Rush, Pasión y Gloria / Rush, de Ron Howard

Dioses del volante

Miguel Cane.



La legendaria rivalidad a lo largo de la década de los 70, en las pistas de la Fórmula 1 entre Niki Lauda y James Hunt, es el tema que eligió Ron Howard para realizar su primera película de acción, sin sacrificar el interés en una historia más humana, que ha sido el territorio que explora en sus filmes más serios, como Apolo 13 o Frost/Nixon.



El prácticamente impecable guión de Peter Morgan (The Queen) toma los polos opuestos – el intrépido y despreocupado Hunt (Chris Hemsworth) y el severo, profesionalísimo Lauda (un deslumbrante Daniel Brühl), desde el primer instante en que coinciden en una pista en 1970 y los sigue a toda velocidad hasta la cima de la Fórmula 1; una rivalidad sustentada en la abrumadora necesidad de superar al otro, que todo lo consume.



Howard muestra, sin embargo, cómo esos sentimientos gradualmente (en contraste), se tornen en aprecio y la necesidad de superarse a sí mismos. Los actores principales ofrecen interpretaciones muy logradas, especialmente Brühl, que literalmente se transforma en Lauda, con una sutileza poco común: no se trata de un trabajo mecánico de biopic; es una exploración sensible y milimétrica de un personaje complejo, que tiene una gran contraparte en la brillante intervención de Alexandra Maria Lara como Marlene Knaus, la futura Fräu Lauda, que aporta un ángulo sensible e inesperado en un filme cargado de testosterona.



Otro aspecto interesante del filme, y que deja sin aliento al espectador, es su fidelidad a la sensación de ser un piloto de carreras en las secuencias de velocidad. Howard no escatima en recursos y en una vertiginosa edición para recrear las carreras de Fórmula 1 con maestría.

Rush es posiblemente el mejor filme que ha hecho Howard en años. Libre de las restricciones de un estudio hollywoodense (la película se financió de manera independiente y se rodó integramente en Europa), se permite trabajar con libertad con personajes auténticos que podrán resultar insoportables (la vanidad de Hunt, la neurosis de Lauda) y sin embargo se dejan ver como los aspectos humanos de auténticos dioses de la velocidad.

Apasionante, con un gran ritmo, excelente música de Hans Zimmer y no exento de alguna trampa de convencionalismo al servicio de la trama, se trata de un filme que satisface a dos tipos muy específicos de espectador: el adicto a la acción y la velocidad, y el que prefiere estudios más serenos de la psicología de los personajes.

Un auténtico triunfo para el director y sobre todo, para Daniel Brühl, que es la revelación del año para un público que no lo conocía realmente fuera del continente europeo.

Rush, Pasión y Gloria / Rush
Con Chris Hemsworth, Daniel Brühl, Alexandra Maria Lara y Olivia Wilde.
Dirige Ron Howard
EU/Alemania/Reino Unido/Francia 2013

Daniel Brühl: “Por fin me ofrecen papeles de adulto”

Miguel Cane.



La carrera cinematográfica de Daniel Brühl (nacido Daniel César Martín Brühl González-Domingo en Barcelona, 1978) es completamente internacional, por lo mismo, versátil: criado entre España y Alemania —habla esos dos idiomas así como inglés y francés— hizo su debut adolescente como actor en teatro, pero a los 25 años protagonizó la película que lo puso en el mapa: Goodbye, Lenin! (2003), desde entonces, ha trabajado sin parar. En Francia rodó Feliz Navidad (2005) y The Countess (2009) así como ¿Y si vivimos todos juntos? (2011, con Jane Fonda); en España, Salvador (2006), Intrusos (2011), Eva (2011) y la taquillera cinta The Pelayos (2012); en Hollywood ha tenido papeles destacados tanto en Bourne el ultimátum de (2007) como en Bastardos sin gloria (2009), de Quentin Tarantino. Ahora, dirigida por el ganador del Oscar Ron Howard, es uno de los protagonistas de Rush, la cinta más espectacular de su filmografía, donde encarna al célebre corredor de Fórmula Uno Niki Lauda.



PROBABLEMENTE RUSH SEA LA PELÍCULA MÁS LLAMATIVA DE TU CARRERA, Y CON UN PERSONAJE MUY DIFÍCIL…

Sí, es verdad. Es de esos casos donde ya en el proceso de casting tuve esa impresión. Con un personaje que me atraía porque era totalmente opuesto a todo lo que había hecho antes. Y eso que Niki Lauda es austriaco… Igual si lo hubiera dirigido un director austriaco no me hubiera llamado para el papel, pero eso es lo bueno de los estadunidenses, no tienen prejuicios. Ron Howard solo había visto una o dos de mis películas, pero estaba abierto a todo. Nos conocimos en Londres y tres días después me llamó, algo raro porque normalmente te dejan sufrir dos o tres semanas. Yo estaba un poco nervioso, porque como sabes Niki Lauda es una leyenda en Alemania, lo vemos cada fin de semana en la televisión. Por su aspecto físico, los dientes, por todo, pensé: “Esto va a ser un trabajo duro”, pero estoy muy contento de que me lo hayan dado.



¿CÓMO HICISTE PARA ACERCARTE A LA ENCARNACIÓN DE LAUDA?

Trabajé mucho con el acento austriaco, porque para mí era imprescindible, ésa es su voz, lo que le da ese punto arrogante, irónico, me la pasé viendo videos de él y cómo era antes de su accidente. Lo afronté como un riesgo y una apuesta que podía ir mal. Pero ya en el primer día de rodaje me sentí más seguro gracias al apoyo de Ron Howard. Después de la primera secuencia supe que iría bien. Los movimientos, la manera de mirar. Todo eso es muy importante para hacer una interpretación lo más apegada posible a él.

ADEMÁS, CONOCISTE A LAUDA EN PERSONA.

Así es, lo conocí. Fue alucinante.



SUPONGO QUE CONOCERLO FUE DECISIVO. ¿CÓMO SE DIO EL ENCUENTRO?

Pues no fue fácil (risas). Porque Niki es como es y eso queda muy bien reflejado en el guión. Es muy directo, no se le da la diplomacia. La primera conversación que tuve con él fue por teléfono y me dijo: “Puedes venir a Viena en mi avión privado, pero no traigas demasiado equipaje, porque en caso de que no me caigas bien te regresas ese mismo día a Berlín”. ¡Ufff! ¡Así! Por supuesto me sentí intimidado, ¿cómo no? Cuando por fin lo conocí fue: “Bueno, me caes bien. Así que pregunta lo que quieras”. Yo estaba muy nervioso, sobre todo porque no sabía cómo mirarlo por como tiene la cara; él se dio cuenta y me dijo: “Mira, mira, ¿quieres tocar?”. Tiene una manera de ser tan diferente a las personas que conozco, es totalmente desinhibido… te confesaré que me entró un poco de pánico. Al final me compré ropa en Viena porque estuve tres días y le caí muy bien, incluso me preguntó si me quería ir con él a Brasil al Gran Premio. Me llevó en su avión privado, y de paso conocí a un par de pilotos de Fórmula Uno.

¿FUE BUENA ESA MANERA DE PREPARAR TU PAPEL?

Totalmente. Fue increíble. Hicimos un vuelo larguísimo y me presentó a varios pilotos de su generación, como Jackie Stewart. Fue genial, mejor que leer su autobiografía, ver todos los vídeos de YouTube y todos los documentales. Observarlo a él, ver cómo se mueve, cómo habla… y sentir su confianza, me miraba y ya notaba que lo estaba imitando. Sentí su cariño. Me llamó hace poco. Había visto la película y estaba emocionadísimo y muy orgulloso. Me dijo cosas muy bonitas, y eso que no es una persona muy emotiva. Creo que es la mejor recompensa.

¿CÓMO TE SENTISTE CON RON HOWARD? TIENE PRESTIGIO, PERO SU TRABAJO COMERCIAL ES MAL RECIBIDO POR LA CRÍTICA.

Es el precio que ha tenido que pagar, supongo. Pienso que es un genio, y lo digo no por haber trabajado con él, sino porque he repasado ahora muchas de sus películas, todas muy conocidas, aunque había algunas que no había visto. Después de verlas le comenté lo que pensaba: para mí hay dos tipos de directores, los que han encontrado un lenguaje único, maestros que tienen su “idioma” y lo siguen, como Almodóvar o Tarantino, y los que cambian con cada proyecto, como él, que ha hecho de todo: ciencia ficción, comedia, western, thrillers. Él me dijo que eso lo mantiene fresco. Me encanta la energía que tiene en el set; Rush era su primera película de carreras de coches. Siempre hace algo nuevo y eso le aporta agilidad y juventud. En el rodaje nunca está en la silla de director, siempre está por ahí, de un lado a otro. Me gusta mucho su humildad. Ve a alguien del equipo y se levanta para preguntarle su nombre. No le importa cargar cables o equipo. Eso es impresionante.

OTRO ELEMENTO IMPORTANTE FUE EL GUIÓN DE PETER MORGAN.

Desde luego. Peter es el mejor en algo tan difícil y que tan poca gente logra: escribir películas que describen episodios en las vidas de personas reales y que aún viven, como hizo en The Queen y en Frost vs Nixon. Creo que la película salió tan bien por la energía que se da entre Morgan y Howard. Peter estaba mucho en el set, incluso cambiamos secuencias el mismo día de rodarlas. Nunca he visto un guionista tan cercano al director sin que este pierda autoridad. Para nada. Entre tomas hablaba con Peter sobre escenas determinadas y Ron sabía que era para mejorar, así que no le importaba. Me impresionó mucho.

TÚ VIENES DE UNA ESCUELA DE CINE MÁS EUROPEA, MÁS INDEPENDIENTE...

Siempre me ha gustado la idea de hacer una historia grande con un presupuesto pequeño. Me gusta, aunque sea deprimente (risas). Leí hace unos días una entrevista con Leo DiCaprio en un periódico alemán; decía que quiere trabajar con directores fuertes porque solo ellos son capaces de transmitir esa visión para que el espectador la pueda sentir. Creo que tiene razón, pero igual, yo no voy a parar de trabajar con gente joven. Espero seguir teniendo esa suerte para poder trabajar con esos genios, no son muchos, pero los hay por todas partes, aquí (Europa) y allá (Estados Unidos). He hecho algunas películas cuyo resultado no me gusta y es muy triste que una película no funcione, que no interese a nadie. Y todavía más si la película es mala o mediocre y tu interpretación también. ¡Qué pena de energía, de trabajo, de dinero! Y eso sí que no pienso volverlo a hacer.

¿NO QUIERES IRTE DE EUROPA A HOLLYWOOD, COMO OTROS MUCHOS?

No, no quiero cambiarlo. El cine europeo me encanta, aunque, claro, si se da la oportunidad de entrar en el gran mercado de Estados Unidos, no voy a hacerle el feo, siempre y cuando el personaje sea interesante. Supongo que ya llegué al punto en el que puedo hacer otro tipo de roles. Veo que me he hecho mayor, se me ha quitado la cara de niño de 15 años que tuve tanto tiempo (se ríe) y ya no me mandan papeles de adolescente. Eso está muy bien, ¿sabes? Ya crecí (risas). Por fin me ofrecen papeles de adulto.

Amanda Seyfried. La tragedia profunda de Linda Lovelace

Miguel Cane.



Nacida en una familia de ascendencia alemana en Pennsylvania, Amanda Seyfried (1985) tiene una imagen sana y familiar, pero está lejos de ser una actriz convencional ajena a los papeles de riesgo. Tras su debut en la película Chicas Pesadas (con Lindsay Lohan) y la serie de culto Veronica Mars, pasó cinco temporadas en Big Love de HBO y protagonizó musicales como Mamma Mia! y Los Miserables, pero también ha aparecido en cintas más transgresoras como Alpha Dog o Chloe, dirigida por Atom Egoyan.



Ahora en Lovelace, interpreta a la polémica y trágica Linda Boreman (más conocida por su apellido artístico "Lovelace"), la primera estrella porno que alcanzó la fama internacional. A principios de la década de los setenta, Linda Boreman se vio obligada por su marido abusivo (interpretado por Peter Sarsgaard) a protagonizar la célebre película XXX Garganta Profunda / Deep Throat, hoy considerada un clásico del género pero que provocó en la actriz trastornos físico-emocionales severos.



¿QUÉ TANTO SABÍAS SOBRE LA HISTORIA ANTES DE QUE TE OFRECIERAN LA PELÍCULA?
Sabía más bien poco, que fue famosa como estrella porno y poco más. Que era un nombre legendario en esos círculos, pero no tenía idea de cómo había llegado a eso. Recuerdo que la primera vez que me reuní con los directores Rob (Epstein) y Jeff (Friedman), me mostraron una carpeta masiva, una gran colección de investigación y fotografías, y tenían todos estos DVD de Linda, y yo estaba impresionada mientras leía todo lo que compilaron. Así la descubrí.



¿ADQUIRIÓ ENTONCES LINDA UN INTERÉS HUMANO PARA TI?
Por supuesto. Todo el mundo tiene una historia, todo el mundo es tridimensional. Me pareció fascinante que en gran medida la idea general de lo que ella era se basaba en que fue estrella porno, ¡pero no lo era! Era una chica que quería ser actriz. Tenía una relación muy intensa y violenta con su marido y él, esencialmente, la coaccionó para entrar a este mundo; fue explotada y se quedó sin prácticamente nada. Creo que es un personaje increíble. Ella luchó para ser escuchada y sentí que eso era parte de la razón por la que quería hacer esto. Estaba atrapada en circunstancias terribles, tomó algunas decisiones equivocadas y se perdió; luego trató de encontrarse a sí misma, no se dio por vencida. Se cayó y se propuso subir. Es mucho más fuerte de lo que la gente sabe, nunca le dieron el crédito correspondiente.



¿VACILASTE EN ALGÚN MOMENTO EN ACEPTAR EL PAPEL?
Tal vez al principio. Siempre estás pensando, tienes dudas. ¿De verdad esta película es mejor que cualquier otra película que podría hacer al mismo tiempo? Después conocí a Rob y Jeff y pensé que podían contar su historia de manera hermosa. No habría habido vacilación si hubiera sido cualquier otro director. Si hubiera sido un guión mal escrito no lo habría hecho. El guión era sólido y eso era todo lo que necesitaba. Rara vez hay directores adjuntos cuando estás en el desarrollo de algo y eso es estresante, pero ellos me hicieron sentir muy segura a cada paso de la producción y fue una experiencia que repetiría con gusto.

¿SENTISTE ALGUNA DIFICULTAD AL ABORDAR AL PERSONAJE DE LINDA?
La forma en que Linda actúa no es como yo suelo reaccionar ante las cosas o las situaciones. Pero al mismo tiempo comprendí de dónde venía el problema. Su timidez paralizante. Ella era muy ingenua, no tenía educación más allá de la secundaria. Cometió el error de escapar de la represión estricta en casa, de una familia ultracatólica, para tirarse, literalmente, en los brazos de alguien que no iba a salvarla, que iba a acabar de hundirla. Transmitir ese tipo de emociones y situaciones es mucho más difícil de lo que se cree.

¿QUÉ HAY DE PETER SARSGAARD? ¿TRABAJAR CON ÉL HIZO MÁS FÁCIL LA EXPERIENCIA?
Peter es un excelente actor y un gran compañero. Es un encanto, de verdad. Él no solo me hizo sentir segura, también cuidó todos los detalles de la relación de nuestros personajes. Me decia que al relacionarse con alguien que es un monstruo, hay que pensar en ellos como niños que estás protegiendo. Su interpretación de Chuck es tan triste a veces, tan patética. Este tipo es un inútil, un inseguro. Abusar de las mujeres era su único poder y eso es lo más triste de él. Tomó su poder de golpear y coaccionar a una mujer. Y Peter, del modo en que lo interpreta, no solo lo muestra como un monstruo, también como un ser muy infeliz.

¿FUE DIFÍCIL REALIZAR LAS ESCENAS DE SEXO?
¿Te digo algo? Las escenas de sexo fueron quizá las más fáciles de hacer, porque todo, absolutamente todo lo que ves en pantalla, es simulado. De verdad. Nos reíamos todo el tiempo entre tomas. Es una manera genial de eliminar el estrés de la trama, de lo que estamos representando. Tal vez suena horrible, pero te juro, todo es tan tonto. Lo que sí fue realmente difícil para Peter y para mi, fue realizar las escenas de violencia, ya sabes. Las golpizas que Chuck le daba a Linda. No eran tan fáciles, y ésas sí que eran agotadoras, pero no son algo tan terrible, porque tenían una estructura. Todo estaba coreografiado y Peter fue el compañero más generoso y dulce, si cabe decirlo, al hacer esas escenas tan brutales.

¿TÚ CREES QUE LINDA SERÁ VISTA DE OTRA MANERA DESPUÉS DE ESTA PELÍCULA?
Eso espero. Linda era mucho más que un objeto sexual, y de verdad, me conmovió mucho su lucha por levantarse del hoyo en el que Chuck y el porno la hundieron. Es algo muy emotivo. Y creo que el público va a encontrarse con una historia profundamente humana. No es sensacionalista, no quisimos hacer eso, pero sí muestra un mundo muy sórdido y cómo esta mujer tan frágil logró sobrevivir.

EL FUTURO LUCE BRILLANTE, PUES CADA VEZ DAS MEJORES INTERPRETACIONES Y TIENES MEJORES PROYECTOS...
Gracias por el voto de confianza (sonríe), te lo agradezco mucho. Honestamente, de cualquier manera estoy súper feliz con la forma en que se han dado las cosas y tengo muchas ideas, muchos proyectos. Quiero producir, crear. Sé que voy a conseguir mi mayor deseo, que es trabajar en algo en lo que realmente creo, porque ya no voy a hacer nada que no me hable, que no me ayude a crecer, que no me de satisfacción. Eso ya no lo vuelvo a hacer, mientras pueda.

Lovelace, de Rob Epstein y Jeffrey Friedma

Dramas del Porno-chic

Miguel Cane.



El 12 de junio de 1972 se estrenó en Nueva York Garganta profunda (Deep Throat), dirigida por Gerard Damiano, producida por unos cuantos miembros de la mafia y protagonizada por la, en apariencia, angelical Linda Boreman... conocida a partir de ahí como Linda Lovelace.



La película obviamente hizo historia, pero la historia detrás del rodaje resulta más impactante que cualquier efecto de la cinta que sacó a la pornografía de los sótanos y la lanzó al mundo.



Linda (Amanda Seyfried) a los 21 años escapa de un ambiente familiar ultrareligioso, tirándose a los brazos de un tal Chuck Traynor (Peter Sarsgaad, lo mejor de la película con mucho), un bestia sociópata que a punta de golpizas y lavado de cerebro, la hace su títere para que haga todo lo que él quiere; desde practicar la prostitución hasta convertirse en estrella del porno.



Chuck y Damiano (Hank Azaria) la explotan, Linda sufre muchísimo, sus conservadores padres (Sharon Stone y Robert Patrick) le cantan su precio y tras usarla en otras películas XXX, Chuck la abandona por otra starlet, la diosa rubia Marilyn Chambers (Chloë Sevigny en un cameo). El camino a la redención de la señorita Lovelace no será fácil.




Lovelace es una banal biopic que no va más allá de la superficialidad, con el inconveniente añadido de que solo rememora parte de la personalidad de la chica de marras, dejando incomprensiblemente a un lado muchos datos que habrían sido útiles para comprender su carácter.

Los directores Rob Epstein y Jeffrey Friedman prefieren la forma sobre el fondo y aunque la película luce como un producto perfecto de los 70, un episodio de ficción, con muy tenues nexos con la verdad. Amanda Seyfried destaca en su actuación y de verdad parece interesada. Es una pena que el resto de la película no esté a la altura.

Lovelace
Con Amanda Seyfried, Peter Sarsgaard, Sharon Stone, Hank Azaria y Adam Brody
Dirigen: Rob Epstein y Jeffrey Friedman
EU 2013

Tú eres el siguiente / You're Next, de Adam Wingard

Violencia a domicilio

Miguel Cane.



El tercer largometraje de Andrew Wingard, que se estrenó en el Festival de Toronto en 2011, es obviamente derivativo de filmes como la magistral Funny Games (Haneke, '97) o la inquietante The Strangers (Bertino, '08), y aunque bien hecho, se queda algo corto ante los precedentes.



El filme abre con un lugar común en el subgénero del slasher film: una pareja, después de hacer el amor, es brutalmente asesinada por desconocidos con máscaras de animales, en su aislada cabaña. Esta efectiva secuencia sirve como preámbulo para la reunión familiar de los Davis, que llegan a su lujosa mansión lejos del mundanal ruido, para celebrar el aniversario de bodas de los padres. Los cuatro hijos – tres hombres y una chica – llegan acompañados de sus parejas.



No pasa mucho antes de que sucedan dos cosas: que en plena cena uno de los personajes sea asesinado ante los ojos de todos y también, si es que usted presta suficiente atención se dará cuenta de que la pesadilla que está por ocupar la pantalla los siguientes sesenta minutos, tiene un responsable – más allá de los anónimos con máscaras de cordero, zorro y tigre – bastante evidentes, aún si se pretende que su identidad sea “sorpresa”.



Si esto no le importa, seguramente pasará un buen rato viendo las ingeniosas maneras de matar que Wingard concibe para virtualmente todo su elenco – que incluye a la estrella de culto Barbara Crampton, de Doble de cuerpo y la legendaria Re-Animator – cada una más sangrienta que la anterior, con una aguerrida heroína (la guapa modelo australiana Sharni Vinson) que no le va a la zaga en estos menesteres de ser la única sobreviviente a Jamie Lee Curtis, aunque es más hábil para despachar a los asesinos y no grita de modo tan escalofriante.

No hay nada nuevo aquí, por mucho que la atmósfera, los giros de cámara y las intenciones del director lo pretendan. El guión es rutinario y predecible; los actores hacen lo que pueden y el resultado es entretenido, pero nada del otro mundo. Las personas más susceptibles quizá se sientan intimidadas (especialmente por el recurso de despojar a los asesinos de rasgos humanos) pero al espectador que ha visto cosas como esta anteriormente, no le hará una impresión perdurable más allá de algún susto deliberado y muy breve.

Tú eres el siguiente / You're Next
Con Sharni Vinson, Nicholas Tucci, A.J. Bowen y Barbara Crampton
Dirige: Adam Wingard
EU 2011

Zac Efron: “Me encanta superar los prejuicios”

Miguel Cane.



Dar el salto de ídolo juvenil a actor serio no es algo fácil, pero para Zachary David Alexander Efron (San Luis Obispo, California, 1987) la transición ha sido más compleja, porque lo ha hecho en el ojo de un huracán de paparazzi y admiradoras adolescentes alrededor del globo. Aunque se inició en teatro desde que era niño e hizo algunas apariciones en televisión desde su adolescencia, su carrera realmente despegó cuando a los 18 años participó en el telefilme High School Musical, de la casa Disney, que lo catapultó a la fama y a los sets de cine en los que ha trabajado con figuras como John Travolta, Michelle Pfeiffer, Kim Basinger y Ray Liotta.



Ahora llegó la oportunidad de interpretar su primer rol adulto en la polémica cinta The Paperboy (titulada en México Amores peligrosos), basada en la novela de Pete Dexter, dirigida por Lee Daniels y que compitió por la Palma de Oro en Cannes. Efron trabaja al lado de Nicole Kidman, Matthew McConaughey y John Cusack en su personificación de Jack Jansen, hijo del dueño de un periódico en una ciudad del sur de Estados Unidos a finales de los sesenta. Su hermano mayor (McConaughey), que es periodista investigador, y Charlotte Bess (Kidman), una tentadora mujer, los involucran en la investigación de un crimen cometido en los pantanos de Florida, todo con el fin de exonerar a un preso acusado (Cusack); pero las circunstancias son mucho más siniestras y retorcidas y el muchacho tendrá que someterse a un duro golpe de realidad al descubrir que nada es lo que parece.



¿CÓMO HA SIDO LA TRANSICIÓN HACIA EL CINE ADULTO? ¿TE SIENTES REALIZADO?
¡No, para nada!, yo más bien me siento ansioso por seguir creciendo, por seguir probando cosas nuevas, y no creas que es fácil. Yo siempre trato de encontrar papeles que realmente me gusten, que me ayuden a hacer cosas distintas, y eso puede ser algo complicado porque los estudios suelen desarrollar sus películas sobre unos patrones que están algo estandarizados.

SIN EMBARGO, ESTÁS EN UNA POSICIÓN PRIVILEGIADA AL PODER ELEGIR...
Sí, la verdad tengo mucha suerte. Me ofrecen cosas de todo tipo, no tengo que buscar trabajo como antes, y lo agradezco. Entre todo lo que me ofrecen, trato de buscar esa película que a mí me gustaría ir a ver al cine y que además me haga crecer como actor. Me gusta aceptar desafíos para así poder sorprender a la gente. Después de High School Musical muchos de los papeles que me ofrecían se parecían demasiado a lo que ya había hecho, así que antes de lanzarme a rodar sin pensar, decidí parar un segundo y plantearme realmente con qué directores me apetecía trabajar.



NO TE CONFORMABAS CON LA IDEA PRECONCEBIDA DEL ÍDOLO JUVENIL Y LA FAMA FÁCIL QUE CONLLEVA...
Exactamente, no quería conformarme, quería seguir creciendo y si, por ejemplo, para ello debía cobrar menos, pues adelante. Y si hacer una película como The Paperboy pone en riesgo mi imagen con las adolescentes, lo siento. No puedo ser un adolescente para siempre, aunque nunca olvidaré que así empecé y que les debo mucho a esas chicas que ven las películas y compran las revistas y todo eso. Pero es necesario crecer, tú sabes cómo es eso. Si no evolucionas te estancas y en 10 años, ya no tienes nada qué hacer. La suerte que tengo es que sí me surgen proyectos interesantes, como cuando me llegó el guión de esta película. Jack es uno de los mejores papeles que me han ofrecido.

¿QUÉ ES LO QUE MÁS TE CAUTIVÓ DEL GUIÓN CUANDO LO LEÍSTE?
La historia de amor entre estos hermanos, historia de amor que es la de la obsesión por Charlotte y las relaciones interpersonales que se dan entre los personajes. Es algo muy sórdido, pero también de una belleza incomparable. Además, como te decía, yo me tomo muy en serio a toda la gente que me ha estado siguiendo y apoyando desde mis inicios. Sin ellos no sería lo que soy. Pensé que les gustaría a las fans porque muchas han crecido conmigo, han cambiado como yo y ahora ya son mayores de edad. Así que también el modelo de películas en los que participo debía cambiar. Y me moría de ganas de trabajar con Lee Daniels, sin duda, uno de los mejores directores con los que he trabajado nunca.

¿TUVISTE ALGUNA RESERVA, O COMPRENDISTE EL MÉTODO DE DANIELS DESDE EL COMIENZO?
Siempre he visto a Lee como un artista brillante, así que lo seguí ciegamente, confiado y entusiasta. Él es un creador que busca la belleza aun en lo más crudo, y la esencia de la verdad en todas las historias que cuenta, así que creí en él y siempre me sentí seguro. Yo era fan de su trabajo. Precious es una película maravillosa y real, y sabía que él tenía mucho que enseñarme. Y yo estoy aprendiendo siempre. Lo único que dijo que quería de mí, era que no tuviera miedo de hacer las escenas que como Jack tenía que hacer, bailar semidesnudo en la lluvia, algunas escenas muy violentas, y no lo tuve. Confié y confío totalmente en él.

¿CÓMO TE SENTISTE AL ESTAR FRENTE A FRENTE CON NICOLE KIDMAN? ¿TE DIO CONSEJOS?
Nicole es alucinante: es una gran estrella; yo estaba nervioso al principio, porque hombre ¡es Nicole! Y sin embargo, es muy sencilla, sigue divirtiéndose mucho durante el rodaje. Su personaje, Charlotte, no tenía nada qué ver con ella y eso le gustaba, ya sabes, poder jugar con los límites. Tuvimos una escena de la que todo mundo habla, no es secreto, a mi personaje lo muerden unas aguamalas en el mar y ella tiene que orinar sobre Jack para aplacar el ardor. Primero yo estaba un poco mortificado, no sabía qué iba a pasar, y ella y Lee me sorprendieron por su aplomo. Ella hizo lo que tenía que hacer y Lee lo filmó y quedó en un par de tomas. Totalmente profesional. Es maravillosa. Además, es muy cariñosa. Más que consejos, me hablaba de su experiencia y escuchaba lo que yo tenía que decir, es una gran escucha: está llena de vida, es alguien muy especial.

AHORA QUE HAS RODADO UN DRAMA, ¿CUÁL ES TU PRÓXIMO RETO PARA SEGUIR CAMBIANDO DE IMAGEN?
Me encanta superar todos los prejuicios, demostrar que puedo hacer cualquier cosa. Me atrae lo que me obligue a superarme. Después de hacer esta película veo que no tengo miedo a hacer cosas inesperadas, romper el estereotipo y madurar como intérprete y como persona. Antes me preocupaba mucho lo que la gente pudiera pensar de mí, pero ahora no. No podría vivir pensando en lo que van a opinar sobre mí... ¡es imposible gustarle a todo el mundo! En todo lo que hago procuro celebrar lo bueno y olvidar lo malo. Trato de concentrarme y disfrutar del trabajo. Eso es lo que quiero.

Amores Peligrosos / The Paperboy, de Lee Daniels

Pasiones encendidas

Miguel Cane.



Lee Daniels es un cineasta con una idiosincracia muy peculiar, que consigue siempre una mezcla entre lo sórdido y lo hermoso, lo grotesco y lo luminoso. Así fue con su filme anterior, Precious (2009), pero en The Paperboy – basada en una novela de Pete Dexter, que en el año 2000 estuvo a punto de convertirse en el debut en inglés de Pedro Almodóvar, y que se estrena en México con el engañoso y ordinario título Amores peligrosos – lleva sus intereses temáticos al extremo, con resultados muy disparejos.



La trama gira en torno a los hermanos Jack y Ward Jensen (Zac Efron y Matthew McConaughey) quienes son originarios de un pueblo en Florida, hijos del dueño del periódico local. Mientras el mayor se ha convertido en periodista, el menor aún vive en casa y no sabe qué hacer con su vida, tras dejar la universidad.

Es el verano de 1969 y el clima sociopolítico está cambiando drásticamente; las vidas de estos dos personajes – cada uno con un secreto – se verán perturbadas por la presencia de Charlotte (Nicole Kidman en una actuación que es lo más relevante y revelador de la película) una despampanante mujer que busca liberar a su amante (John Cusack, irreconocible) de prisión, acusado de un crimen que jura no haber cometido. No obstante, no todo es lo que parece entre ellos y la situación desbordante de pasiones, tomará un giro violento y brutal.

Daniels toma elementos del film noir tradicional (la mujer fatal, el clima tórrido, las personalidades retorcidas) y las baña con su estilo personal de histeria y exageración. La cinta es atractiva, pero resuelve su argumento a trompicones y la violencia algunas veces resulta un derroche. Lo que más ayuda son las actuaciones: donde McConaughey está sobreactuado, Efron sorprende en su primer rol adulto y la Kidman está sensacional, rompiendo nuevamente los esquemas para demostrar que no le tiene miedo a prácticamente nada.

La cinta es deliberadamente polémica y en algunos aspectos, frustrante, su ritmo desaforado podrá causar malestar, pero definitivamente vale la pena acercarse, aún si sólo se hace para ver a dos intérpretes (Cusack y Kidman) hacer un trabajo visceral y memorable.

Amores Peligrosos / The Paperboy
Con Nicole Kidman, Zac Efron, Matthew McConaughey y John Cusack
Dirige: Lee Daniels
EU 2012

Gillian Anderson: “Tengo 45 y me gusto como soy”

Miguel Cane.



Para millones de fanáticos alrededor del mundo, Gillian Anderson (Chicago, 1968) siempre será la agente del FBI Dana Scully. Pero por estos días la ex protagonista de Los expedientes X ya no ivestiga invasiones extraterrestres o fenómenos paranormales sino algo mucho más terrenal y aterrador. En el nuevo drama de la BBC The Fall, la bella pelirroja encarna a Stella Gibson, una inspectora policiaca llamada con urgencia para asistir en la investigación de una serie de brutales asesinatos de mujeres en Belfast, Irlanda del Norte. La serie de cinco episodios de una hora ha causado sensación desde su estreno, por lo que ha sido renovada para una segunda temporada para fortuna de Gillian, quien asegura que el papel representa uno de sus favoritos hasta la fecha.



¿QUÉ TE HIZO VOLVER A UNA SERIE DE TELEVISIÓN, Y DE TEMÁTICA DURA, ADEMÁS?

Stella se me abalanzó al instante, desde la primera página. A menudo, cuando un personaje puede hacer eso, el resto del guión no está a la altura, pero los guiones de Allan Cubitt son muy convincentes. Me encanta la forma indefinida de ser de Stella. Incluso en el final de esos cinco capítulos, no sabes en realidad quién es ella o cuál es su historia. Ella no revela nada. Es muy independiente, aun si es una mujer en un mundo de hombres. En esa situación puedes seguir uno de dos caminos: o consigues lo que quieres utilizando tu feminidad, o aprendes a ser severa y a exigir el respeto que mereces basado en tu experiencia. Stella es más lo segundo.



SE TE RECONOCE POR INTERPRETAR PERSONAJES FUERTES, INCLUSO DE DICKENS, COMO MISS HAVISHAM Y LADY DEDLOCK...

Me llaman para hacer personajes fuertes, así que no es por elección, pero no me molesta. Me gustan las mujeres fuertes. Scully lo era y muchos de los personajes que he interpretado son de personalidades fuertes, aunque también tienen debilidades igualmente grandes. Eso las hace humanas. No me ofrecen seguido ese tipo de papeles en los que se llevan las vulnerabilidades a la vista, por lo que me encantaría que alguien me enviara algo donde pueda ser una mujer más simple. Incluso algo cómico sería bienvenido. Señores productores, estoy dispuesta para una comedia (risas).

¿CÓMO COMPAGINAS TU TRABAJO CON TU ROL DE MADRE DE UNA ADOLESCENTE Y DOS PEQUEÑOS?

Cuando me ofrecen algún papel mi primera pregunta, incluso antes de ver el guión, es ¿cuáles son las fechas? Si me interesa algo y quiero hacerlo, entonces dejo el calendario abierto. Con The Fall, que se rodó en Irlanda del Norte, dije que podía hacerlo si me permitían regresar los fines de semana a Londres, donde vivo casi todo el año y donde los niños van a la escuela. Estuvieron de acuerdo e incluso me dieron una semana libre a media filmación. Me gustó que fuera de formato tan breve, porque me dio tiempo para estar con mi familia. He escogido numerosos papeles pequeños que son los que mejor se ajustan a mis horarios y a los niños, pues nunca he estado lejos de ellos más de dos semanas.



SIENDO UNA APASIONADA CONFESA DEL CINE, ¿POR QUÉ VIVES LEJOS DE HOLLYWOOD?

Mi intención original no era la de estar en el Reino Unido de tiempo completo. Compré una casa en Londres cuando tenía 35 años, pero siempre asumí que sería un lugar temporal, donde podría pasar un par de meses al año. Pero entonces me enamoré, cuando conocí al que sería mi segundo esposo (el documentalista Julian Ozanne), y también me enamoré de Londres. Ahora me da la sensación de que es el lugar indicado para mí. Los niños están en la escuela, y eso de mudarme a Los Ángeles para ir en busca de otras cosas no sería justo para ellos.

¿CÓMO FUE LA EXPERIENCIA DE LA MATERNIDAD EN UN MEDIO COMO ÉSTE?

Si recapitulo, habiendo sido madre por primera vez en mis veintes, no creo haberme dado cuenta en ese momento de la importancia de ese papel. Puedo decir que hice mi mejor esfuerzo y que luché duro para pasar todo el tiempo posible con mi hija, incluso si eso significaba que estuviera en los sets de Los expedientes X conmigo todo el día. Hay algo muy distinto en ser una mamá mayor y tener esa experiencia de vida; se aprecia más de alguna forma. Se vuelve más y más importante pasar tiempo de calidad con tus hijos. Piper, mi hija mayor, es muy independiente, nos divertimos mucho juntas. Es un tipo diferente de responsabilidad el que se tiene con una adolescente, ya que a esa edad empieza a convertirse en tu amiga.



¿LE TIENES GRATITUD A DANA SCULLY?

Desde luego. Sería una ingrata si no lo reconociera. Cuando me ofrecieron el programa piloto de Los expedientes X estaba ya en mi último cheque de desempleo y estaba durmiendo en el sofá de alguien, literalmente. Era joven e ingenua y no sabía en lo que me metía. Por lo general me lanzaba en proyectos sin detenerme un momento para evaluar la situación, pero si tuviera la oportunidad otra vez, no la cambiaría por nada. Chris Carter me dio una gran oportunidad.

HOY EN DÍA TENER MÁS DE 40 AÑOS NO PARECE INDICAR QUE SE AGOTEN LOS PAPELES. ¿CÓMO LO LLEVAS TÚ?

Te diré que nunca solía molestarme en pensar en el cabello, maquillaje y todas esas cosas, pero he empezado a prestarle un poco más de atención y supongo que eso tiene que ser vanidad. Ahora me importa un poco más cómo luzco de lo nunca antes lo había hecho, y es la edad. No me esfuerzo demasiado para mantenerme en forma. Practico yoga un par de veces a la semana y corro un poco. Nunca voy a ser esa persona que se levanta todos los días a las cinco de la mañana antes de que los niños se despierten para ejercitarme por una hora. Tengo 45 años y me gusto como soy. Prefiero envejecer naturalmente, como Judi Dench y Charlotte Rampling, las actrices que admiro.

¿Y NO HAS SENTIDO LA PRESIÓN DE RECURRIR A LA CIRUGÍA PLÁSTICA?

Alguna vez cruzó por mi mente. Recuerdo que hace un par de años, mirándome en el espejo cuando me estaba poniendo maquillaje para una obra de teatro, me di cuenta de algunos cambios. Estaba tan sorprendida que por un par de segundos me convencí a mí misma que había comido algo a lo que era alérgica. Entonces me di cuenta: "No, eso es lo que pasa cuando te haces vieja". Hay muchas cosas acerca de envejecer con las que todavía estoy muy ilusionada y lo espero con gusto.