Doble del diablo, El / The Devil's Double, de Lee Tamahori

Doble de cuerpo

Miguel Cane



Hace algunos años, Latif Yahia escribió un libro que publicó en el exilio, en el cual se basó esta película en la cual el protagonista son él y Uday Hussein, y como lo indica su apellido es el hijo del difunto y depuesto dictador Saddam Hussein. El doble del diablo, cinta de Lee Tamahori, se ambienta en la época en la que justo Irak le declara la guerra a Kuwait por los territorios del petróleo, y en esos momentos se usaban los dobles de Saddam como de su hijo para mantener una ubicuidad que les permita confundir a sus agresores y protegerse.



Dado que Uday es un personaje con severos problemas mentales los cuales lo hacen un monstruo (no tiene piedad de nadie, es un sexópata, drogadicto y bipolar) decide contratar a la fuerza a un conocido de su infancia que es muy parecido a él. El problema es que cuando Latif Yahia a la fuerza acepta vivir la vida del hijo del presidente, empieza a ver la cruda realidad detrás de los muros del palacio y también fuera de ellos. Poco a poco los cargos de conciencia empiezan a carcomer la cabeza de Latif, y con el comienzo de la guerra del Golfo en 1991 deberá empezar a tomar decisiones que lo pondrán en riesgo de muerte a él, su amante y sus seres queridos.

La película es vertiginosa, muy lograda y es cruel, pero la verdad que pinta, es un panorama al cual no el público no está acostumbrado por más que uno sepa que los dictadores y sus descendientes generalmente tienen varios problemas con las leyes que ellos no apliquen. Hay escenas muy crudas y violentas, incluyendo ejecuciones gráficas de personas que se atreven a desafiar a Uday, y esto contribuye a una atmósfera asfixiante e inquietante. Al centro, Dominic Cooper, quien había llamado la atención del público en apariciones de soporte en filmes de factura reciente como The History Boys, Mamma Mia, An Education, Capitán América y Mi Semana con Marilyn, demuestra que tiene no solo la estamina, sino el carisma para poder interpretar a dos personajes diametralmente opuestos y para cargar el peso de un filme sobre sus hombros, totalmente. Ese es un gran mérito y su trabajo es de primera; si Cooper logra trascender de los roles de segunda línea a ser un protagonista, no obstante estará por verse, pero aquí, en la que es posiblemente la cinta más brutal del año, da un gran paso. Y se deja ver, muy bien.

El doble del diablo / The Devil's Double
Con Dominic Cooper, Ludivine Sagnier, Raad Rawi, Mem Ferda, Dar Salim y Khalid Laith
Dirige Lee Tamahori
Reino Unido/Alemania/Australia
2011

Método peligroso, Un / A Dangerous Method, de David Cronenberg, con Keira Knightley

Misterios de la mente

Miguel Cane



En la última década – posiblemente desde la aparición de su inquietante thriller psicológico Spider – David Cronenberg ha ido apartándose poco a poco las brutales tácticas visuales de sus primeras obras para acercarse poco a poco a un cine aparentemente 'menos' transgresor. Una historia violenta (2005) y Promesas peigrosas (2007), son aparentemente convencionales, aunque ambos atesoraban imágenes perturbadoras que abordaban el sexo o la violencia al más puro estilo del creador de filmes tan controversiales como Videodrome y Crash: Placeres extraños.



En Un método pelígroso, sucede algo similar: bajo la la apariencia de un melodrama histórico, vuelve a internarse en los aspectos tortuosos de la personalidad humana. Lo hace a través de la sórdida relación sexual que mantuvo Carl Jung (Michael Fassbender) con Sabina Spielrein (Keira Knightley), que fue su paciente y posteriormente pupila.



Cronenberg, con un guión de Christopher Hampton, muestra cómo en los albores de la Primera Guerra Mundial, el famoso doctor suizo, que llevaba una serena vida doméstica junto a su mujer y sus hijos, dejó a un lado las convenciones para adentrarse en una relación sadomasoquista donde su deseos más primarios se confundían con su ansia por adentrarse en la mente humana y curar a su paciente y mientras Sabina mejoraba de sus trastornos y se convertía en una eminente analista, Jung se sumía poco a poco en una terrible depresión de la que tardaría años en salir. Este proceso, como lo muestra la película, fue casi paralelo al distanciamiento del hombre del que había sido su mentor, Sigmund Freud (Viggo Mortensen, que lo capta perfecto).

Ambos parecían reconocer en el otro rasgos de genialidad, pero mientras que el maestro prefería explorar la naturaleza del mal de cada uno de sus pacientes, Jung pretendía guiarles a su curación. Cronenberg trabaja de manera controlada y distante con el tema, como es su estilo. El tono glacial con que se muestran las relaciones sociales de cada uno de los personajes contrasta con el erotismo en la intimidad de los personajes. Las interpretaciones de los actores son estupendas: Fassbender consigue plasmar la ansiedad de un hombre aparentemente reprimido, sumamente torturado en su interior por deseos que lo consumen. Igualmente interesante es el trabajo de Keira Knightley, que se despoja de todo artificio para reflejar perfectamente la enfermedad y posterior recuperación de Sabina, o Viggo Mortensen, que dota de un cierto aire de humor y patetismo a su cuidado Freud, que envidia abiertamente el talento y la posición social de su más avanzado alumno.

El resultado de la unión del oficio de Cronenberg, el gran talento de sus actores y la impresionante y elegante producción, en escenarios naturales de Ginebra es una película inteligente y perturbadora que va mucho más allá del melodrama de época que aparenta ser a primera vista y amerita un visionado a fondo,como muestra del talento de un gran director contemporáneo.

Un método peligroso/A Dangerous Method
Con Michael Fassbender, Viggo Mortensen, Keira Knightley, Sarah Gadon y Vincent Cassel
Dirige: David Cronenberg
Canadá/Reino Unido/Alemania/Suiza
2011

Andrew Garfield, detrás de la máscara

El actor británico es el nuevo protagonista de El Sorprendente Hombre Araña, cinta que revitaliza la saga sobre el famoso superhéroe.

Miguel Cane



No da el tipo de estrella de cine. Más bien parece un universitario timido, con una sonrisa amable y ojos inquisitivos. Pero aún si es reservado con la prensa, con una enorme educación y cordialidad, Andrew Garfield (Los Ángeles, 1983, aunque criado en Londres) escucha y atiende a todas las preguntas; aunque no es ningún novato y ya ha sido candidato a premios importantes, esta es la primera ocasión en que protagoniza un proyecto tan importante, y las expectativas puestas en él no son pocas. Su aspecto de muchacho normal es lo que le hizo obtener el codiciado rol de Peter Parker –y su alter ego El Hombre Araña–, en la cinta que “relanza” la saga, después de la trilogía dirigida por Sam Raimi, que concluyó hace cinco años con un filme poco afortunado y con un actor (Tobey Maguire) cansado del personaje. Con la presión de superar esa primera saga y de sacudirse la imagen del otro, Garfield sabe que, si repite o supera e éxito, su lugar en el firmamento de Hollywood está asegurado.



Las películas de superhéroes se han convertido en un género ya establecido. ¿Qué dirías que toene qué ofrecer esta nueva saga que sea diferente?
Todo es completamente diferente. Desde el guión hasta los efectos especiales. Creo que esta es una historia muy ricaen matices, donde cada personaje tiene su función y su trama específica. Eso no quita que yo, como espectador, piense que la primera serie fue entretenida, pero que como actor quiera que la experiencia sea completamente distinta; estamos contando otra historia. Marc (Webb el director) nos explicó eso desde el principio; desde luego, es Peter Parker, el mismo que conocemos todos, pero ahora su historia la vemos desde un punto de vista diferente. Igualmente, han pasado diez años desde la primera cinta y los efectos especiales han mejorado, se usó una cámara completamente distinta. Puedo decir, sin hacer menos absolutamente el trabajo de nadie, que ésta cinta está a años luz de la primera.



Para este personaje, ¿qué tipo de preparación física tuviste que hacer?
Cuando Marc me mostró los storyboards que tenia pensados, me di cuenta de que todo era mucho más complejo de lo que pude haberme imaginado. Ahora bien, Peter tiene que parecer lo que es al principio, un muchacho flaco, sin mucha habilidad atlética. Entonces tenía que hacer músculo, pero no aumentar de peso ni masa corporal. La rutina de ejercicio era agotadora, aún antes de rodar. En cuanto al rodaje en sí de las escenas de acción con arneses, poleas y cables, fue mucho más sencillo una vez que aprendí a lidiar con ello en los ensayos... entonces sí tuve que prepararme a fondo. Hice muchas más cosas porque desconocía la parafernalia para ejecutar escenas así.



Con tantas secuencias de acción, ¿no acabaste molido?
(se ríe) Bueno. Un poco. Rasguños y golpes, como siempre. Lógicamente siempre hay dolores musculares y cansancio, pero eso es parte del trabajo. Aunque, ¿sabes qué es lo peor? No lo vas a creer pero... (se rie) tengo vértigo. Imagínate, tener que estar suspendido a tantos metros de altura. Pero todo se compensa. Marc me cuidó bastante.

Y además, está el aliciente del resto del equipo, ¿no? Martin Sheen, Rhys Ifans, Sally Field y Emma Stone...
Sí, por supuesto ( sonríe, se ruboriza. Durante el rodaje, él y Emma Stone iniciaron una relación sentimental que hoy es del dominio público). Trabajar con ellos ha sido algo estupendo. Supongo que es lo que todo el mundo suele decir, pero en este caso, te juro que no miento, fue así.

La relación entre Peter Parker, tu personaje y Gwen Stacy (Emma Stone), es una de las columnas tanto dentro del cómic como dentro de la trama: cómo se acercaron a este aspecto sin perder de vista la acción?
Es dificil, pero hay que encontrar un balance. Emma es una actriz estupenda, lo puedes ver en todo su trabajo anterior, es muy versatil y... (se ríe) ¿qué te puedo decir? En el set, éramos Peter y Gwen. Marc nos dio las pautas para, bueno, eso... y... bueno, lo demás fue encontrar la manera de trabajar en equipo para darle a la relación entre ellos el peso que necesitaba.

El que se hayan enamorado durante el rodaje habrá ayudado, aunque fuera un poco...
(Se ruboriza de nuevo, ríe) Bueno, supongo. No es secreto. Pero mantuvimos las dos cosas separadas durante el rodaje y ahora, con la promoción, también. Somos gente como cualquiera, lo único es que estamos más expuestos al escrutinio de los medios. Nada fuera de lo común, de veras. Y ya (se rie).

Se augura un éxito de taquilla grande para la cinta, si bien Los Vengadores ha puesto el listón muy alto en ese aspecto. ¿Crees que puedan igualar o superar ese tremendo taquillazo?
La verdad, yo espero que sí, aunque, hablando honestamente, la recaudación que haga un filme durante el primer fin de semana no me parece fundamental. Hacer una película como esta implica algo como eso, claro y es algo extraño y excitante a la vez. Recuerdo ver las noticias con lo que mencionas de Los Vengadores, fueron qué... ¿200 millones en su primer fin de semana? Es abrumador. Recuerdo pensar “¿Cómo puede ser que una película haga tanto dinero?”. No sé qué pase, pero evidentemente, espero lo mejor. Sobre todo, que al público le guste lo que hacemos.

Habias hecho otro tipo de filmes anteriormente; después de hacer Spider-Man, ¿estás interesado en participar más en el género de acción?
Pues no es un género que busque hacer particularmente. Sólo me interesa hacer buenas películas, independientemente del género (sonríe). De momento no he visto ningún proyecto de acción que me pareciera lo suficientemente interesante aunque, si lo encuentro, por qué no. Contractualmente tengo la obligación de hacer al menos una secuela más, con opción a una tercera, como este personaje. Como de momento van las cosas bien, antes de estrenar la primera, pues imagino que seguirán. Aunque es el público y su acogida quien realmente dicta lo que ocurre.

Ahora, para cerrar: existe un paralelismo entre un superhéroe y una celebridad, así como tú. Ambos están bajo el escrutinio del público, como señalabas. A consecuencia de eso, ¿crees que la fama puede afectar de forma negativa?
Bueno, si, por supuesto, pero depende de cómo seas tú como persona, sabes. Puedes tomar a cualquier persona, meterla en el torbellino de la fama y ver que no cambia y mantiene los pies en la tierra, sin embargo, hay otras personas que no. Todo es cuestión de carácter. Yo crecí en un ambiente que me dio principios básicos. Como soy ahora contigo, trato de ser con todo el mundo. No soy nadie especial y no me gusta que me traten de ese modo. Esto no va a durar siempre; Andrew Garfield el famoso se puede acabar cualquier día, pero quien yo soy, como yo soy, así voy a ser toda mi vida.

El método de David Cronenberg y Keira Knightley

El director y la actriz hablan a fondo de Un método peligroso

Miguel Cane



Presentada en la última edición del Festival de Venecia, Un método peligroso aparta al célebre director canadiense (Toronto, 1944) de los temas de violencia física que le apasionan, para explorar los recovecos de la mente humana. Basada en una obra teatral de Christopher Hampton (Relaciones peligrosas), la cinta gira en torno a la complicada relación entre Sigmund Freud (Viggo Mortensen) y Carl Jung (Michael Fassbender), así como la de Jung con una de sus pacientes más famosas: Sabina Spielrein, que más tarde sería también psicoanalista. Aunque Hampton escribió el papel con Julia Roberts en mente, Keira Knightley (Londres, 1985) es quien interpreta al complejo personaje.



Un método peligroso se basa en una obra teatral… ¿En qué medida se respeta el original? ¿Fue difícil hacer la transición?
DC: Antes que una obra teatral, Un método peligroso fue un guión de cine, lo cual es bastante infrecuente. Se llamaba Sabina, estaba centrado en el personaje de Keira y Hampton lo escribió para Julia Roberts. Esto fue alrededor de 1994... después Hampton decidió convertirla en obra de teatro. Ahora bien, nuestro guión es una fusión de varias fuentes: la obra de teatro y un libro de John Kerr, A Most Dangerous Method, del cual la película toma el nombre. Además de todo eso recurrimos, por supuesto, a variadas fuentes de documentación incluyendo el epistolario de Freud y Jung, que es sumamente interesante.



¿Qué fue lo que le interesó de esta historia?
DC Siempre encontré el psicoanálisis fascinante. La obra de teatro (que nunca vi, pero la leí) me parecía apasionante. Nunca había oído hablar de Sabina, así que para mí su personaje resultó todo un descubrimiento. Cuando me planteo una película no pienso qué relación puede tener con mis películas previas. Es como si nunca las hubiera filmado, empiezo siempre desde cero. Igual, le aclaro que no es sólo la cuestión de la sexualidad lo que me interesa en Freud, sino el modo en que él recordó, en tiempos en que Europa creía haber alcanzado el top de la civilización, que los más bajos instintos están ahí nomás, debajo de la piel más civilizada. Incluyendo la violencia, el salvajismo, lo que él llamaba “lo tribal”. El estallido de la Primera Guerra Mundial no tardó en darle la razón.



Keira, ¿cómo fue para ti entrar a Un método peligroso?
KeiraK: El texto es perfecto. Así que, si algo falla, es por tu culpa, que te lo diga David (rien). El diálogo es tan denso, complejo y preciso que puede abrumar a cualquiera. Hay de encontrar el tempo y la vibración correcta, como si fueras un músico. Además, como no sabía nada de psicoanálisis, decidí investigar para llegar a conocer a fondo mi personaje. Me pasé cuatro meses leyendo textos de Freud, Jung, Nietzsche… fue muy interesante y revelador.



La relación que muestra la película, entre Jung y Sabina, es polémica, en tanto viola uno de los principios básicos de la relación entre el psicoanalista y su paciente.¿Cómo decidieron abordarla?
DC Hay que tener en cuenta que en los comienzos del psicoanálisis, esos principios todavía no estaban establecidos. Estaba todo por hacerse. Por eso incluimos las preguntas que Otto Gross se hace al respecto, pensando en voz alta que tal vez el hecho de tener relaciones sexuales con una paciente podría ser bueno para el tratamiento. Según el guión, Sabina estaba devastada por tics nerviosos que la convertían en un amasijo de histeria. ¿Cómo te acercas a eso? Fassbender y Keira lo abordaron con naturalidad, la sexualidad fluyó claramente. Es probablemente la menos agresiva de mis películas en ese sentido. ¡Y eso sí me sorprendió! (rie).



Keira, trabajar con David Cronenberg debe ser toda una experiencia.
KeiraK Ha sido maravilloso, aunque también muy exigente. David es una persona muy amable (él se ríe, ella continñua) devota de sus actores, pero, al mismo tiempo, es un tipo muy retorcido (Cronenberg estalla en carcajadas y ella también) y oscuramente inteligente. Su mente se adentra en territorios donde la mayoría de directores no se atreven. Y eso es justamente lo que necesitas cuando te enfrentas a un personaje atormentado por los traumas y el deseo sexual. Fue un guía extraordinario en ese aspecto.

¿Y como director, que tál la dinámica con Keira, Mortensen y Fassbender?
DC Fue interesante en lo profesional, y una fiesta en lo personal (risas). Durante el rodaje, en Ginebra, pasábamos las noches viendo partidos de futbol por la tele y bebiendo cerveza. Y después, por el día, Viggo y Michael, que son como dos chicos traviesos, se dedicaban a cantarle serenatas a Keira vestidos de Freud y Jung. ¡Era delirante! Se divertían una barbaridad. Luego, desde el punto de vista actoral, el contraste fue enriquecedor. Por una parte, Viggo es un actor formal y obsesivo con su trabajo; tenía charlas apasionantes con él. Sin embargo, Michael es todo lo contrario: posee un talento natural extraordinario, no necesita ir más allá del guión, utiliza su instinto e imaginación para exprimir todo el potencial a cada línea de diálogo. Ambos eran muy enriquecedores. Y esta señorita (señala a Keira) es muy disciplinada y profesional. Disfrutamos del trabajo en equipo.

Parece extraño imaginarse un rodaje tan divertido para una película tan oscura.
KeiraK Sí, es raro, aunque, en mi caso, creo que fue más sencillo porque no me parezco en nada a Sabina . No había confusión o cortocircuito posible entre ella y yo. En el mundo de los actores, nos referimos al vacío que queda después de una experiencia profesional intensa como el blues postlaboral, una depresión leve que te asalta cuando tienes que despojarte del disfraz y separarte de una gente que ha sido como tu familia durante meses. En mi caso, después de un rodaje, siempre vuelvo a casa e intento pasar tiempo con mis amigos. Ellos me ayudan a reencontrarme, a volver a la realidad. En este rodaje, sin embargo, fue una experiencia tan entrañable, que me costó más desprenderme. Si David (lo toma del brazo) quiere que volvamos a colaborar, yo estaré encantada. Fue una experiencia magnifica.
DC Creo que esa es una de las grandes ventajas de hacer películas así. Sin las presiones de un estudio. Lo hicimos a nuestro gusto y el resultado ha sido gratificante. Estoy seguro, de que no será la última que hagamos.

Ridley Scott vuelve al espacio

Miguel Cane.

En 1979, Ridley Scott (Inglaterra, 1937) alcanzó reconocimiento internacional y vio despegar su carrera – después de una década realizando comerciales – con el estreno de Alien, filme que mezcla con prodigiosa habliidad los géneros del horror y la ciencia-ficción, que hizo de Sigourney Weaver una estrella. Un par de años después se consolidaba con Blade Runner, una distopía futurista inspirada en escritos de Philip K. Dick y protaginizada por Harrison Ford, que se convirtió en un polémico clásico de culto.



Desde entonces, Scott se ha establecido como un director emblemático, con tres nominaciones al Oscar y grandes éxitos de taquilla – entre ellas Gladiador (2000), que vino a redefinir los espectáculos épicos y ganó una estatuilla como mejor película --, pero pese a llevar años de acariciar la idea de volver al género que lo estableciera, y más específicamente, a la saga Alien, no sucedió nada hasta ahora, que aparece el filme con el que celebra treinta y cinco años de carrera ininterrumpida: Prometheus, que fuera originalmente pensada como una precuela de Alien, que se convirtió en su propia historia independiente, si bien comparte la mitología y el universo de la película original, pero estableciendo su su identidad propia, acercándose a un tema que apasiona al público: la posibilidad de influencia extraterrestre en el origen de la humanidad. El filme no se ha visto exento de controversia, y es protagonizado por un impresionante equipo de actores: Charlize Theron, Michael Fassbender, Noomi Rapace, e Idris Elba, que, en la tradición del primer filme de género de su autor, conforman una compañía sólida que impacta al espectador.

¿Por qué volver a la ciencia ficción después de tantos años?
Siempre quise hacerlo. La ciencia ficción es un universo maravilloso para la creatividad. Es un ámbito en el que todo tiene cabida. Actualmente existe una terrible falta de originalidad; casi todo es remake o secuela y la idea de la ciencia ficción se emplea como un parte de ello. A los directores se nos brinda la oportunidad de hacer fundamentalmente lo que queramos, siempre y cuando empecemos sigamos una serie de normativas, ¿sabes? Creo que eso es lo que está pasando: se siguen normas al crear el material, pero pocas veces existe la iniciativa de hacer algo diferente. Y yo lo que deseaba era volver a lo familiar y al mismo tiempo, explorar mis posibilidades. Lo que resulta más difícil en particular es que el dichoso proyecto tenga la calidad que yo quiero. Y esto tomó mucho tiempo.

¿Dónde empezó su viaje hacia la ciencia ficción en sus inicios?
Siempre me sentí atraído por la ciencia ficción. Leía revistas, en los sesenta, con ilustraciones de Giraud, Moebius, HR Giger... solía esconderlas para que no las vieran mis hijos, principalmente porque tenían un contenido muy violento y sexual. Eran una especie de cómics para adultos que tocaban la fantasía como algo muy real, y yo pensaba "esto es bueno. Así es como debe ser". De hecho, Moebius diseñó mi vestuario para Alien y Giger fue mi asesor de diseño en producción y creó a la criatura. Yo soy un diseñador, y siempre seré diseñador, y ya tenía la idea de una historia de ciencia ficción rondándome por la cabeza cuando en 1977, vi La Guerra de la Galaxias, poco antes de que se estrenara y apenas después de rodar Los Duelistas. Fue cosa de verla y cambió mi forma de plantearme cómo hacer las cosas. Los efectos tenían que pesar lo mismo que la historia. Solo así podría funcionar.

En alguna ocasión declaró que las películas de ciencia-ficción se han vuelto repetitivas y derivativas de videojuegos y de otras historias. ¿Se diría que Prometheus es su modo de llevar la contra, marcar tendencia y elevar el nivel?
En parte lo es. Lo que más me gusta es lo que la trama implica, esta enorme hipótesis. ¿Sabemos si este planeta en que vivimos ahora mismo lleva existiendo tres mil millones de años o mil millones? ¿Estamos solos en el universo? ¿Nosotros fuimos los primeros? Todo eso me ha intrigado siempre y Damon (Lindelof, el guonista) tomó nota de esto para establecer el argumento: creemos que somos los primeros homínidos, aunque yo lo dudo mucho, muchísimo. Siempre ha existido el misterio sobre mundos extraños y maravillosos como Pangea, Cimeria, la Atlántida, pero, ¿de dónde proviene esa noción? ¿Es algo real, fue real, es un recuerdo, existió siquiera? Y si realmente existió, ¿fue hace setecientos cincuenta millones de años? Ahora no quedaría nada. ¿Cómo se creó y quién lo creó? En cierta forma, Prometheus plantea una de miles de posibles explicaciones.

¿Cómo afrontan estos temas los personajes de esta película?
Son científicos, exploradores y ejecutivos. Representan distintas áreas de nuestro colectivo. Charlize es Meredith Vickers, una mujer corporativa con su propia agenda, Noomi es Elizabeth, que es la fe, el alma humana. Fassbender es el punto de vista sintético, artificial, que extrañamente nos puede hablar más de cerca. Todos tienen una tesis distinta sobre la idea, como hablábamos antes, de que no estamos solos en el universo. Es una cuestión perfectamente válida. ¿Existe un dios o no existe ningún dios, como se cuestiona Elizabeth? ¿Somos un cúmulo de células? Y si alguien está experimentando con nosotros, ¿quién es? ¿Cuál es la fuerza, cuál es la entidad que no podemos llegar a imaginar? ¿Por quñe lo hacen? Todo eso lo plantea Prometheus y es un tema completamente suyo, que nada tiene que ver con Alien, aunque se desarrolle en el mismo universo ficticio.

Hablando de dioses, la referencia de título es muy reveladora...
Creo que todos conocemos la historia de Prometeo , el semidios. Es la idea de que si alguien recibe un don de los dioses, pero que no hay que abusar de él, y no creo que se pueda competir con ellos. Él les robó el fuego para dárselo a los hombres, y como castigo, hicieron que un ave de rapiña le devorara las entrañas a perpetuidad. Es un purgatorio perpetuo. En pocas palabras, que no hay que hacer enfadar a los dioses.

Pero también significa que en cierto modo, todos podemos ser dioses, ¿no?
No lo había visto de ese modo, pero sí, es una de las muchas posibilidades que se pueden aplicar al término... y es verdad eso que dices. En la película puedes ver que algunos personajes piensan así.

Con Avatar, James Cameron cosechó un gran éxito usando efectos totalmente digitales, pero Prometheus utiliza locaciones y sets tradicionales, efectos prácticos. ¿Cree que lo digital acabará con su modo de trabajar a futuro?
No, creo que Jim sin duda elevó el nivel con el modo de llevarla adelante. Le tomó cuatro años y medio de rodaje. Pero yo ni siquiera quise plantearme eso, y creo que en el estudio tampoco estarían dispuestos. Además, el mío es diferente. Yo hago mis películas de una cierta manera y hay lugar para todos. De hecho, la verdad es que si uno sabe lo que hace, el resultado es más económico en recursos. Los efectos digitales no son baratos, y nosotros hemos realizado esta película por un precio bastante competitivo. Por lo demás, estoy sumamente satisfecho y creo que el público responderá favorablemente. Eso es lo que, al final del día, importa más.

Asombroso Hombre Araña, El / The Amazing Spider Man, de Marc Webb

Retrato del Héroe Adolescente

Miguel Cane

El “relanzar” una “saga” cinematográfica siempre es un albur para los estudios. Puede funcionar – como fue el caso de Batman para la Warner al ponerla en manos de Christopher Nolan, después que Joel Schumacher llevara al hombre murciélago al nadir – o puede fallar – véase el caso de Universal con Hulk: dos cintas de buenos directores, que no lograron el gusto del público.



Después de que Spiderman 3, de Sam Raimi fuera una decepción, se especuló mucho acerca de una cuarta cinta, y Sony/Marvel optaron por “recrear” la serie. En esta ocasión parece ser lo más adecuado: Andrew Garfield como Peter Parker tiene mucho más carisma y vulnerabilidad que Tobey Maguire (de hecho, Maguire acabó volviéndose odioso en el personaje) y su interpretación, al centro del filme que dirige Marc Webb (500 Días con ella) es lo que lleva al espectador a seguir sus aventuras, balancéandose entre edificios, enfrentándose al peligro (en este caso, su enemigo es el Lagarto, interpretado por Rhys Ifans), y también la vuelta a las raíces clásicas de su vida como adolescente, soporte de su tía May (Sally Field) y enamorándose por primera vez de la hermosa Gwendolyn Stacy (Emma Stone).

La cinta abre precisamente con un flashback que pone las primeras piezas de lo que vendrá: Richard y Mary Parker (Campbell Scott y Embeth Davidtz) dejan a Peter, de seis años. al cuidado de Ben Parker (Martin Sheen, ideal en el rol clave) y desaparecen sin dejar rastro: Richard es entomólogo y sus investigaciones sobre arácnidos, anticipan lo que vendrá. El origen del joven héroe, para quienes conocen el cómic, se desarrolla más o menos con las mismas circunstancias concebidas por Stan Lee (que tiene el acostumbrado cameo) y Steve Ditko; lo interesante es el matiz que Garfield aplica a Peter: un adolescente tímido, acosado por los bravucones de su escuela, y sin valor para acercarse a Gwen, la reina de su prepa. La transformación de su personaje se manifiesta de manera gradual y él sabe imprimirle las tonalidades suficientes para hacerlo cercano, entrañable para el espectador. Por su parte, Emma Stone es una actriz versátil y encarna a Gwen (un personaje icónico y trágico en el cómic) con frescura. Los actores de soporte, que incluyen a Denis Leary como el capitán George Stacy, tejen una red de soporte para estos dos, y más allá de las logradas y vertiginosas secuencias de acción entre Spider-Man y el Lagarto, la historia de amor es el centro de la trama y se manifiesta de un modo excelente (obviamente, el que los actores se enamoraran en la vida real durante el rodaje ayuda en algo; así fue con Ethan Hawke y Uma Thurman en Gattaca) y el conjunto da una plena satisfacción al espectador.

Hay suficiente tela para crear una trama sólida y plantear la inevitable secuela, pero no se siente como algo forzado: hay suficiente contención para contar una historia, y al mismo tiempo se siente como el primer capitulo de una saga completamente nueva. Como cinta de verano, la entrega de Webb cumple con creces. Habrá que ver cómo reacciona el público, una nueva generación, de hecho, ante ella.

El asombroso Hombre Araña / The Amazing Spider Man
Con Andrew Garfield, Emma Stone, Rhys Ifans, Sally Field, Embeth Davidtz, Denis Leary, Campbell Scott y Martin Sheen
Dirige: Marc Webb
Estados Unidos, 2012

Amor Imposible (Mex) / La pesca del salmón en Yemen (Esp) / Salmon Fishing in Yemen (USA) - 01 - por Miguel Cane

En busca de lo imposible

Miguel Cane

Londres, en la época actual: un científico experto en pesca, es forzado por su ministerio, a ayudar en un descabellado proyecto que persigue una consultora, la cual representa a un potentado jeque, obsesionado con la idea de ayudar a su nación, llevando la pesca del salmón a Yemen y conseguir que estos peces naden rio arriba en un proyecto que todos tachan de imposible... y ese es un tema recurrente en la película, que muestra los vínculos entre este jeque excéntrico (Amr Waked), un afable y retraído científico (Ewan McGregor), una consultora profesional (Emily Blunt) y la cínica jefa de prensa del primer ministro británico (una brillante Kristin Scott Thomas), que hacen lo mejor que pueden con una historia que acaba por ser ni tan hilarante ni surrealista como se espera.



Lasse Hallström, que es un trabajador formal y dedicado, si bien desigual, tiene una visión de esta película muy distinta y alejada de la comedia que podría haber sido, más al estilo de los hermanos Cohen. Hallström y el guionista Simon Beaufoy han quitado toda la sátira política de la novela, quedándose básicamente con la historia de amor que también contenía la historia, pero que se siente, extrañamente, puesta en primer plano a la fuerza y acaba por descarrilar la cinta.

Ciertamente la película tiene momentos divertidos y algunos brillantes pero el énfasis se ha puesto en el lado afectivo, siendo la extravagancia del proyecto sacada de contexto. No por nada la distribuidora se vio obligada a llamarla Amor imposible, en vista de que la trama romántica saca de quicio el resto de una trama compleja e interesante. Kristin Scott Thomas parece convencida de que habita en una comedia satírica y lo aprovecha al máximo en una caricatura sagaz y muy hábil. Lamentablemente, su Patricia Maxwell acaba por ser un personaje secundario que podría haber disfrutado de muchos más minutos y es opacada por la predecible historia protagonizada por los sólidos Ewan McGregor y Emily Blunt , que aportan su carisma al filme pese a no tener una gran química conjunta en pantalla.

Hallström hace bien su trabajo y deja buen sabor de boca, pero esta película pudo haber sido mucho más satisfactoria e interesante si se hubiera ido por la sátira que se prestaba tan bien en el libro. Pero en este caso, desear tal cosa es como el sueño del jeque... algo casi imposible.

Amor Imposible / Salmon Fishing in Yemen
Con Ewan MacGregor, Emily Blunt, Amr Waked y Kristin Scott Thomas
Dirige Lasse Hallström
Reino Unido 2011

Visiones de... Amor Imposible (Mex) / La pesca del salmón en Yemen (Esp) / Salmon Fishing in Yemen (USA)

En esta ocasión, l@s invitamos a compartir los diferentes enfoques y opiniones que genera las Visiones de... dos de nuestros articulistas. En la suma de las diferentes visiones, l@s lector@s van construyendo el entendimiento de un film que un único texto no puede contener; a esta suma, l@s propi@s lector@s aportan su visíón personal...

Cine Visiones reafirma la esencia de su nombre en esta edición de Visiones de... Amor Imposible (Mex) / La pesca del salmón en Yemen (Esp) / Salmon Fishing in Yemen (USA), de Lasse Hallstrom, con textos de Miguel Cane y Claudi Etcheverry.

¡Que los disfruten!

Visiones de... Amor Imposible (Mex) / La pesca del salmón en Yemen (Esp) / Salmon Fishing in Yemen (USA) - POR MIGUEL CANE.

Visiones de... Amor Imposible (Mex) / La pesca del salmón en Yemen (Esp) / Salmon Fishing in Yemen (USA) - POR CLAUDI ETCHEVERRY.