejor director en 2002 por su formidable crónica sobre la ocupación y destrucción del ghetto y la ciudad de Varsovia El Pianista, por la cual, Adrien Brody recibió una estatuilla como mejor actor.


Un futuro incierto
Toda vez que el Departamento de Justicia Estadounidense, en conjunto con las autoridades helvéticas aprehendió a Polanski, al que se califica de “prófugo”, se suscitó un nuevo escándalo a nivel internacional: por medio de un comunicado su abogado Hervé Temime, tras la detención Polanski aseguró que luchará contra la extradición; mientras pasa sus días en una cárcel de Zúrich. Entre tanto, ahora circula una protesta firmada por artistas de distintos lugares del mundo, entre ellos cineastas como Wim Wenders, Ettore Scola, Costa-Gavras, y Pedro Almodóvar, así como antiguos colaboradores y amigos como Catherine Deneuve, Frank Langella, Sigourney Weaver, Isabelle Adjani, Adrien Brody y Mia Farrow, que también fungió como testigo a favor de Polanski, en el juicio contra Vanity Fair. Otros firmantes destacados son los ministros de Relaciones Exteriores de Polonia y Francia, Radoslaw Sikorski y Bernard Kouchner, el escritor Milan Kundera, la actriz Tilda Swinton y la directora general de la UNESCO, Irina Bokova. Por su parte, la actriz Debra Winger calificó de "acto de naturaleza filistea" el arresto del director y dijo: "Todo el mundo del arte sufre", mentras que la comunidad artistica pide la libertad del detenido y considera "inadmisible" que el Festival de Zúrich se haya convertido "en un cebo para una trampa policial". Al mismo tiempo, en Estados Unidos el Los Angeles Times comentó que California tiene "cosas mejores" que hacer que perseguir a una persona que en los últimos 30 años ha dado muestras de haberse enmendado, mientras que Samantha Geimler en reiteradas ocasiones ha intentado que se desestime el caso, aduciendo a que ella ha continuado con su vida y no necesita publicidad negativa sobre su familia, especialmente su madre, quien nunca enfrentó un proceso legal, aunque sí percibió una compensación económica por parte de Polanski mediante una demanda civil.


Gracias a un tratado existente entre Suiza y Estados Unidos, la acusación dispone de 40 días para presentar una demanda formal de extradición a Berna. De hecho, es en virtud de este convenio que la Oficina Federal de Justicia arrestó a Polanski tras asegurarse de que los términos del acuerdo seguían vigentes. Según una hipótesis que cobra fuerza, Suiza habría reaccionado con excesivo celo para de este modo, congraciarse con las autoridades de EU tras la crisis que opuso recientemente a ambos países por el juicio al banco UBS, que tuvo que revelar la identidad de más de 4.000 clientes acusados

El mundo cultural francés ha reaccionado ante la detención de un cineasta al que consideran uno de los suyos. El ministro de Cultura, Frédéric Mitterrand, aseguró que esta detención obedece "a una historia antigua que ya no tiene sentido". Y añadió: "De la misma manera que hay una América generosa que amamos, hay una América que nos da miedo, y es esa América la que acaba de enseñarnos la cara". Mitterrand agregó que el presidente Sarkozy sigue "muy de cerca" el tema. Bertrand Tavernier, aseguró al diario Le Monde: "Estoy escandalizado. Los suizos hablan de una ley encaminada a combatir el tráfico de drogas, el secreto bancario o la evasión fiscal y la primera víctima que encuentran es... ¡un artista! Esto prueba dos cosas: que Polanski no tenía cuentas en Suiza y que los festivales de cine son menos seguros que las iglesias en la Edad Media".


Mientras aparece una resolución final en definitiva (el juez en California dice que “analizará si el caso procede si y sólo si Polanski se presenta en persona”), el director – que en mayo terminó el rodaje de su más reciente filme, espera en una celda, como en su niñez, a que se decida su futuro incierto.

¿Qué pasará con El Fantasma?
Cinéfilos y seguidores del realizador se preguntan cuál será el destino de El Fantasma, el más reciente proyecto del polaco-francés, que concluyó fotografía principal en mayo y que, a raíz de la actual situación, ve amenazada su planificación.

Rodada entre febrero y mayo pasado en el norte de Alemania y Dinamarca, y coproducida por los estudios Babelsberg -el estudio más antiguo del mundo-, The Ghost (su título en inglés) tenía debut programado para comienzos de 2010. Sería el regreso de Polanski a cuatro años de su adaptación de Oliver Twist, y a ocho desde El pianista. El filme, basado en la novela de Robert Harris, está protagonizado por Pierce Brosnan, Ewan McGregor y Olivia Williams, y cuenta la historia de un ficticio ex primer ministro británico y el escritor que contrata para que termine sus memorias en su lugar. En el proceso, éste último descubre algunos secretos que ponen su propia vida en peligro.

"He estado buscando un thriller político para dirigir desde hace algún tiempo y éste no podía ser más perfecto", dijo Polanski hace dos años, cuando comenzaba la adaptación de la novela que causó cierta polémica, debido a la similitud entre el protagonista de la historia y Tony Blair, primer ministro de Reino Unido por ese entonces. Según Jeff Berg, el agente de Polanski, el proceso de edición de la cinta está prácticamente terminado, pero aún resta trabajo de postproducción, específicamente en lo que respecta a la banda sonora y la mezcla de sonido. "Siempre soy optimista cuando se trata de Roman, él es fuerte y ha sobrevivido a todas las situaciones imaginables".



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26 sept 2009

Harry Potter y el Cáliz de Fuego / Harry Potter and The Goblet of Fire, de Mike Newell

Miguel Cane

Daniel Radcliffe , Rupert Grint and Emma Watson star in Warner Bros. Pictures' Harry Potter and the Goblet of Fire


Convertido en auténtico fenómeno mediático, Harry Potter tiene un atractivo innegable para el público, que ha acudido en masse para presenciar (aportando, de paso, millones de dólares en taquilla) la transición a la pantalla de las novelas de JK Rowling, que han sido – cada una a su manera- un suceso.

En esta ocasión el británico Mike Newell (primero de esta nacionalidad en dirigir una cinta de la saga, ostensiblemente inglesa en atmósfera y textura) toma la batuta para revelar lo que sucede cuando Harry (Daniel Radcliffe) acude a la Copa del Mundo de Quidditch –deporte favorito de los magos, como cualquier aficionado a la saga sabe de sobra- con sus amigos Ron y Hermione. Pero algo siniestro aparece: la Marca Tenebrosa, señal del malvado Lord Voldemort, “el que no debe ser nombrado” quien fue visto por última vez la noche en que asesinó a los padres de Harry.

Ralph Fiennes as Lord Voldemort in Warner Bros. Pictures' Harry Potter and the Goblet of Fire


Las cosas se complican cuando Albus Dumbledore anuncia que Hogwarts será la sede del Torneo de los Tres Magos, una de las competencias más apasionantes y peligrosas de la comunidad. Se elegirá un campeón de cada uno de los tres colegios de magia para competir en peligrosas pruebas para conseguir ganar la codiciada Copa. Los estudiantes de Hogwarts, las alumnas de la Academia Beauxbatons y los internos del Instituto Durmstrang asisten a una ceremonia en que el Cáliz de Fuego elegirá un estudiante de cada colegio para competir. Así nombra a Viktor Krum (Stanislav Ianevski), Fleur Delacour (Clèmence Poésy) y Cedric Diggory (Robert Pattinson). Pero además, inexplicablemente, da a conocer un último nombre: Harry Potter, aún si éste demasiado joven para participar y no quiere competir. La decisión del Cáliz es inapelable y debe hacerlo.

Frances de la Tour as Madame Maxine with the students of Beauxbatons in Warner Bros. Pictures' Harry Potter and the Goblet of Fire


Mientras tanto, la imprudente periodista Rita Skeeter (Miranda Richardson, muy divertida) siembra discordia en la escuela al afirmar que Harry, buscando la gloria eterna metió su nombre en el cáliz. Dumbledore sospecha que quien lo haya inscrito quiere ponerlo en peligro y pide a “Ojoloco” Moody (Brendan Gleeson), un excéntrico profesor, que mantenga su penetrante ojo mágico en el maguito. Las difíciles pruebas del torneo – eludir a un dragón, sumergirse en un lago y atravesar un laberinto con vida propia- podrían costar la vida a uno o más de los participantes, y además está el problema de encontrar pareja para el baile de Navidad: Harry, desea invitar a la exótica Cho Chang (Katie Leung), en tanto Ron (Rupert Grint) no parece darse cuenta de un cambio en sus sentimientos hacia la repentinamente bellísima Hermione (Emma Watson), mientras que algunas chispas vuelan entre Hagrid (Robbie Coltrane) y Madame Maxine (la exquisita comediante Frances De La Tour).

Robert Pattinson as Cedric Diggory and Katie Leung as Cho Chang in Warner Bros. Pictures' Harry Potter and the Goblet of Fire


Los acontecimientos se tornan siniestros cuando alguien es asesinado en Hogwarts; Harry presiente que no todo es lo que parece y muy pronto se encontrará cara a cara con su peor enemigo... considerada la más oscura y ambiciosa cinta de toda la serie, esta entrega cuenta con (como era de esperarse) una plétora de bien logrados efectos especiales y de maquillaje, así como sólidas actuaciones por un impresionante reparto de veteranos talentos del Reino Unido (entre ellos la magistral Maggie Smith como la profesora McGonagall) que apoyan y enmarcan el notable trabajo de un conjunto de jóvenes actores – algunos debutantes- que demuestran su talento. Newell declaró que su intención era mostrar a los chicos como “entes subversivos y tan corruptos como sus contrapartes adultas” y logra su cometido: ahora hay más “carne” en los personajes y las actuaciones que logra de ellos hacen que por momentos sean los jóvenes aprendices de brujos en todos los aspectos.

Se acercarán tiempos oscuros para Potter y compañía, pero el trabajo presentado aquí es brillante por méritos propios, amparado por el derroche de una producción impresionante; si bien no tendrá los despliegues imaginativos de Alfonso Cuarón – que dirigió El Prisionero de Azkabán- no desmerece y ciertamente, tiene todo para cautivar a los espectadores durante dos horas y media (es la más larga hasta ahora, amén de la más costosa: 140 millones de dólares) y hacerlos volver por más de las aventuras de este carismático chamaco, a quien virtualmente hemos visto convertirse en un hombre, a su paso por la pantalla.

Harry Potter y el Cáliz de Fuego / Harry Potter and The Goblet of Fire
Con: Daniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert Grint, Michael Gambon, Gary Oldman, Miranda Richardson y Maggie Smith.
Dirige: Mike Newell
Distribuye: Warner Brothers.

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Harry Potter y la Orden del Fénix / Harry Potter and the Order of the Phoenix, de David Yates

Miguel Cane

DVD box art for Warner Bros Pictures' Harry Potter and the Order of the Phoenix


Harry Potter es un fenómeno. Decirlo no es hipérbole ni tampoco una manera de disminuir su impacto. Hay millones de fans alrededor del mundo, que conocen la mitología de Hogwarts tal vez incluso mejor que la propia autora, JK Rowling. Las películas que se han derivado de la saga literaria han sido todas éxitos apoteósicos de taquilla y no veo razón alguna porque ésta nueva cinta, Harry Potter y la Orden del Fénix no lo sea, aún si de las cinco, ésta es la que más problemas tiene para saber qué quiere ser.

Katie Leung as Cho Chang, Emma Watson as Hermione Granger and Rupert Grint as Ron Weasley in Warner Bros Pictures' Harry Potter and the Order of the Phoenix


Harry ha cumplido ya dieciséis años, regresa a la escuela después de sus obligatorias vacaciones infernales con sus horrendos tíos y naturalmente, muy cambiado después de su devastadora experiencia en la competencia de la cinta anterior, que casi le cuesta la vida. Pero ahora las cosas en Hogwarts se complican, que con la presencia de una nueva figura burocrática en la escuela, una vieja tamalona, pedante, presuntamente decente y bien educada pero reseca y de mal corazón llamada Dolores Umbridge (encarnada de manera formidable por Imelda Staunton, la mismísima Vera Drake), que será literal y metafóricamente una patada en los bajos para el maguito y sus finas amistades, el confundido Ron y la cada vez más llamativa y radiante Hermione.

Imelda Staunton as Dolores Umbridge in Warner Bros. Pictures' Harry Potter and the Order of the Phoenix

Imelda Staunton as Dolores Umbridge in Warner Bros. Pictures' Harry Potter and the Order of the Phoenix


Daniel Radcliffe ha crecido junto con su personaje y esto se advierte en su trabajo interpretativo, mas hay algunas limitaciones no en su desempeño, sino en el desarrollo del personaje y la dirección, a cargo de David Yates – que ha sido contratado para realizar la siguiente, El Misterio del Príncipe- y que parece haberse metido en un territorio muy ajeno a su trabajo (hasta ahora desconocido fuera de Inglaterra).

La película tiene un tono tan oscuro y perturbador que la anterior, pero es menos imaginativa, por ejemplo que la de Cuarón y la magia parece estar más ausente ahora que nunca antes.

Quizá la que se roba la película, aún pese a no estar bien dirigida, es Helena Bonham Carter como la supersiniestra villanaza Bellatrix Lestrange, pero al igual que otros personajes, se siente más como una caricatura que como aquellos que ya conocíamos de antes. Maggie Smith aparece cansada como Minerva McGonagall y Gary Oldman hace una aparición especial, que precede a uno de los momentos más perturbadores de la cinta. No cometeré el imperdonable pecado de revelar más de la trama, pero el lector fiel de la saga, sabe bien a qué me refiero.


Daniel Radcliffe as Harry Potter in Warner Bros Pictures' Harry Potter and the Order of the Phoenix


¿Será que la ambición por sacar los filmes tan rápidamente les ha privado del sentido de la magia? No tengo modo de saberlo: Lo que sí, es que como espectador, me provocó más ansiedad el esperar que ocurriera algo, que lo visto en la pantalla. Sólo me queda esperar que esta película no marque el paso de lo que vendrá. Ya no hay la candidez de las tres primeras – aunque los efectos siguen siendo de primera- y se regodea en la violencia que anticipaba la versión anterior. ¿Se está oscureciendo Harry Potter?

Quizá esto venga a probar que una serie fílmica demasiado larga es, por decir lo menos, desigual y puede llegar a ser decepcionante a la larga, en sus capítulos posteriores.

Y si no me creen, pregúntenle a George Lucas…

Harry Potter y La orden del Fénix / Harry Potter and the Order of the Phoenix
Con Daniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert Grint, Maggie Smith, Helena Bonham Carter, Ralph Fiennes y Gary Oldman
Dirige David YatesReino Unido/Estados Unidos 2007

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Hellboy II / Hellboy II: The Golden Army, de Guillermo del Toro

Miguel Cane




Después de un trabajo tan hermosamente realizado como lo fue la multipremiada El Laberinto del Fauno, era de esperar que la siguiente película de Guillermo del Toro tuviera unas expectativas muy, muy grandes a superar… y es perfectamente normal (de rigor, se diría, siendo realistas y no necesariamente crueles) que Hellboy II se quede corta al ser (quizá injustamente) comparada con la obra maestra anterior de Del Toro o bien, resulta decepcionante que, con tanto talento involucrado – especialmente tratándose de un director tan brillante, imaginativo y enamorado de sus temas como lo es Del Toro- que la película sea solamente una película veraniega palomera y cumplidora… pero nada del otro mundo.

Desde que aparecieron los primeros avances e imágenes, se esperaba que la película fuera una mezcla de acción, humor y espectáculo, ostensiblemente fiel a su fuente, el cómic creado hace más de quince años por Mike Mignola para la casa Dark Horse. Y claro, padece del síndrome de la secuela: en esta película forzosamente hay más músculo, armas más grandes y poderosas así como villanos todavía más malvados y delirantes que en la primera, que en su momento fue una película refrescante y muy bien lograda – anticipando lo que Del Toro haría después con su laberinto-.

Sin embargo, aquí la imaginación del autor no basta para lograr un producto cien por ciento satisfactorio. Que no se tome a mal este comentario: la película pasa una excelente factura, se nota la mano del gordito en un sinfín de detalles y Ron Perlman, como el personaje principal, está muy bien, con el apoyo que representa la aparición de John Hurt, que siempre es una garantía de buen trabajo, aún si la película en que actúa se desploma en algún momento (como ocurrió en V de Venganza y más recientemente, Los Crímenes de Oxford y la última de Indiana Jones – que ya, bastante rápido está disolviéndose en el olvido- donde lo más notable fue su trabajo impecable).

Partiendo de una trama del cómic, Del Toro es el único responsable del guión que a veces, se bambolea y no consigue mantener una lógica firme – que no le falló en la primera parte, pese a tratarse de una historia propositivamente inverosímil hecha creíble precisamente por su planteamiento. Aquí, al romperse la vieja tregua existente entre los seres humanos y el mundo de lo sobrenatural, el infierno está a punto de estallar en la tierra. Un cruel líder que ocupa el mundo de arriba y de abajo, desafía a los de su propia sangre y despierta a un imparable ejército de criaturas infernales (el ejército dorado del título). Sólo el superhéroe más duro y más brutal y bienintencionado o del planeta puede enfrentarse al despiadado dictador y a sus mercenarios. Aunque sea rojo, aunque tenga cuernos, aunque sea un incomprendido, cuando llega el momento, no queda más remedio que recurrir a Hellboy (Ron Perlman).




Así pues, con el apoyo del equipo de la Oficina para la Investigación y el Desarrollo de lo Paranormal, formado por su novia pirokinética Liz Sherman (Selma Blair, extrañamente baja de forma, considerando que es una estupenda actriz), su gemelo acuático Abe (Doug Jones) y el místico protoplásmico Johann, viajará entre la superficie visible y el invisible nivel mágico, donde las criaturas fantásticas se hacen corpóreas, para librar una batalla de efectos visuales muy llamativos que decidirá el futuro incierto de la humanidad.

La película funciona, pero para su mala suerte, no tiene el impacto ni la permanencia, ni la poesía visual de los que es capaz el autor. Hellboy II se deja ver, pero se siente casi como si fuera una película de encargo (¿recuerdan cuando Tim Burton hizo El Planeta de los Simios o Alfonso Cuarón hizo la tercera de Harry Potter?). Es decir, el talento ahí está, mas falta una chispa de pasión que pueda incendiar la pantalla. Inferior a la cinta anterior con los mismos personajes (por mucho), un tanto frágil y muy preocupada por “transmitir un mensaje” que no hace falta realmente por que queda muy claro desde el principio, esta cinta de Del Toro cumple, pero sabe a poco. Habrá que esperar y ver si se recupera y vuelve por la gloria con El Hobbit, por que esta vez, el tapatío se ha quedado algo corto.

Hellboy II: The Golden Army/Hellboy II
Con Ron Perlman, Doug Jones, Selma Blair, Luke Goss y John Hurt.
Dirige Guillermo del Toro
Estados Unidos 2008


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Hermanos Grimm / Brothers Grimm, de Terry Gilliam

Miguel Cane

Matt Damon and Heath Ledger star in Dimension Films' The Brothers Grimm


Todos en algún momento de nuestras vidas hemos escuchado alguna versión de los cuentos – incidentalmente muy violentos- que fueron compilados (¿creados?) en el siglo XIX por los hermanos Wilhelm y Jacob Grimm, folkloristas alemanes que tomaron relatos de la tradición oral y los convirtieron en los cuentos “de hadas” más célebres y conocidos de la historia.

Ahora, de la mano del formidable ex Monty Python Terry Gilliam [responsable de filmes fascinantes como Las Aventuras del Barón Münchausen, Bandidos del Tiempo, Brasil y la espléndida Doce Monos], estos dos personajes trascienden su estatus de leyenda para adentrarse en la más profunda oscuridad del bosque en una siniestra aventura cinematográfica que, por el simple hecho de ser la primera película en siete años de este genial director, amerita ser vista en la pantalla grande.

Monica Bellucci and Heath Ledger in Dimension Films' The Brothers Grimm


Los hermanos, aquí llamados Will (Matt Damon) y Jake (Heath Ledger) se dedican a viajar por varios rincones de Alemania, estafando a la gente ignorante: su modus operando es que aseguran tener poderes para ahuyentar a brujas, demonios y otros seres siniestros que “asolan” las aldeas. Por supuesto, todo es una mojiganga armada por ambos para extorsionar a los cándidos campesinos. Así va la cosa, hasta que el ejército francés – ésta es la época de las guerras napoleónicas- los arresta y los envía a una desolada aldea en medio de la Selva Negra, donde las niñas desaparecen de manera alarmante. Pronto, los muchachos descubrirán para su horror, que no se verán confrontados por entes imaginarios sino por una poderosísima y perversa mujer (la despampanante Monica Belucci, que roba cada escena en la que está, regia en sus atuendos y hermosura, pero – como en las dos últimas cintas de Matrix- aparece muy poquito) que podría acabar con sus vidas…

Monica Bellucci as Queen Mirror in Dimension Films' The Brothers Grimm


Partiendo de un guión regular de Ehren Kruger (el mismo creador de la angustiosa La Llave Maestra), y con una atribulada producción hecha en locaciones de Rumania, Gilliam literalmente se suelta el pelo – sería por los años apartado de los sets después de una frustrante experiencia al tratar de filmar una versión de Don Quijote que parecía maldita por la Ley de Murphy- y hace aquí una película visualmente barroca, que sigue fielmente su credo estético: no hay reglas que se apliquen, entre más monumental y recargado, mejor. Así, los bosques parecen vivos, la amenaza es atmosférica y muy efectiva y si bien los dos actores resultan chambones, esto es parte de sus personajes. Los hermanos Grimm que Gilliam propone, son cualquier cosa menos realmente heroicos y así, por momentos, la cinta adquiere tintes de ser una farsa con el corazón muy, muy negro y realmente su ritmo proviene no de los protagonistas sino de la exquisita Belucci, el siempre estupendo Jonathan Pryce y la guapa Lena Heady (que entró de último minuto a reemplazar a la británica Samantha Morton) que dan nuevos matices al filme con sus interpretaciones, que tienen más humor y empatía, en cierto modo, que los principales.

Heath Ledger as Jacob Grimm and Matt Damon as Wilhelm Grimm in Dimension Films' The Brothers Grimm


La cinta es suntuosa, épica y formidable, aunque difícilmente podría entrar en alguna categoría ordinaria: es demasiado oscura para ser de fantasía y tampoco podría calificársele de cinta de terror, ya que pese a su violencia, tiene una enorme simpatía. Como fuere, Hermanos Grimm es el retorno de un grande y, aunque menor en su canon, debe verse, ya que no deja de ser, cuadro por cuadro, una experiencia fascinante.

Hermanos Grimm/Brothers Grimm
Con: Matt Damon, Heath Ledger, Lena Heady, Jonathan Pryce y Monica Belucci
Dirige: Terry Gilliam. Distribuye: Videocine (2005)

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24 sept 2009

Terror en la Antártida / Whiteout, de Dominic Sena

Cómo enrojecer a la nieve

Miguel Cane




La carrera fílmica como realizador de Dominic Sena ha sido, por decir lo menos, desigual: tras un debut interesante, inquietante y logrado que lo puso en el mapa, a principios de los 90 (Kalifornia, realizada cuando Brad Pitt aún no era superestrella), ha tenido más momentos malos que buenos – para muestra baste recordar las abyectas 60 Segundos con Nicolas Cage (antes del enésimo facelift que lo dejó irreconocible) y la deficiente Swordfish, misma en que John Travola y Halle Berry sobreactuaban con singular abandono.

Ahora retorna, tras varios años de ausencia con Terror en la Antártida, un proyecto que ha tenido bastantes problemas para hacer la transición de su origen, como una estupenda novela gráfica, al cine, quedando como una película más bien plana, que no cumple con la promesa de intensidad de su trama, misma que gira en torno a Carrie Stetko (Kate Beckinsale, en un rol que originalmente había sido ofrecido a Reese Witherspoon durante los tres años de pre-producción del filme) una US Marshal, que se encuetra asignada a la antártica desolada, ocupándose de mantener 'la paz' en un lugar donde, más allá de una bronca entre borrachos, no suele suceder nada, hasta que se comete un brutal asesinato y Carrie tiene que resolverlo justo antes que caiga la noche del ártico, que dura seis meses, sumiéndolo todo en una profunda oscuridad – amén de tener una tormenta de nieve inminente.



La película establece sus pistas y luego las resuelve de un modo pedrestre y sin gracia. La Beckinsale hace lo que puede y sale airosa (no es fácil estar todo el tiempo en cada una de las escenas o casi) mas no asi los actores que la acompañan (Gabriel Match es terrible y devela las aristas de su personaje desde la primera escena, lo cual hace sentir al espectador como si le hubieran hecho una trampa que no puede denunciar – eso no es 'construir suspense', es sólo tener una dirección pretenciosa y errónea).


Si bien el ritmo se cumple, la mezcla congelada de pistas falsas, incongruente desarrollos de la trama y personajes poco desarrollados deja fría a la audiencia y es una pena, porque la cinta tiene muchos merecimientos técnicos de calidad. La cinta pretende ser un thriller de acción. Eso esta bien, incluso un mal thriller puede ser entretenido, y esta cinta de intriga con dosis de gore ay un excelente trabajo de locaciones logra una cierta fascinación... hasta un punto. Entonces se viene abajo por su pura incongruencia.

Sena tal vez volverá a dirigir, pero su momento de gloria ha pasado. Miss Beckinsale estará feliz por el cheque cobrado y por ver su hermoso rostro en carteleras gigantes, pero el espectador se sentirá defraudado y eso es algo que a la larga, ya no tiene gracia, ni asusta, ni sorprende, sino que ofende.

Terror en la Antártida/Whiteout
Con: Kate Beckinsale, Gabriel Macht, Alex O'Loughlin, Jesse Todd y Tom Skerritt
Dirige: Dominic Sena
Estados Unidos, 2009








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23 sept 2009

Feliz cumpleaños, Mafalda - 45 años

La universal niña precoz e inquisitiva, creada por el dibujante argentino Joaquín Lavado "Quino", celebra sus primeros 45 años de vida.

Miguel Cane




Aunque Quino la creó originalmente como parte de una campaña (que nunca se realizó) para anunciar la marca de electrodomésticos Mansfield, en 1962, la verdadera fecha que se reconoce como cumpleaños de Mafalda, es la del 29 de septiembre de 1964, cuando la tira cómica protagonizada por la niña que aborrecía la sopa y adoraba a los Beatles, fue publicada por primera vez en el semanario Primera Plana de Buenos Aires, sin imaginarse su creador, que estaba haciendo historia y no solo historieta, modificando para siempre la cultura popular de generaciones futuras.

A partir de entonces, las aventuras cotidianas – y plenas tanto de inocencia como de sano sarcasmo- de Mafalda, Manolito, Felipe, la inefable Susanita y el resto de los entrañables personajes salidos de la pluma de Quino ocuparon regularmente las páginas de innumerables publicaciones de Argentina y de otros países. Aunque el autor la dejó de dibujar en 1973 (dando pie esto al insidioso y persistente rumor de que ésta había sido arrollada por un camión de sopa en una última tira 'censurada', cosa que Quino ha desmentido hasta el cansancio: tal cosa no existe) a esa nena de pelo oscuro y carita redonda que hacía gala de una gran inteligencia e ironía, se le sigue reconociendo como el símbolo de rebeldía pasiva por excelencia, que marcó a una época.




Una niña igual que todas (o no tanto)
¿De dónde surgió la inspiración para crear a Mafalda? Quino mismo no puede citar una sola fuente cuando le han hecho la pregunta: “la infancia de Mafalda, en cierta forma, es la infancia de todos los niños del mundo.” Sin embargo sus preocupaciones no son las de cualquier niña y son el detalle que la ha separado de cualquier otro personaje de cómic, dándole un apecto más universal que ha llevado a las historietas a ser traducidas a más de 30 idiomas, entre ellos el francés, el chino, el griego y el finlandés (como nota interesante, la primera edición en inglés apenas tuvo lugar en 2004) demostrando un éxito global, que va más allá de que Quino ponga en duda que el personaje tenga fama mundial y haya dicho en más de una ocasión, que la considera "igual al resto" de sus numerosos trabajos.

Las aventuras de Mafalda, que primeramente nos presentó a sus padres – Raquel, un ama de casa que trataba de no perder la paciencia ante la manifesta fobia a la sopa y las preguntas de su retoño, mismas que se convertirían en preguntas obligadas para todos los padres de los niños que la leyeron, y el padre, que era imaginativo y generoso- aparecieron a lo largo de ocho años y medio (Guille, el hermanito menor de Mafalda, que llegaría muy rápido a establecerse como un personaje superpopular por cuenta propia, nació en 1968, durante un periodo de 5 meses que la tira estuvo sin publicarse) en Primera Plana, el diario El Mundo y Siete Días Ilustrados, sin embargo, Quino decidió en 1973 que la historia había finalizado, sin imaginarse que aún después de su última aparición, trascendería hasta convertirse la tira latinoamericana más popular e internacional de todos los tiempos.




Los amigos, la familia
En esos ocho años de aventuras, reunidos en un tomo titulado Toda Mafalda,s que se ha convertido en un best seller perenne desde su primera aparición, el lector de cualquier edad y nacionalidad, pudo conocer a los personajes magníficos que existen en el universo de Mafalda: sus padres, ejemplo de la clase media porteña que trata de llegar a fin de mes y lo intenta con una sonrisa. Y claro, los integrantes de su pandilla: el avaricioso y ambicioso Manolito, heredero aparente del 'Almacén Don Manolo' y admirador rendido de Rockefeller; el soñador Felipe, de noble corazón pero atención volátil, siempre perdido en sus fantasías (y poseedor de algunos de los cartones más memorables, como aquél en que imagina la escuela primaria como un remedo de Dachau); la cursi y chismosa Susanita cuyo único sueño es 'tener hijitos' y perpetuar sus prejuicios sociales (prestándole su nombre a un estereotipo de persona mezquina y pequeña, que sin importar el sexo se conoce como 'una susanita'), también redondean el grupo el filosófico Miguelito y la revolucionaria e inconforme Libertad, cuyo pequeño tamaño no es obstáculo para sus ideas.



Con ellos, Mafalda intercaló juegos en el parque del barrio con discusiones por las guerras (en ese momento, Vietnam), la pobreza de muchos países y la falta de equidad con la que en general se maneja el mundo, temas que, cambiando nombres y lugares, siguen vigentes y hacen que la tira se siga vendiendo. El último en incorporarse a la historia fue el que más destacó, el inefable Guille, quien se ganó su lugar en los corazones de los lectores por derecho propio.

Desde que Quino decidió dar por terminada la historia, Mafalda sòlo participó en campañas sociales de vacunación, de limpieza de los dientes y la difusión de los derechos de los niños promovida por Naciones Unidas mediante UNICEF y UNESCO. Sin embargo, ha mantenido la vida de su personaje al margen del merchandising, sacrificando, por ejemplo, una millonaria oferta que le hizo una compañía multinacional para que Mafalda protagonizara comerciales de una sopa, prefiriendo mantener su privacía, iluminando las vidas de tantos como ha hecho estos cuarenta y cinco años, en que el mejor homenaje es siempre volver a alguna de sus tiras para esbozar una sonrisa en cualquier momento del día y recordarla siempre con cariño.

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Sin salida con Kate Beckinsale

Esta belleza británica se consagra como heroína de acción al volver a las pantallas como protagonista de Terror en la Antártida.

Miguel Cane


Desde su debut en cine, cuando tenía tan solo dieciocho años – compartiendo pantalla con Emma Thompson y dirigida por Kenneth Branagh-, Kate Beckinsale, nacida en Londres en 1975, en el seno de una familia de actores, demostró que tenía la presencia suficiente para figurar en pantalla; sus trabajos posteriores demostraron que era mucho más que una “rosa inglesa” y podía realizar interpretaciones versátiles y notables, como se vio en filmes como La tabla de Flandes, la estupenda comedia The last days of Disco (dirigida por Whit Stillman), la exitosa saga de vampiros Underworld y en su aclamada interpretación como Ava Gardner en El Aviador de Scorsese.

Manteniendo un balance entre el cinema comercial made in Hollywood y el cine independiente, Kate regresa a las pantallas como la protagonista del inquietante thriller del director Dominic Sena titulado Terror en la Antártida (Whiteout), basada en la exitosa novela gráfica de Greg Rucka, donde interpreta a la agente del FBI Caroline “Carrie” Stetko, quien viaja a la punta más lejana de Alaska a resolver un brutal asesinato, justo antes de que se ponga el sol, exponiéndola a una noche permanente, en la que estará a merced de un asesino psicópata tan astuto como ella.


¿Como fue para ti el rodaje de una cinta tan arriesgada como esta?
Fantástico. Me gustan las películas que representan un reto y éste era totalmente el caso. Mi personaje es una mujer ordinaria atrapada en circunstancias fuera de su control y siempre he pensado que esas son las historias que vale la pena contar. Además, tenía ganas de trabajar con Dominique; había visto Kalifornia, que es una película que me encantó. Además cuando me ofrecieron el papel, me enviaron la novela gráfica y me enamoré del concepto de una aventura peligrosa en un paraje desolado, cubierto de nieve y fue como un sueño poder verlo en pantalla.

¿Cómo fue el rodaje en locación en Alaska?
¡Terriblemente frío! (se ríe) No, en serio, estábamos a temperaturas muy bajas y no fue fácil, porque el equipo se congelaba, yo me congelaba, todos nos congelábamos. Pero la película requería de esta locación – el paisaje es un personaje más de la pelicula, era indispensable poder hacerlo aquí. Así que vine con mi hija y mi asistente y asé un mes y medio entre la nieve y me encantó, aún si fue difícil hacer escenas con tanto frío.

¿Es verdad que no usas doble para la mayor parte de tus escenas de acción?
Trato de hacerlas todas yo, pero sólo en la medida de que la afianzadora lo permite. Mi personaje tiene que hacer escenas de riesgo más realistas que en Van Helsing o en Underworld… tuve que aprender a correr en la nieve, sujetar un revolver, descolgarme de alturas, estar en forma contra el clima… y no es nada fácil, pero siempre he pensado que cuando te dedicas a esto, debes de participar en todos los aspectos. A lo mejor soy temeraria, pero para mí fue una experiencia de aprendizaje y también ha sido divertido y arriesgado. Mi marido, Len (Wiseman, el director de la saga Underworld) estuvo conmigo para enseñarme algunos stunts y le perdí el miedo a hacerlos. ¿Sabes que te puedes volver adicto al peligro? Es una descarga de adrenalina maravillosa cada vez que haces esto y si consigues que quede en una sola toma, es mejor. Así se lo propuse a Dominique. Le dije, “te apuesto un dólar a que tal o cual escena queda en una sola toma”… ¡al final nos debíamos mutuamente mucho dinero! (ríe) Curiosamente, aunque hacer esto me gusta mucho, no me veo a mí misma como una heroína de acción. Creo que hay ciertas partes de mi cuerpo que no se mantendrán tan bien como me gustaría en un futuro. Solo espero que cuando cumpla 50 o 60 años no me propongan hacer esta clase de escenas de nuevo, porque el resultado no va a ser el mismo. No me preocupa que la gente vea como he cambiado con el paso del tiempo, sino que me preocuparía no cumplir con mi trabajo como se debe.


El director tiene reputación de ser bastante difícil detrás de la cámara...
Es cierto. Dominique es perfeccionista en cada detalle y siempre exige un doscientos por ciento. La primera escena que rodé a sus ordenes estaba aterrorizada, pero era exactamente lo que él buscaba (risas). Este fue un proyecto que me divirtió; es muy distinto a los que suelo interpretar. Eso me interesó, porque al principio me intimidaba el hecho de hacer una película de estas características, que no tiene nada que ver conmigo, pero lo fui superando.

Este es un filme muy intenso y estas básicamente en todas las escenas… ¿te provocó ansiedad filmar escenas así en algún momento?
Sí, me dio algo de ansiedad, sobre todo en algunas escenas, porque era muy estresante, filmar en exterior, con tormenta de nieve y el frío... llegaba un momento en que me olvidaba que estaba rodando y en mi cabeza yo era Carrie y sentía su ansiedad ahora te puedo decir que estoy orgullosa, pero llegaba un momento en que me agotaba. Al final del rodaje, Dominique me dijo que fui una chica valiente por haber superado todos los obstáculos. Cuando vi la película terminada, me sentí orgullosa. Todo, los sobresaltos, las persecuciones, todo valió la pena, estoy feliz con los resultados de esta película.

Tienes una hija de siete años y anunciaste hace poco que te gustaría tener otro bebé… ¿Cómo te ha cambiado la maternidad, a nivel profesional y a nivel persona?
Creo que me ha cambiado totalmente en ambos aspectos. Cambió la forma que tengo de ver las cosas y también me ha enseñado a hacer acopio de paciencia, de imaginación… me enseñó cosas de mí que no conocía, que no me imaginaba. Profesionalmente me ha hecho ser más crítica a la hora de leer un guión y de elegir un proyecto. Es verdad que quiero buscar un bebé para el próximo año, es mi plan más acariciado y desde ahora te digo que, sin importar lo bueno del personaje, algo que me alejara mucho de mi familia es algo que, de momento, no podría hacer.


¿Cuando niña soñabas con actuar?
Nunca pensé que me dejarían actuar, pero la actuación fue en lo que siempre soñé. Mis padres no eran ricos, aunque trabajaban mucho y yo siempre era la niña que crecía con ideas raras. Mi madre me hacía mi ropa en lugar de comprarme nueva. Me sentía diferente y en ocasiones muy sola. Me gustaba la actuación como un escape. Cuando no tienes muchos amigos, los inventas. Luego estuve en un internado. Ahora bien, sé cómo me veo, el espejo me lo dice y eso no te ayuda en un internado. A nadie le gustas por eso, tampoco te hace popular. Se burlaron de mí muchas veces. Creo que ser bonita es una espada de doble filo: todas querían ser diferentes y yo quería ser como ellas, no como soy. Los 90 no fueron de chicas bonitas. Si ves a las actrices que se volvieron populares en esos años eran de una belleza extraña. Creo que soy más convencional… y es algo con lo que he tenido que aprender a trabajar.


¿Y si tu hija decide ser actriz?
Pues la apoyaré en lo que ella decida. Ser actriz, ser científico, astronauta, futbolista, granjera... su sueño será suyo, como el mío lo fue. Y lo más importante del mundo, como madre, es respetar y lograr que se haga realidad.


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