Cine Visiones

¡BIENVENID@S! Esta semana en Cine Visiones

2012-01-26T15:17:00.002-06:00

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Drive, de Nicolas Winding Refn

2012-01-26T14:53:00.006-06:00

Un Noir Postmoderno

Miguel Cane

En Drive, el formidable realizador noruego Nicolas Winding Refn vuelve a presentarnos a un protagonista parco en palabras, pero rico en emociones, tal y como hizo en su espectacular Valhalla Rising y lo vuelve a introducir en un viaje existencial.

Esta vez la acción tiene un trayecto es menos onírico; el conductor que es el personaje central de la historia, encarnado por Ryan Gosling, con aplomo, mesura y dosis impactantes de carisma, es anónimo, silencioso, sereno, sin pasado, sin historia ni futuro. Simplemente se sabe de él el trabajo que realiza. Este tipo de antihéroes remite a los gloriosos personajes interpretados por Clint Eastwood para Sergio Leone.

Con una estética noir, una destacada atmósfera y mucha influencia de títulos como Bullit o Vivir y morir en Los Ángeles. Ahora bien, hay algo que el espectador debe saber de antemano. Esta no es una película de acción común y corriente: hay escasas secuencias trepidantes y para ser una película sobre un conductor, hay pocas persecuciones. Quien espere ver una cinta llena de secuencias con ritmo, explosiones y tubos de escape, estilo Fast & furious, mejor que busque otra cosa. Este es un filme perfectamente estilizado, con un control tenso de su historia palpable en todo momento. Es magnética, excitante, fría, peligrosamente adictiva.

Este gran control es gracias al soberbio trabajo de Nicolas Winding Refn, quien ganó el premio a la mejor dirección en el Festival de Cannes de 2011, categoría en la que podría haber sido vencedor en cualquier otro certamen y también con cualquiera de sus dos películas anteriores, Valhalla Rising y el enorme Bronson. Es particularmente importante su labor aquí ya que su estética, atmósfera y pulso sustituyen aquí la trama, que es básicamente un giro sobre la idea de un robo fallido y se basa en un protagonista que deliberadamente no tiene una psicología explorada en ningún momento. Es una película que resulta apasionante pero no por lo que cuenta sino por cómo está hecha.

Ryan Gosling, es un actor enorme y fascinante (que la Academia lo haya ignorado es un crimen) capaz de hacer trabajos de gran veracidad y humanidad. Es el protagonista perfecto en un filme dirigido por uno de los realizadores más interesantes actualmente y quien vuelve a demostrar su gran dominio tras la cámara en un filme que para los amantes de la acción pura puede resultar aburrido, pero que tiene toda la calidad necesaria para ser considerado de culto desde el momento de su estreno y que ningún cinéfilo de pura cepa debe dejar pasar.

Drive
Con Ryan Gosling, Carey Mulligan y Albert Brooks
Dirige Nicolas Winding Refn
EU/Noruega/Gran Bretaña 2011

Biopics: la apuesta segura

2012-01-18T08:20:00.012-06:00

Todo actor que quiera un Oscar, sabe que la mejor manera de lograrlo es realizar una biopic. Aquí, un recuento de algunas de las más exitosas y oscarizadas en memoria reciente.

Miguel Cane

Usted lo sabe, si es un actor de Hollywood y quiere ganar un Oscar, lo que tiene que hacer es una pelicula en la que encarne a un personaje famoso de la vida real – hay puntos extra si es alguien con impedimentos o si es un músico/a – que tenga un episodio dramático en su vida: adicción a los estupefacientes, violencia doméstica, poliamor, etcétera. No falla. A la Academia el sentido común le sale disparado por la ventana y cuando el retrato es lo suficientemente realista, la estatuilla ya está prácticamente en las manos del intérprete. ¿No lo cree? Vea los casos de actores/actrices más bien limitaditos como Jamie Foxx o Marion Cotillard, se hicieron de prestigio (y en el caso de la Cotillard, que solo es capaz de interpretar bellísimas variaciones de sí misma, por lo que muchos dicen que su Piaf es un logro, de fama internacional) y celebridad. Este año, Meryl Streep podría obtener su tercer Oscar por su interpretación como la polémica y poco querida ex primera ministra de Reino Unido, Margaret Thatcher en La dama de hierro. Y aunque sería poco halagador que ganase por hacer de un personaje tan nefando, es una gran posibilidad. Y aqui recordamos algunas actuaciones en biopics que fueron premiadas...

Toro Salvaje
(1980)
Legendaria cinta de Martin Scorsese en la que Robert DeNiro literalmente se convierte en el boxeador Jake LaMotta, describiendo su llegada a la cima y su estrepitosa caída. Realizada en blanco y negro y con una urgencia casi documental, esta película es uno de los trabajos más formidables del cineasta neoyorquino, si bien no logró el Oscar a la mejor película – ese privilegio fue para Gente como uno, debut de Robert Redford – se llevó un Oscar para Bobby, (el segundo) y se ganó un lugar como una de las mejores biopics de la historia.

La hija del minero
(1980)
Sissy Spacek no ganó un Oscar por su formidable creación como Carrie White, la adolescente atormentada que se desquita de un pueblo entero en la cinta de Brian DePalma sobre la novela de Stephen King. Sin embargo, Michael Apted le valió una estatuilla al convertirla, literalmente, en la célebre Loretta Lynn, diva del country cuya vida fue un drama. No solo cantó sus propias versiones de las canciones, sino que lució fabulosas pelucas que se merecían tanto el premio como ella.

Ed Wood
(1994)
¿Se acuerdan cuando Tim Burton hacía buenas películas con Johnny Depp? ¿Sí? Esta probablemente es la mejor, anterior a la época en que se volvieron esclavos de Mr. Dollar y de sus hordas de fans (así en plural). Aquí Burton rinde homenaje a Edward Davis Wood Jr., considerado el peor cineasta del mundo, objeto de culto, travesti perdido, iconoclasta pendenciero, rockero, insurgente moderno, complaciente, poeta y alucinado (entre otras cosas) Martin Landau brilla haciéndola de Bela Lugosi ganándose un Oscar por su brillante trabajo. De todas las biopics hechas antes de que fueran un cínico requisito para ganar estatuilla, esta es una de las más notables y emotivamente ricas. Lástima que Burton & Depp ya no sepan hacer cosas así.

Capote
(2005)
Hubiera sido muy fácil hacer un estereotipo de una película acerca de Truman Capote – vamos, el propio Capote sabía que era un estereotipo andante – y Philip Seymour Hoffman lo sabía, así que se lo tomó muy en serio, para transforamarse en el autor de Desayuno en Tiffany's justo cuando escribía su obra maestra: A sangre fría. El trabajo de Seymour Hoffman es logradisimo (y los trucos de cámara le ayudan, mide 1.80 donde Capote era veinticinco centímetros más bajo) hasta en la voz. Este Oscar estaba cantado, aunque muchos opinan que el Capote de Toby Jones en Infamous es incluso mejor.

Ray
(2004)
Jamie Foxx era la opción menos ortodoxa para encarnar a Ray Charles en la biopic acerca del prodigio invidente del piano. Foxx solo había hecho comedia y rapeado, pero Taylor Hackford creyó en él y le sacó la única interpretación realmente buena que ha tenido en su carrera (ni Michael Mann ha podido hacerlo actuar), con matices y sentimiento (aparte de hacerlo tocar el piano a ciegas). Después del Oscar Foxx se volvió perezoso y no ha vuelto a hacer nada interesante.

Mi nombre es Harvey Milk
(2008)
Sean Penn – que siempre es tan intenso – obtuvo su segundo Oscar por su relajada, matizada y hasta entrañable encarnación de Harvey Milk, el activista gay que obtuvo un puesto de elección popular en San Francisco y fue asesinado en su oficina, en un caso que fue un escándalo y un momento clave en los derechos igualitarios. Dirigida por Gus Van Sant, que había andado deambulando por los cañones del cinema independiente, la cinta es preciosa... excepto por un detalle. La atroz aparición de Diego Luna como la pareja de Milk. Una cosa es hacer de una loca estridente (presuntamente así era el personaje) y otra, es hacer de una loca estridente muy fingida para que la gente no se olvide de que no eres gay y Diego hace un ridículo insufrible.

La Reina
(2006)
El triunfo en los Oscares de Helen Mirren por su preciosista retrato de Isabel II en este filme de Stephen Frears, que especula acerca de la vida de la soberana en los días inmediatamente posteriores a la repentina y engorrosa muerte de su ex nuera, la plebeya ésa que nunca debió casarse con Carlos y que acabó convertida en una santa mártir gracias a la Prensa Rosa, estaba más cantado que el Cielito Lindo. No que Dame Helen no se lo mereciera y no que su trabajo no fuera impecable, pero ese año acabó por opacar a todas... y no ha vuelto a encontrar un rol a la altura de sus muchos merecimientos.

La vida en Rosa
(2007)
Odiosa cinta pseudobiográfica que ostensiblemente cuenta la historia de Edith Piaf cuando era solo una chamaca que se ganaba la vida cantando en la calle. Llena de mentiras y medias verdades, la película es condescendiente y chafa... pero cuenta con una actuación muy cuidada de la Cotillard en el rol central, y además (según se dijo) ella misma canta a Piaf en vez de hacer fonomímica (que es el procedimiento habitual), lo que le valió que le arrebatara de las manos a la celestial Julie Christie, que realmente se merecía el Oscar por su trabajo en Lejos de ella.

Daniel Craig: un nuevo héroe

2012-01-13T14:35:00.039-06:00

Miguel Cane

En la recién estrenada versión hollywoodense de La chica del dragón tatuado, dirigida por David Fincher – Se7en, El Club de la Pelea – Daniel Craig (Londres, 1968) es Mikael Blomkvist, el protagonista de la exitosa saga Millenium, de Stieg Larsson, su segunda oportunidad de encarnar a un personaje icónico de la literatura de suspense, ya que también es James Bond y ha logrado hacer suyo, contra todo pronóstico, al famoso personaje creado por Ian Fleming.

Para promover La chica, en que comparte créditos con, entre otros, Rooney Mara y Christopher Plummer, Craig, totalmente británico, alto, formal, participa en eventos de prensa organizados por el estudio, sin embargo, se mantiene siempre en guardia, aunque de manera cordial. Es por naturaleza desconfiado con la prensa y muy celoso de cuidar su vida privada, manteniéndola alejada de la atención pública, más aún desde que contrajo matrimonio con su hermosa colega Rachel Weisz. “No tengo miedo de expresar mis sentimientos en público, pero, si vendes tu vida privada, la pierdes y ya no la puedes recuperar. Así que celebramos una ceremonia íntima. Y lo hicimos así porque teníamos nuestras razones… privadas. Tú me entiendes.”

Cuando se anunció que habías sido elegido por Fincher para ser Blomkvist en su versión americana de la saga, fue algo que sorprendió a propios y extraños, incluyendote, ¿no es verdad?
“Cierto. Me sorprendió recibir la propuesta, no tanto el anuncio (se ríe). No pensé que David me considerara y me quedé muy sorprendido al recibir la propuesta formal, incluso antes que el guión. Entré al proyecto con mucho entusiasmo. Por un momento, me sentí aterrorizado, claro, pero siempre me pasa, soy un simple actor y todos los proyectos como éste, no importa cuántos años lleves en esto, te dan vértigo. Luego, cuando comenzó el rodaje, me sentí orgulloso de poder trabajar con actores como Christopher Plummer, Robin Wright, Stellan (Skarsgard) o Joely Richardson. Y por supuesto, Rooney, que hace de esta película lo que es. Sin ella, todo esto no podría ser posible y no lo digo solo por decir. Ahí están las escenas.

Obviamente sabías a lo que te metías. ¿Fue un trabajo muy exigente para ti?
Como sabes, el libro es muy duro y si ya viste la película, sabes que es una adaptación muy fiel. Por eso no pude decir que no. David me prometió que no se iba a doblar ante nada ni a cortarse un pelo para filmarla tal como quería, que es tal como es y lo hizo de un modo que me deja impresionado. Es un gran director. Es un temerario. Me gustó que su visión fuera tan apegada al libro y que la defendiera.

¿Dirías que es un retorno al cine para adultos de los 70? Es algo que ya no se hace.
Exacto. Esto es cine para adultos. Hay sexo y violencia, y son a veces explícitos,a veces sugeridos. Eso a mi modo de ver, los hace más potentes. Ojalá más estudios volvieran a atreverse a hacer películas como El Padrino o Taxi driver, con las que crecí.

El sexo explícito y violento en pantalla, como se muestra en la película, ha sido muy polémico para ciertos sectores. ¿Cómo fue para ti ver la película completa, con público?
Me fascinó ver la película con público y escuchar sus reacciones, verlos salir de la sala. Así supe que todo el tiempo David tuvo la razón. Sabía que era oscura y fuerte, pero no daba crédito a lo que se había conseguido. Lo hicimos sin el voto de confianza de muchos… así que el resultado satisfactorio. No me molesta en absoluto que tenga una clasificación para adultos. Es lo que es. Como las novelas. No se trata de algo que no tenga un público definido. Lo tiene.”

¿Qué recomiendas al espectador sobre esta cinta?
“Que vaya a verla con la mente tan abierta con le sea posible y luego se deje envolver por el universo que presenta. Espero que pueda crear un seguimiento y que impulse a su público a encontrar la capacidad de imaginar por si mismos, que es algo que ha entrado tristemente en desuso y es una aptitud que no debe perderse. Es un proyecto muy personal de David. Tiene una pasión por su trabajo y en este caso, se advierte en cada aspecto del filme. Cuando esto sucede, se nota.

¿Vieron las versiones suecas como referente?
Yo ya las conocía, aunque no las volví a ver, pero releí mucho los libros, para tener clara la visión de Blomkvist. Cuando te metes en un personaje tanto tiempo, toda herramienta que tengas a la mano, es buena. Hay gente que prefiere no hacer cosas así, pero a mi me funciona.

Evidentemente, ya firmaste para hacer las otras dos partes
Las siguientes dos partes las filmaremos en secuencia y David ya tiene muy claro lo que quiere hacer. Como actor, es rara la ocasión en la que puedes participar en algo así.

Estás filmando en este momento Skyfall, tu tercera película como el 007, y esta semana se difundieron declaraciones de los productores que apuntan a que desean que encarnes el personaje en al menos cinco ocasiones más. Romperías el récord de Roger Moore y Pierce Brosnan...
“Lo que leíste es lo mismo que yo puedo decirte. No puedo ahondar, por las cuestiones legales que conoces. Pero la intención existe. James Bond es un personaje que me ha dado mucho y Skyfall es un filme que estoy disfrutando mucho hacer, pero no puedo tampoco hablar de él (risas). Tú sabes cómo es esto. Tendrán que esperar y ver qué pasa, en Octubre. ¡Ya no falta tanto!

Con ustedes Lana del Rey

2012-01-13T14:34:00.012-06:00

David Guzmán

Que si Lana del Rey es un ‘producto’ milimétricamente fabricado, que si es hija de un multimillonario o que tuvo una vida desastrosa al lado de un rockero vicioso, que si se inyectó algo en los labios o que si es un éxito temporal de internet, es algo que personalmente me importa muy poco o realmente nada.

Lo que me ha impactado de esta mujer, no tiene nada que ver con los chismes que se le atribuyen y ni siquiera con su belleza extraordinaria. Lo que me importa de Lana del Rey tiene que ver con su enorme talento, una preciosa voz y un estilo único que provoca un solo pensamiento: hace mucho tiempo que no nacía una artista de este calibre así que “Bienvenida señorita Elizabeth Grant, a.k.a Lana del Rey”

Esta cantante y compositora neoyorkina está causando tal revuelo que lo mismo la encontramos engalanando la portada del Billboard que alguna revista de belleza rusa, sus videos en Youtube han alcanzado millones de visitas en tiempo récord y sus presentaciones en vivo comienzan a vender totalmente las localidades.

No me extraña. Al parecer la gente también se harta de Biebers, Spears y y Gagas, todos artistas ‘comerciales’ (algunos más talentosos que otros, sin duda) que parecen olvidar lo genial que es lo sencillo y que tratan de apantallar con parafernalias, costosos vestuarios y canciones de fórmulas probadas, dejando oculto en algún lado lo más importante: el talento y el regreso a lo básico.

No importa que la Srita. Del Rey (nombre tomado de la combinación de Lana Turner y del auto Ford Del Rey) no tenga todavía un disco formal en el mercado (el mismo sale a la venta el 31 de enero de este año), tampoco importa que sus videos en onda ‘retro’ se vean hechos con tres pesos, esta cantante ya hace apariciones en populares shows de televisión, pequeños conciertos en vivo y las pocas canciones que se pueden conseguir en la red, comienzan a invadir los reproductores de música de gente ávida por escucharla.

No daré más detalles de su corta carrera (para eso está Wikipedia), ni ahondaré en lo que ella ha mencionado tantas veces de su estilo (una Nancy Sinatra gángster), ni de sus influencias “visuales” (menciona a David Lynch, entre otros); simplemente me limitaré a sugerirles estar atentos a ella, a que se olviden de todos los rumores que la envuelven y que mejor presten atención a su exquisito arte que la convertirá en uno de los grandes nombres que sonarán en el 2012; de mi se acuerdan.

Siempre el mismo día / One day, de Lone Scherfig

2012-01-05T12:24:00.007-06:00

Siempre es hoy

Miguel Cane

Cuando una película cuenta con una buena directora al frente (Lone Scherfig hizo un trabajo excelente con Enseñanza de vida), dos buenos actores como cabezas de un elenco sólido – Anne Hathaway es posiblemente la mejor actriz de su generación, por mucho, y su carisma casi siempre basta para elevar un proyecto, mientras que Jim Sturgess tiene lo necesario para protagonizar una cinta de este tipo y Patricia Clarkson brilla en sus cuatro escenas – , tiene escenarios naturales de primera (Londres rara vez ha lucido más atractivo) y está basada en una novela de éxito, adaptada por su propio autor, es inexplicable que fracase. Pero este es el caso: Siempre el mismo día es un desastre espantoso, sin ninguna cualidad que la redima, pese a los recursos arriba enumerados. Ahora sí que ni siquiera Anne la pudo salvar.

La trama inicia el 15 de julio de 1988, cuando el petulante niño rico (pero con buen corazón) Dexter Mayhew y Emma Morley, que es pobre pero muy inteligente, se conocen e inician una relación de amistad que durará dos décadas. Entre Anne y Sturgess hay química, entonces, ¿qué es lo que no funciona? Los personajes, por mucha química que tengan los actores y mucho método que le apliquen, no interesan. Da igual si Dexter se desubica mientras busca su lugar en el mundo y cae en las drogas y el vicio de la piel ajena. No lo llegamos a conocer lo suficiente como para que nos importe. Cuando llegamos al 15 de julio de 1993 o 1997, da igual. Lo mismo pasa con Emma – Anne, como siempre, es excelente en su trabajo; su acento británico de clase obrera es perfecto, su presencia en pantalla cuando la vemos ir en bicicleta es radiante, pero como con su comparsa, también da igual.

Para cuando llega el momento en que de veras tiene que importarnos, conmovernos y sacudirnos lo que le va a pasar a esta pareja, ya lo adivinamos, lo vimos venir desde muy lejos y la verdad es que no nos importa para nada: no hay impacto emocional, no hay empatía. No es culpa de los actores – aunque uno espera sinceramente que a la Clarkson le hayan pagado bien por hacer esto – ni de la directora, que aquí es congruente con su reparto y obtiene de ellos un trabajo sólido, aunque, valga la redundancia, indiferente. Quizá en parte el problema es que David Nicholl, al adaptar su propia novela se pasa de indulgente y acaba por sabotear su propia trama, que acaba volviéndose demasiado banal y la pobreza del guión lo deja bien claro. Los recursos se sienten deseperdiciados y la sensación de desencanto se hace aparente en los primeros treinta minutos de proyección, para crecer ominosa y cargante hasta el desenlace, que se siente como una bofetada, como un chiste que se ha alargado tan innecesariamente que pierde la gracia.

Vendida como una comedia romántica (cosa que no es) o bien, como una chick-flick (cosa que tampoco es), este melodrama predecible, monótono y estéril condesciende en su publicidad, en un esfuerzo del departamento de marketing de su distribuidora para llegar a un sector del público que se acerca a la sala con la idea de que verá algo muy concreto, y no merece ser estafado. No vale la pena, y eso, considerando todo el talento involucrado, es una verdadera lástima.

Siempre el mismo día/One day
Con Anne Hathaway, Jim Sturgess, Romola Garai, Rafe Spall y Patricia Clarkson
Dirige Lone Scherfig
EU/Reino Unido
2011

Hugo, de Martin Scorsese

2012-01-03T16:13:00.011-06:00

El cineasta neoyorquino celebra medio siglo en el cine como suele hacerlo, arriesgándose, y lo hace con una de las películas más hermosas no sólo de su carrera, sino del cine en este nuevo siglo.

Miguel Cane

El recién nacido 2012 apunta a ser un año clave para Martin Scorsese: cumplirá en el otoño 70 años de edad y, poco antes, 50 en el oficio que ama obsesivamente: el de cineasta. Los celebra con el estreno de Hugo, su primer filme diseñado en 3D —aunque puede ser visto sin ningún problema en pantallas normales, es muy recomendable verlo en su formato original—, basado en el libro La invención de Hugo Cabret, escrito por Brian Selznick y dedicado al rescate en la memoria popular del enormísimo Georges Méliès, padre del cinema narrativo y fantástico, cinta con la que Paramount Pictures también da inicio al año de celebraciones por su centenario.

El filme, que Scorsese realiza por primera vez sin el cobijo de la Warner Bros —que fuera su “casa” por más de 20 años— es una obra de cuidado detalle y preciosa ejecución, en la que consigue el balance delicado entre la fantasía y el melodrama, al más puro estilo cinematográfico de los años treinta —una época que, por otra parte, siempre le ha fascinado. Así es que Scorsese conjura un elenco sólido y vistoso, con un enorme Ben Kingsley a la cabeza (de quien hablaremos un poco más adelante), la criminalmente menospreciada Helen McCrory, Emily Mortimer, Jude Law, Sacha Baron Cohen —manejando con cuidado los matices de su personaje, ostensiblemente un villanazo propenso al slapstick, pero también con su corazoncito—, los veteranos Christopher Lee, Frances de la Tour y Richard Griffiths, y dos jóvenes actores que llevan en sus hombros gran parte de la trama y desarrollo de la cinta: Chloe Grace Moretz y Asa Butterfield como el personaje titular.

El que un cineasta como Scorsese decidiera hacer un filme semejante —una cinta de época, “familiar” y protagonizada por niños, aunque no está necesariamente dedicada al público infantil, como lo revela su trama con temas relacionados con el amor al cinema y la búsqueda de pertenecer, que le hablarán claramente a un adulto—, ha sido un movimiento polémico de su parte, pero el cineasta nunca ha sido ajeno a tomar decisiones extravagantes. A la brutal Calles salvajes (1973), primera cinta que lo puso en el mapa luego de una década de aprender el oficio, siguió Alicia ya no vive aquí, una cinta feminista y sencilla que le valió el Oscar a Ellen Burstyn. Posteriormente dio a una Jodie Foster de apenas 13 años el rol de la prostituta Iris en la hiperviolenta Taxi Driver (1976), cinta a la que además, en complicidad con Paul Schrader, dotó de un insólito final feliz. Insistió aún (y se salió con la suya) al filmar Toro salvaje (1980) en blanco y negro, casi como un documental. Después del éxito de taquilla de Casino (1995), en la que se arriesgó a llevar a Sharon Stone —célebre por su muy limitada capacidad actoral, amén de su cuerpazo—, rechazó proyectos que le garantizaban ganancias millonarias para hacer Kundun (1997), filme intimista y muy personal acerca del Tíbet. Tantas veces nominado al Oscar (premio que acabó ganando por un bodrio infame como Los Infiltrados, acaso como un voto de desesperación por parte de la Academia, que de un plumazo reparó todos sus errores), Scorsese siempre se ha acercado al cine con reverencia y amor. Hugo no es una excepción: detrás de tanto espectáculo, tanto derroche técnico, tantos efectos especiales, lo que Scorsese hace es escribir una carta llena de afecto, de entrega y entrañable admiración, al que probablemente sea el padre del cine moderno, de la narrativa en el medio, de los géneros que nos entusiasman a todos los espectadores: el enormísimo Georges Méliès.
¿Quién es ese hombre? Permítame contarle un poco acerca de él, aunque al ver Hugo, seguramente querrá saber aún más.

Méliès fue, por ponerlo de alguna manera, un hombre-orquesta. Mago, ilusionista, músico, artista, actor, director, diseñador, visionario, loco. Junto con su compañera, Jeanne D'Alcy, creó el primer estudio cinematográfico de Europa y realizó más de 100 películas, entre ellas la icónica Un viaje a la luna (1902), que forma parte intrínseca de la narrativa de Scorsese; el que Hugo Cabret (Butterfield) descubra la relación entre un autómata rescatado por su padre de un museo y el cascarrabias dueño de una juguetería en el pasaje comercial de la estación de trenes de Montparnasse, la cual desde su orfandad es el microcosmos de su vida, es un momento clave, que cambiará todo. A través de sus ojos, Hugo nos va descubriendo un mundo de inocencia y de amor, pero también de desencanto y sinsabores. Scorsese realiza su filme más emotivo en décadas, con un cuidado especial en cada detalle. El 3D le sirve perfectamente para este propósito: las barreras entre lo ilusorio y lo real —finalmente, lo que es el origen del cinema— se borran en la cinta gracias a los efectos especiales y el resultado es sencillamente perfecto.

Sólo un cineasta de esta talla se juega el todo por el todo, se lanza en un albur con todo para crear una obra maestra, que le permite demostrar no sólo que es un genio en su oficio, también que es uno de los grandes paladines del cinema y que siempre, en todas sus formas, apostará por él.

Tenemos que hablar de Kevin / We Need To Talk About Kevin, de Lynne Ramsay

2012-01-03T15:47:00.017-06:00

Monstruo. Con “M” de Mamá

Miguel Cane

El zombie más impactante que usted verá en esta temporada no aparece en ningún episodio de la telenovela The Walking Dead. Se trata de una mujer de cierta edad llamada Eva Khatchadourian (la enorme, enorme Tilda Swinton), que desde la primera escena en que aparece en el filme de la cineasta escocesa Lynne Ramsay Tenemos que hablar de Kevin, usted descubrirá, está muerta en vida.

Pero no siempre fue así: de hecho, Eva sueña con sus otras vidas. Con aquella en la que joven, era hermosa; cuando era una aventurera que sin más equipaje que su memoria, recorrió medio mundo – así la vemos en pleno éxtasis durante La Tomatina de Valencia – sin imaginar que su propia vida pasaría al escrutinio público. Sueña, pero cuando despierta, vemos que ella, igual que su primogénito (Kevin, encarnado con aterradora simetría y naturalidad por Ezra Miller), es prisionera de la celda en que se ha convertido su existencia.

En la novela epistolar que da origen a esta impresionante cinta, Lionel Shriver revela a sus personajes principales – la dupla madre-hijo que también son adversarios – sin concesiones: Kevin es un monstruo, pero Eva no es una madre abnegada. Esto lo entiende claramente la directora/guionista, y lo plasma con cuidadosas pinceladas: hay algo espantoso en esta casa, pero no es actividad paranormal. Se trata de una familia que finge querer ser lo que no es: Eva finge desear ser madre (cuando en realidad preferiría estar en Francia, pero si lo verbaliza la odiarán y no puede con el rechazo, al menos al principio), Franklin – John C. Reilly en una interpretación dolorosamente honesta – finge ser un padrazo (cuando en realidad es solo un títere) y Kevin finge que es humano. En esta familia la única real es Celie (Ashley Gerasimovich), pero la inocencia no garantiza dicha en el porvenir.

Como al frente de una compañía teatral que opera en torno de los dos intérpretes centrales – la Swinton y Miller – Ramsay presenta una monumental tragedia griega al estilo americano: todos los elementos están; la opulencia doméstica que suple la absoluta falta de conexión; la violencia gratuita – aunque no haya prácticamente ni una gota de sangre –; las consecuencias de un crimen indescriptible que Eva deberá asumir con gracia y estoicismo (el rechazo tan temido alcanzará proporciones épicas y tendrá que aguantarlo), no como una mártir, sino como una penitente que está muy lejos de alcanzar cualquier tipo de expiación. Tenemos que hablar de Kevin y de su manera de mostrarnos nuestro rostro en otra luz: ¿Esta clase de cosas sólo le pasan a otra gente? Como Eva, Tilda Swinton da una interpretación magistral, descarnada, desoladora, que palpita en un gran filme, sobrio, bellamente realizado, que toma absolutamente todos los mitos que el cine nos ha dado por décadas sobre la maternidad y en nuestra cara los dinamita.

Por supuesto, usted seguirá hablando de Kevin, por mucho tiempo.

Tenemos que hablar de Kevin/We Need To Talk About Kevin
Con Tilda Swinton, Ezra Miller, John C. Reilly, Ashley Gerasimovich, Jasper Newell, Rocky Due y Siobhan Fallon Hogan.
Dirige Lynne Ramsay
Reino Unido 2011

13 Asesinos / 13 Assassins, de Takashi Miike

2012-01-03T15:19:00.008-06:00

David Guzmán.

Que Takashi Miike hace buenas cosas, sin duda. Su talento no está en duda. Hoy viendo 13 Asesinos, corroboré que sabe lo que hace. Hay muchos detalles en el film que dan cuenta de un cineasta que tenía en mente una película medida y calibrada, aunque en lo personal el tema me quedó lejos.

13 Asesinos no deja de ser cine de entretenimiento y esa es una de sus mayores virtudes porque con Miike, es entretenimiento bien manufacturado. Igualmente lo es que aquí no vamos a ver –en los combates- destellos del género wuxia…todo es tan elemental que asombra. No veremos a los guerreros volar como en El Tigre y El Dragón o los grandes despliegues visuales de Héroe o La Casa de las Dagas Voladoras de Zhang Yimou. Miike opta por "lo humanamente posible" y ello brinda la posibilidad de disfrutar su película en un plano mas terrenal y al mismo tiempo, más limitado pero no carente de ingenio para armar la trama y plasmarla visualmente.

Pero hurgando un poco lo que me mantuvo distante empecé con mi mala costumbre de relacionar los films que veo; así encontré que la anécdota es similar a la de 300 de Zack Snyder pero versión samurái, que de los 13 guerreros uno tendría que ser el cómico, que el final debía contemplar el enfrentamiento de los pesos pesados (que me supo a tan poco, quizá porque el villano es un tanto acartonado) y que son distinguibles fácilmente dos partes del film: la primera mitad con lentitud que amenaza con ponernos a dormir y la segunda con ciertos (para mi gusto) excesos y especialmente de metraje.

Se nota un poco lejos el Miike de Audition pero en buen sentido. Como realizador ha crecido, es solo que a 13 Asesinos no hay que exigirle una trama profunda, aunque a ratos hay pinceladas de ella. La idea más polémica que se me atravesó al verla es que, seguramente, en otros tiempos, (tiempos pasados) 13 Asesinos seguramente sería mejor apreciada por un servidor que ahora, porque sin duda tiene elementos sobresalientes, pero…insisto: ya son otros tiempos. Lo que sí puedo afirmar es que Kurosawa la habría aplaudido hasta llorar, como todos los críticos que se nombran en el póster.

Tenemos que hablar de Tilda

2012-01-03T13:21:00.010-06:00

La formidable actriz británica Tilda Swinton habla en exclusiva acerca de su más reciente filme, que ha suscitado una ola de polémica y de reconocimientos a la mejor interpretación de su carrera.

Miguel Cane

Alta y delgada, afable y sencilla. No parece una estrella de cine (“¡es que no lo soy!” dice entre risas), ni tampoco da el aspecto de ser una actriz que desde Cannes 2011 ha dado mucho de qué hablar con su visceral y descarnada creación de una madre devastada por el remordimiento, el horror y la misericordia en el filme de Lynne Ramsay Tenemos que hablar de Kevin, basado en la impactante novela de Lionel Shriver. En ella, Tilda Swinton (Londres, 1960) encarna a Eva Khatchadourian, una mujer sofisticada y culta, que se descubre paralizada por las exigencias de la maternidad, por la animadversión innata de su primogénito, Kevin – interpretado con maestría por el muy joven Ezra Miller – y por las consecuencias del espantoso crimen que éste comete, obligándola a cargar con eso por el resto de su vida.

Este proyecto lo tenían Lynne y tú desde hace tiempo, y de hecho, tuvieron que hacer mucho para conseguir financiarlo. Tú no le haces ascos a los temas escabrosos (basta ver Zona de guerra) Pero, ¿cómo surge el interés por una historia como ésta?
No sé si el libro, que es estupendo, abrumador, me habría interesado tanto, si no hubiera sido yo madre al leerlo, aunque supongamos que sí. El caso es que al terminar de leerlo, al llegar a esa última carta de Eva a su marido, Franklin [la novela está escrita de modo epistolar], la carta que lo revela todo, pensé que era importantísimo filmarlo. Lo que más me impactó, fue la forma tan clara en que Lionel Shriver describe lo indecible acerca del instinto materno. Me fascinó encontrar a estos personajes: gente que no sabe ser gente, padres que no saben ser padres, un chico que no quiere ser humano.

Decías que te interesó más el libro porque eras madre, al leerlo. ¿Esto de algún modo se tradujo en tu percepción de la historia, no solo como lectora, si no al momento de encarnar a Eva?
Mis gemelos ya habían nacido cuando compré el libro. Pensé mucho en ellos, leyéndolo, y en el periodo inmediatamente posterior a su nacimiento. Lo primero que me sorprendió del hecho de pasar de estar encinta -- que de por sí, ya fue tarde en mi vida, tenía cuarenta años recién cumplidos cuando me embaracé -- a ya ser madre, fue que los niños me parecieran personas autónomas desde el principio, y curiosamente, lo apegada que me sentí a ellos sólo de verlos. Antes de decidir tenerlos, nunca se me habría ocurrido que podía ser de otra manera, y al leer cómo Eva se descubre completamente ajena al niño que acaba de parir, y cómo éste parece notarlo desde un principio, volviéndose su adversario, me sentí profundamente intrigada.

El filme, tal como está, parece enfocarse más en los aspectos de la maternidad y la relación entre Eva y Kevin, que en la tragedia que éste desencadena.
Efectivamente. Ese es el foco. No importa tanto en lo que Kevin se convierte; hay cosas más horripilantes en el corazón de la cinta. Para mí, hay más violencia en la relación familiar de Eva, Franklin y Kevin, su incapacidad de conectar el uno con el otro, que en la masacre cometida. La violencia que aparece en la película, es mínima. No necesitábamos sangre para transmitir este horror. Lo que realmente vemos, es una desconexión, una ausencia total de afecto, de compromiso, de sentimientos entre madre e hijo. Eso es más brutal que ver cómo se destripa a alguien en primer plano, creo yo.

Pero Eva hace un esfuerzo, uno genuino, por acercarse a su hijo. Incluso renuncia a su pasión, que es viajar, para intentarlo. ¿Dirías que esta es una de las causas de la guerrilla entre ambos?
Guerrilla. Esa es una buena palabra. Sí, es algo parecido a terrorismo doméstico, y domesticado. Eva se siente emboscada por su embarazo – de hecho, por ambos, aunque el caso de Celie, su hijita, es completamente diferente – y por lo mismo, su estado de negación cuando nace Kevin es palpable. Es como una niña testaruda que se niega a aceptar el cambio, hasta que se acostumbra a él: Kevin lo nota, de hecho, lo verbaliza claramente. Eva finje que quiere ser madre, del mismo modo que Franklin también se engaña a sí mismo jactándose ante sí mismo de ser un padrazo con Kevin y de tener la familia perfecta en un hogar perfecto y que logró domar a Eva, que era un potro salvaje, para convertirla en el ama de casa perfecta. Lo cual obviamente, contribuye a que el niño desde muy temprana edad sepa cómo manipularlos como un titiritero supremo.

¿Dirías entonces que todos en la familia, con la excepción de Celie, fingen ser lo que no son?
Exacto. Franklin adopta siempre la irritante pose de “Papá Santa Claus” lo que reduce a Eva a ser “la bruja de tu madre”, mientras que ella piensa todo el tiempo “preferiria estar en Francia, o en Tangañica, o en Rusia, pero no voy a dejar que nadie lo note, para que no me odien.” Naturalmente, Kevin se da cuenta de todo, es superdotado y lo sabe aún antes que sus padres, que son tan inmaduros, así que se dedica a representar otros papeles para ellos, mientras calcula sus límites para hacer lo que realmente desea. En realidad, la única en esa maldita casa que es honesta y pura y que no se merece lo que le pasa es Celie. Ella es el verdadero mártir, no Kevin, ni Eva, ni nadie más.

¿Entonces la actitud del padre es aún peor que la de Eva, dadas las consecuencias?
Sí, es algo muy claro. Franklin, como padre, le escurre al bulto, para no tener que ser “el policía malo”. Lo más terrible, es que lo vemos con frecuencia en otros casos. Uno de los padres se instala en la negación al punto de que su ceguera es absoluta. Creo que esto es también un comentario muy agudo que hace Lionel Shriver sobre el estado de las cosas en los Estados Unidos en la década pasada, particularmente entre los círculos de la gente adinerada, que piensa que el horror no puede tocarlos. Que no lo generan porque tienen la típica casa en los suburbios, con valla y jardín. Ella, como autora toma todos esos elementos, les arranca la cosmética y nos los muestra tal cual son. Lynne hace exactamente lo mismo, pero con su óptica particular.

Has trabajado con grandes directores independientes – desde Derek Jarman y Sally Potter, a Wes Anderson, Bèla Tarr y Luca Guadagnino; de este modo haz adquirido una reputación como una artista que busca colaborar con creadores de visiones únicas. ¿Es difícil lograrlo, decirle que no a proyectos más lucrativos?
Es que yo no querría trabajar de otra manera. No puedo. No me interesa el dinero que pueda o no ganar. Me malacostumbré, al empezar mi trabajo con Derek. Podía haber hecho otras cosas, buscar más seguridad económica o celebridad, pero no se trata de eso. Yo siempre he querido algo más, algo que me signifique cosas a nivel personal y estas colaboraciones que mencionas, como Kevin, Orlando o Yo soy el amor, son importantes para mí, porque me dan la libertad de explorar lo que deseo. Me siento muy honrada de haber colaborado con tantos y tan buenos cineastas. Eso ha definido mi carrera. Y ha dado un sentido a mi vida, también.

Chica del dragón tatuado, La / The Girl with the Dragon Tattoo, de David Fincher

2011-12-19T12:49:00.022-06:00

Revolcándose en el abismo

Miguel Cane

Cuando se anunció que David Fincher – el mismo brillante director de Se7en y Zodiaco – sería el encargado de realizar la (inevitable) versión Hollywood de la saga de Stieg Larsson Millenium, comenzando por La Chica con el Dragón Tatuado (basada en Los hombres que no amaban a las mujeres), se generó expectación entre fans de la inquietante saga protagonizada por Lisbeth Salander y Mikael Blomkvist, y los que tienen reverencia por el trabajo tan sui generis del cineasta.

El resultado es ambivalente: por un lado, es una adaptación fiel de la obra pero también es un ejercicio sórdido, que es donde Fincher se regodea, casi con sadismo.

Usted conoce la trama ostensiblemente “principal” -- tras caer en desgracia por escándalo profesional, Blomkvist (Daniel Craig, intenso) es contratado por el magnate Henrik Vanger, que cada año, desde 1968, recibe una flor enmarcada, en el aniversario de la desaparición sin dejar rastro de su bienamada sobrina Harriet, para que, bajo la guisa de escribir una biografía, ejerza de investigador y descubra dónde está la joven, si es que aún vive. -- Si usted, obviamente, leyó los libros, conoce la solución a esto y sabe que la espléndida Joely Richardson, heredera del talento de su madre Vanessa Redgrave, e indirectamente del lugar que dejó vacante al morir su hermana, Natasha, no habría aceptado un papel tan pequeño si no fuera importante al final --. De este modo, Blomkvist se traslada al pueblo/feudo de los Vanger y conoce a la familia, que incluye al muy obvio Martin Vanger Stellan Skarsgård), al que solo le falta reírse como Vincent Price para saber que es “el malo”, y se involucra en un misterio que incluye una serie de bestiales y misóginos asesinatos.

En paralelo, corre la historia de la tal Salander (Rooney Mara, muy bien caracterizada, pero a años luz de la empática creación de Noomi Rapace. Esta Salander es mecánica y plana en comparación a la original y es uno de los grandes fallos de la cinta), hacker y fille fatale que es brutalmente violada – en una escena hipergráfica y espantosamente larga – por su apoderado legal, de quien se venga de una manera enfermiza y sofisticada, en una secuencia enferma, grotesca y perturbadora, algo que Fincher parece gozar con placer casi pornográfico. Sin embargo, la indiferencia documental de Zodiac, o el nihilismo hedonista de Se7en, aquí brillan por su ausencia, todo es gratuito y sórdido a la infinita potencia, porque sí, porque puede. Que la Salander ayude a Blomkvist a descubrir que Martin es un asesino racista, misógino y bestia, es irrelevante. Fincher disfruta creando un estilo visual impactante, para lanzarnos excreta nauseabunda y sanguinolienta a la cara. La música atonal y lúgubre de Trent Reznor – presente desde la escalofriante secuencia de créditos, que es en sí, un acierto y quizá de lo mejor de la cinta, como ocurrió con los creditos de Balada Triste de Trompeta, de Alex de la Iglesia, otra cinta hundida por su propio regodearse en lo grotesco y excesivo – es atmosférica y lograda, aunque abuse del efecto “¡bu!” a veces. Las actrices, curiosamente, están todas (salvo la protagonista) bastante bien, en roles desangelados. Robin Wright y Embeth Davidtz retornan a la pantalla con elegancia e interés, pero sus roles son demasiado breves.

La obsesión del cineasta con lo excesivo, lo violento, lo grotesco y lo abyecto es suficiente como para provocar migraña o náuseas. Usted sabe si quiere arriesgarse a ver su susceptibilidad maltratada. Esta es una cinta sin piedad y sin nada que la redima. Es primorosa en su elaboración: pero el vistoso empaque está lleno de carne descompuesta. Y aún faltan dos más por ver, pero Fincher es muy macho y dice que serán más fuertes. A ver qué tal.

La chica del dragón tatuado/The Girl with the Dragon Tattoo.
Con Daniel Craig, Rooney Mara, Robin Wright, Christopher Plummer, Embeth Davidtz, Stellan Skarsgard y Joely Richardson
Dirige: David Fincher
Estados Unidos 2011

Sherlock Holmes: Juego de sombras / Sherlock Holmes: A game of shadows, de Guy Ritchie

2011-12-19T12:49:00.021-06:00

Nuevas aventuras.

Miguel Cane.

Al plantear su primera aproximación al personaje, Guy Ritchie exploró detenidamente el canon holmesiano –los escritos de Arthur Conan Doyle- y actualizó al personaje con humor y acción, sin perder el respeto a su perfil literario. Hubo polémica y un rotundo éxito comercial que, entre otras cosas, justifica la existencia de Sherlock Holmes: Juego de sombras.

Aquí, Ritchie está en plena forma y no aburre al público; pone toda su creatividad al servicio de un sentimiento que oscila entre el cinismo, la inocencia y la extravagancia. Es evidente que a los fans del Holmes decimonónico y formal, que encarnara el célebre Basil Rathbone, la versión de Ritchie les de coraje porque anula la elegancia de los clásicos. Esta es la versión que las nuevas generaciones darán por buena, pero no hay que desesperar; quizás estas delirantes francachelas de Ritchie servirán para acercar a algún despistado miembro de la chaviza no sólo a las películas clásicas, sino también a los libros.

Esta cinta es superior a su predecesora, pues la trama es más consistente. Además, el profesor Moriarty – archienemigo de Holmes- tiene una fabulosa encarnación en Jared Harris y eso aumenta el vigor de la cinta, basada precisamente en su rivalidad con el irresistible Holmes (Robert Downey Jr.). Moriarty intenta llevar a cabo un plan que lo conducirá a una guerra catastrófica, y para lograrlo se vale de un complot anarquista sumamente elaborado.

El vibrante juego de ajedrez que enfrenta a Holmes y Moriarty a lo largo de Europa tiene una reina blanca –Irene Adler (Rachel McAdams)- y otra negra –la gitanilla Simza Heron (Noomi Rapace).

Deducción, inteligencia y comedia, los temas en esta cinta se sazonan con notables secuencias de acción y los efectos especiales son bastante steampunk: nos situamos en 1895, en el Londres victoriano, pero las explosiones son dignas de un thriller futurista.

Downey Jr. Derrocha carisma, lo que le permite habitar dignamente el 221 B de Baker Street. Sólo por eso vale la pena salir de casa para entrar a un cine y pasar dos horas con estas aventuras.

Sherlock Holmes: Juego de sombras / Sherlock holmes: A game of shadows.
Dirige: Guy Ritchie.
Con Robert Downey Jr., Jude Law, Noomi Rapace, Jared Harris, Stephen Fry, Rachel McAdams.
Estados Unidos.
2011.

Las 10 mejores películas de 2011

2011-12-13T17:36:00.029-06:00

Decálogo 2011

Estas diez cintas conforman parte de lo mejor en el panorama cinematográfico del año.

Miguel Cane

Este año hubo de todo en pantallas, excelente, bueno, malo y (lo que es peor), mediocre. Ahora llega la temporada en la que elaboramos una lista para compartir un poco de lo que (en un juicio muy subjetivo, que conste) conforma parte de lo mejor que hubo en exhibición tanto en el circuito comercial como en el de arte y festivales.

Así, sin ningún orden en particular, encomiamos:

Tenemos que hablar de Kevin
(Lynne Ramsay. Reino Unido, 2011)
La sofisticada Eva Khatchadourian no quería ser madre. Su vida se trastoca en la de un ama de casa convencional cuando su marido la persuade de tener un bebé al que llamarán Kevin y quien desde su infancia da muestras de ser un adversario implacable. Al llegar a la adolescencia, él comete un atroz crimen, pero será su madre quien deba aprender a [sobre]vivir con las consecuencias. Tilda Swinton está formidable en esta adaptación de la novela epistolar de Lionel Shriver, que toma los mitos sobre la abnegación materna y los dinamita. Como el personaje del título, Ezra Miller es una revelación y el efecto del filme es tan brutal como el horror sin piedad que retrata.

Drive
(Nicolas Winding Refn. Dinamarca/Estados Unidos, 2011)
Fábula fracturada de Hollywood en que Ryan Gosling deslumbra como un doble de acción en películas que por las noches colabora con miembros del bajo mundo, como conductor. Su rutina cambia al enamorarse de una vecina (Carey Mulligan) con situación personal tormentosa, al tiempo que se involucra en una “chambita” de alcances inesperados: pletórica de ternura y violencia, es una cinta de acción con sorprendente cariz filosófico y espiritual: la lucha entre el bien y el mal es ambigua, pero no por ello menos importante; Gosling asume su rol con la elegancia de estrellas de antaño como John Garfield o el mismo Bogie, haciendo de éste, un noir genial para nuestra generación.

Dios del Caos
(Roman Polanski. Francia/Reino Unido/España/Alemania, 2011)
A partir de la excelente obra teatral de Yasmina Reza, Polanski retorna a su escenario favorito – un apartamento de clase media, como en Repulsión, El Bebé de Rosemary y El Inquilino – para confrontar a dos matrimonios educados y cosmopolitas (Jodie Foster y John C. Reilly, versus Kate Winslet y Christoph Waltz) que coinciden una tarde para tomar café y explorar las ramificaciones de una violenta gresca entre sus dos hijos pequeños, derivando la charla en trifulca existencial e histérica que lo mismo eriza la piel, arranca la carcajada o zarandea las entrañas. Las damas están espectaculares y con la mano en la cintura se roban la cinta, contribuyendo a la mejor comedia (para adultos pensantes) del año.

Melancolía
(Lars Von Trier. Dinamarca/Francia/Alemania/Reino Unido/Suecia/Italia, 2011)
Una boda fastuosa en una mansión palaciega sirve a manera de contrapunto para la inminencia de la catástrofe tanto en el microcosmos (Justine, la novia, sufre paralizante colapso mental por un trastorno distímico) como en el macrocosmos (un planeta errante va a colisionar con la tierra). Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg son dos aspectos de la condición humana que Von Trier explora en esta cinta de primorosa factura (y fractura) que tiene por inspiración lo mismo el arte prerafaelita, que las ostentosas tragedias fílmicas de Visconti. Posiblemente sea la cinta de ficción especulativa y desastre más hermosa jamás filmada.

Weekend
(Andrew Haigh. Reino Unido, 2011)
Tras una noche de copas con sus amigos heteros, Russell (Tom Cullen) va a un bar gay donde se liga a Glen (Chris New), y lo que parecería ser sexo casual, deriva en un diálogo exploratorio y una relación tierna, desprovista de artificios y performance, que los descubre gradualmente tal cual son. Realizada en locaciones de Londres, con presupuesto reducido y un aire muy íntimo, casi documental, la segunda cinta de Haigh lo desvela como heredero de la sensibilidad de John Schlesinger, aunándola a un estilo propio y muy directo, para narrar en pantalla con auténtica emoción el primer encuentro y la relación por venir.

Miss Bala
(Gerardo Naranjo. México, 2011)
Lo que comienza como un episodio de La Rosa de Guadalupe, deriva a paso febril, en pesadilla estilo David Lynch: Laura Guerrero (Stephanie Sigman, impresionante) es una joven ingenua – y bastante obcecada – que desea salir de la pobreza en que vive en Tijuana. Su ilusión es participar en un concurso de belleza, y dar pasos a la fama. Un revés la lleva a hacer tratos con el diablo, o bien, Lino (Noé Hernández), narcotraficante que la corrompe y utiliza. Si bien el guión de Naranjo tiene lagunas graves, la espléndida fotografía de Mátyás Erdély compensa con creces la deficiencia, junto con la protagonista, tan convincente en su necedad y terror, que resulta imposible despegar los ojos de su descenso a los infiernos.

Shame
(Steve McQueen. Reino Unido/Estados Unidos, 2011)
El anglo-alemán Michael Fassbender deslumbra nuevamente en dupla con McQueen (ya lo hicieron antes con la perturbadora Hunger), como Brandon Sullivan, yuppie treintañero adicto al sexo y las relaciones superficiales, cuya volátil hermana menor, Sissy (Carey Mulligan) llega a quedarse en su loft en Manhattan, alterando su rutina, percepciones y hasta deseos carnales para siempre. El filme es crudo y eficiente; sin concesiones para con la audiencia. Fassbender hace la interpretación de su personaje con tal aplomo y entrega que resulta imposible de resistir aún en toda su sordidez inquietante y tabú.

The Deep Blue Sea
(Terence Davies. Reino Unido, 2011)
Un melodrama teatral de Terence Rattigan, ambientado en la deprimente postguerra británica, da pie a una actuación formidable por parte de Rachel Weisz como Hester Collyer, esposa de un magistrado que abjura de su vida cómoda para entregarse a la incendiaria pasión de un affair. Aunque la encrucijada en que se pone la puede dejar sin nada. Davies hace un trabajo meticuloso que recaptura la época y la manera de hacer cine de la misma. La Weisz se deja ver como una de las mejores actrices de su generación, abordando con valentía un rol de la tesitura que Bette Davis solía tener y dominándolo.

Una Separación
(Asghar Farhadi. Irán, 2011)
La vida cotidiana en Teherán filtrada a través del encuentro entre dos familias; una de clase acomodada, donde la esposa quiere la separación legal de un marido que no quiere abandonar el régimen islamita vigente y otra donde la esposa tiene que servir en casas para mantener a su brutal cónyuge. Una serie de malentendidos derivan en tragedias estremecedoras, en reveladoras confrontaciones con la naturaleza de cada personaje y su entorno. Con esta cinta Farhadi demuestra que el cine periférico sigue vigoroso, emulando a su contraparte anglosajona con temas estremecedores y ejecuciones brillantes en lo técnico y en la sensibilidad actoral. Una maravillosa sorpresa de medio oriente.

Pina
(Wim Wenders. Alemania, 2011)
Homenaje en movimiento – si tienen la oportunidad de pescarla en 3D no lo duden ni un instante – para la desaparecida coreógrafa/bailarina Pina Bausch (1940-2009), cuyos extravagantes ballets modernos e idiosincráticos (legado y altar para su maestra Martha Graham) causaron sensación alrededor del mundo. Para preservar tres de sus más hermosos trabajos, Wenders se despoja de trucos y artificios para enseñarnos cómo comulga Pina con los ritmos y lleva los cuerpos de su compañía (el Tantztheater) a extremos de la sensación, la sensibilidad y lo emotivo, y lo hace de modo que todo mundo pueda participar en el testimonio de un gran talento, aún si no sabe nada del fino arte de la danza.

Menciones Honorificas: (o bien, las que no alcanzaron al 10 pero hay que ver y comentar)El árbol de la vida (Terence Malick), Senna (Asif Kapadia), The Beaver (Jodie Foster), Crazy, Stupid Love (Glenn Ficarra y John Requa), El Planeta de los Simios: (R)evolución (Rupert Wyatt), Michael (Markus Schleinzer), Take Shelter (Jeff Nichols) y Declaración de Guerra (Valérie Donzelli).

When You're Strange, documental sobre The Doors de Tom DiCillo

2011-12-13T17:36:00.023-06:00

Días extraños con los Doors

Miguel Cane

Veinte años después del estreno de la espectacular – y espectacularmente fantasiosa, también – cinta de Oliver Stone The Doors, y cuarenta después de la muerte de James Douglas Morrison, a los 27 años en el baño de su casa de París, el director Tom DiCillo confecciona este fascinante documental sobre la mítica banda The Doors a base de una gran cantidad de cinta filmada donde aparece el grupo y una narración controlada y casi fría (pero ideal) de Johnny Depp, prescindiendo de cualquier otro recurso.

El documental sigue el nacimiento del grupo The Doors en la década de los 60 en Los Ángeles, formado por Jim Morrison, Ray Manzarek, Robbie Krieger y John Densmore. Nos muestra sus inicios, modestos y entusiastas, continúa con su progresión y ascensión hasta llegar a ser uno de los grupos más importantes de su época y concluye con el final del grupo marcado por la muerte de Jim Morrison y una decadencia temática acarreada por el abuso de drogas.

Si la función del documental es presentar el grupo y su efímero paso por la cultura pop (si bien no resulta tan efímero que un documental a cuarenta años de su disolución es consecuencia de ello) a un espectador que desconoce completamente a The Doors, Tom DiCillo realiza una más que correcta introducción completamente superficial. Pero ojo, este documental (como uno supone) va a ser visto por muchos seguidores de la mítica banda sin que les aporte ninguna información nueva, mucha de ella superflua.

El gran valor del documental es aunar una serie de grabaciones de gran rareza, incluidas una rodada por el propio Jim Morrison y sesiones en el estudio con todo el grupo. Y en eso consiste todo el filme. No hay testimonios, entrevistas ni otro elemento que de cierta veracidad ni trasfondo a lo que se escucha en la narración. Es como mínimo extraño realizar un documental sobre un grupo de música de los cuales, a excepción de Morrison, todos ellos siguen vivos y activos, sin que éstos aporten algo de visión interna. La continua voz en off de Johnny Depp, que sustituye a una primera versión de la película en la que el propio director era el narrador, es la única fuente de información y tampoco ayuda a darle algo de vida al documental bien no falla en el esquema atonal del filme.

Sólo la curiosidad por ver metraje difícil de conseguir se satisface con el visionado de When you’re strange, ya que cualquier persona que conozca algo sobre The Doors, y en México hay fans ardientes de la banda, no verán ni una biografía en profundidad ni un nuevo ángulo sobre la corta vida de este grupo de rock. Quedan advertidos. Los que sientan curiosidad, acérquense. No van a arrepentirse de lo que vean.

When You're Strange
Con Jim Morrison, Robbie Krieger, John Densmore y Ray Manzarek
Dirige: Tom DiCillo
EU 2010

Naranja Mecánica: ¡40 años y sigue tan…violenta!

2011-12-11T10:06:00.022-06:00

La película de Stanley Kubrick, a cuatro décadas de su estreno, proyecta hoy una violencia individual, social y estatal tan a flor de piel como la que padecemos ahora.

Francisco Peña

“¡Videa bien, hermanito. Videa bien!”, dice Alex desde pantalla antes de encabezar una violación tumultuaria. Desde su premiere en diciembre de 1971, Naranja Mecánica provocó un escándalo mundial por la agresividad de sus imágenes, confrontó censuras en varios países que retrasaron su estreno acusada de elogiar la “ultraviolencia”. Kubrick y Anthony Burguess, autor de la novela homónima, sonrieron: no sólo se criticaba la sociedad de los 70, era la profecía fílmica de un futuro inminente.

Después de 4 nominaciones al Oscar el mundo decidió videarla (verla). En México se estrenó 3 años después cuando ya era innegable su calidad artística y los jóvenes que la habían videado no se transformaron en pandilleros violadores. Para resarcir el retraso, los funcionarios cinematográficos de entonces convirtieron a Naranja Mecánica en la “estrella”, junto a otras 9 cintas, de la inauguración en enero de 1974 de la vieja Cineteca Nacional (Tlalpan y Churubusco). El martes 22, para la función de las 4 pm, ya había una larguísima fila de jóvenes estudiantes, cinéfilos y curiosos. Estuvimos parados por más de 3 horas antes.

Los presumidos “ya la habían videado” en Nueva York, Roma, Londres o París y lo que contaban aumentó la curiosidad. Dieron las 4 y la taquilla cerrada. Empezaron los empujones. Se perdió la fila, se oyó un cristalazo y el vidrio de la taquilla se desplomó en pedazos. “¡Van a abrir! ¡Portazo, portazo!” Muy cabreados nos acercamos a las puertas en completo desorden y “mágicamente” se abrieron en sincronía. Entramos como manada de bueyes en estampida a la Sala Fernando de Fuentes. Volaron suéteres, libros, mochilas para apartar lugar: muchos terminamos sentados en las escaleras. En la penumbra salió un fotógrafo frente al telón que sacó fotos con flash en medio de nuestro coro enardecido de mentadas. Hasta hoy, el mito-rumor dice que la distribuidora sacó las fotos para documentar en el extranjero cómo los “violentos” jóvenes mexicanos videaban el estreno.

Se apagó la luz y corrió la película.

Hoy, esa violencia que vimos está más que viva que nunca en la realidad. Durante los 20 primeros minutos Alex (Malcolm McDowell) y sus drugos (sic) se drogan; golpean a un viejo ebrio; pelean con otra pandilla rival (con La Urraca Ladrona, de Rossini); roban un auto y causan accidentes de carretera; asaltan una casa, dejan paralítico al dueño, violan en tumulto a la esposa (Singin’ in the rain). Alex se va a dormir con total impunidad oyendo la Novena Sinfonía de Beethoven.

Alex no conoce límites: lo que desea, lo toma, todo con violencia. El dinero es rey, la agresión sexual su reina, la violencia es la amante de ambos. Hoy hay zonas urbanas donde este trío tiene todo el poder real. Las escenas de Kubrick sólo difieren de las reales por la intelectualidad y arte con que están filmadas (gran angular, uso impactante de la música, montaje rápido, cámara lenta, etc.). Luego de la Cura Ludovico que lo imposibilita a ser violento, Alex reencuentra a sus víctimas que se la cobran caro: la sociedad ejerce la misma violencia como venganza.

Hoy está vigente la misma violencia individual y social. Los asaltos a casas habitación, residencias, “changarros”, tiendas, departamentos siguen el mismo patrón de Alex y sus drugs. ¿Cuál es la diferencia entre Alex y el adolescente sicario El Ponchis? La impunidad es la misma, así como el perfil psicológico “a la Alex” de los perpetradores: tomo lo que quiero, cuando quiero y me vale todo lo demás. Esto sólo provoca que, ante la impunidad, la sociedad vejada reaccione con la misma violencia: se trata de venganza disfrazada de justicia inmediata, reflejada en el incremento de los intentos de linchamiento en zonas semirurales o rurales, donde entonces sí aparecen la fuerza pública y autoridades de todos los niveles.

También importa videar a detalle la violencia política soterrada, que Kubrick hace patente con gran habilidad: se trata del papel relevante de la violencia del Estado y los partidos. Alex es sólo un peón del partido en el poder y también peón de la oposición. No importa quién es sino cómo usarlo ante los votantes: todo el espectro político, sin importar el color ideológico, quiere sacar ventajas con absoluto cinismo. Para el partido en el poder, Alex y la Cura Ludovico son instrumentos: “Sólo nos concierne la disminución del crimen… El punto es que funciona”. Para la oposición, Alex es otra herramienta para golpear al gobierno y tumbarlo con escándalos, periodicazos y amarillismo antes de las elecciones: “La gente común… venderá la libertad por una vida más calmada”.

Claro, el partido en el poder tiene más recursos. El ministro del Interior establece un pacto corrupto con el “recuperado” Alex porque ha recuperado su violencia innata. El precio: trabajo en el gobierno y un excelente sueldo. Político y delincuente ahora “son amigos”. Más que eliminar, conviene incorporar al “enemigo” dentro del sistema político.

El fondo del film que expone Stanley Kubrick, la elección ética de Alex, que el bien salga de adentro, los valores humanistas, son sólo “sutilezas” morales que tanto el gobierno en el Poder como sus opositores de cualquier signo dejarán de lado. La brutalidad individual de Alex sólo se compara con el brutal pragmatismo de los políticos para arrebatarse votantes entre sí, ya que lo único que importa es llegar al Poder. Lo que queda a los electores es suponer que político los va a joder menos que los demás.

Sin embargo, el mensaje más actual de Naranja Mecánica es el único que la casta política nunca toma en cuenta pero que la sociedad comienza a tomar en serio: la solución en la ética de cada uno, dentro de nosotros mismos (para dar pie a movimientos sociales ciudadanos). Por qué su profecía cinematográfica sobre un futuro violento inminente ya se cumplió: ese futuro es nuestro presente.

Si no lo creen ¡videen bien, hermanitos. Videen bien!

Fuera de Satán / Hors Satan, de Bruno Dumont

2011-12-04T12:22:00.005-06:00

Las facetas del horror

Miguel Cane

Bruno Dumont no es un cineasta complaciente ni su obra es la más accesible. No obstante, tiene un notable seguimiento por las características muy personales que sabe imprimir a su trabajo: creación de atmósferas hiperrealistas en las que gradualmente incorpora elementos de lo sobrenatural, lo inexplicable, lo extraordinario, y un modo desconcertante pero implacable.

En Fuera de Satán, que tímidamente se acerca al circuito de arte de la cartelera, la trama gira en torno a la vida aparentemente monótona y solitaria de un vagabundo. Él vive con un perro, en medio del campo, duerme a la intemperie y no tiene la necesidad de trabajar para ganarse la vida ni de hacer algo más que deambular por ahí. Una joven enamorada del hombre (ecos de Jeanne Moreau en Mademoiselle), va a pedirle que haga algo que, sin problemas aceptó, no cambiará su ritmo ni creará remordimientos o culpa: matar a su padrastro. Este es el comienzo de una serie de atrocidades que llegan a una brutal y memorable secuencia climática.

La película tiene un desarrollo lento, pero dicha característica lejos está de aburrir o causar tedio; esta cuestión, apoyada por extensos planos generales, tiempo congelado y la aparición casi mínima de diálogos, ayuda a crear la atmósfera tranquila, desconcertante y hasta incoherente para que la historia logre aturdir al espectador. El sonido de las llamas ardiendo, los gritos de las personas, los palos haciendo pulpa el cráneo de un personaje y las explosiones de la pólvora dentro de los cañones de una escopeta, son los únicos sonidos fuertes que cortan un poco el tranquilo sosiego de la narración.

La película exige que se preste atención desde un principio, para que las escenas finales cobren sentido y se tenga la comprensión necesaria para redondearla y entenderla. El director se guarda todas las respuestas a las preguntas y se dejan muchas puertas abiertas a la libre interpretación del espectador. Un relato fuerte, auténtico y muy crudo, en especial en el tratamiento que se le da a la muerte, a la soledad y al sexo.

El trabajo actoral es soberbio y está muy bien dirigido. David Dewaele le aporta realismo a su misterioso e intrincado personaje. La inexpresividad de su rostro es absorbente y desconcertante. La carismática Alexandra Lematre, en un rol extraño, emotivo y profundo, le brinda credibilidad y mucha tranquilidad a la historia, aunque puede representar una pasión incendiaria cuando quiere. Un elenco muy bien elegido. Fuera de Satán es una película que no es para todo tipo de público, intensa, cruel, bestial, intolerable y lenta, pero maravillosamente mágica y atrapante. Una obra muy original, para pensar durante y después de su proyección. Un Bruno Dumont que nuevamente provoca, aturde, y deja maravillado al espectador.

Fuera de Satán / Hors Satan.
Dirige: Bruno Dumont.
Con: David Dewaele, Alexandra Lematre, Juliette Bacquet.
Francia-Bélgica-Alemania. 2011.

Anónimo / Anonymous, de Roland Emmerich

2011-11-28T19:56:00.012-06:00

La máscara del autor

Miguel Cane

Siempre se ha especulado mucho acerca de la vida de William Shakespeare, a causa de la poca y contradictoria información que se tiene sobre su vida. Ello ha dado lugar, desde poco después de su muerte, a innumerables dudas sobre la autoría de sus obras. Christopher Marlowe, Sir Francis Bacon o el conde de Oxford han sido nombrados como posibles autores de obras firmadas por él. Anónimo juega con extrema libertad (hasta libertinamente) con la última de estas hipótesis: Edward de Vere, decimoséptimo conde de Oxford (Rhys Ifans), sería el autor de las obras que por accidente -porque el hombre que en principio había elegido como máscara era el dramaturgo Ben Johnson (Sebastian Armesto)- firmaría un mediocre actor casi iletrado, Will Shakespeare (Rafe Spall), para preservar el anonimato del aristócrata.

Con gran habilidad el guión de John Orloff (Hermanos de sangre, Un corazón invencible, La leyenda de los guardianes) mezcla esta historia de intrigas literarias, con intrigas cortesanas que tienen como protagonistas de un lado al propio conde de Oxford y al de Essex (Sam Reid) -favorito de la reina a la vez que conspirador contra ella-, y por otro lado, como sus más formidables enemigos, a William Cecil (David Thewlis) -el inteligentísimo y astuto consejero de Isabel I- y a su hijo Robert (Edward Hogg), su heredero en el cargo. Entre ambos bandos se alza la figura extraordinaria de Isabel I (la siempre enormísima Vanessa Redgrave).

La perfección con que se trenzan la trama literaria y la cortesana hace del guión un mecanismo de entretenimiento puro. Aunque sea al precio de convertir a Shakespeare en un pelele codicioso, al gran político que fue William Cecil en un villano de caricatura y a su hijo Robert en su comparsa. Se les perdona porque todos los involucrados son espléndidos actores y sacan adelante la situación. La verdadera fuerza del filme, no radica en los recovecos e intrigas del guión de Orloff, sino en Roland Emmerich demuestra que, aunque usted no lo crea, es un buen director de actores, más allás de los espectaculos superficiales basados en efectos especiales como Independence Day, la nefasta Godzilla, o 2012. Tampoco nadie podría afirmar su habilidad como creador de atmósferas. Su única incursión en el cine histórico -El patriota- era espantosa. Aquí, la espectacular recreación del Londres isabelino, funciona y la narración es suficientemente ágil como para que el bastante largo metraje de la película parezca corto, gracias al suspense y que algunos momentos hasta emocionen, como la recreación de la primera vez que sobre el escenario del teatro del Globo se pronunciaron los prodigiosos parlamentos de Julio César, Hamlet, Ricardo III o Enrique V.

El reparto es de primera (Vanessa Redgrave da un toque de distinción a literalmente cualquier cosa) y saca de apuros a Emmerich cuando no sabe para dónde hacerse con su película. Anónimo (o bien James Bond del siglo XVII) funciona si no se escruta demasiado de cerca y no se espera retratos fidedignos en el aspecto histórico; podría decirse que es una rara ave: la película palomera para la gente pensante.

Anónimo/Anonymous
Con Vanessa Redgrave, Rhys Ifans, Rafe Spall, Sebastián Armesto, David Thewlis, Sam Reid y Joely Richardson.
Dirige: Roland Emmerich
EU, Reino Unido, Alemania.

La metamorfosis de Melissa Kimbro a Zoe Voss

2011-11-23T14:14:00.024-06:00

¿Qué impulsa a una atractiva modelo con carrera ascendente a dar el salto mortal -¡sin red, señoras y señores, sin red!- hacia el mundo hardcore, dónde está a punto de convertirse en una estrella?

Francisco Peña

Cuenta la leyenda en el universo virtual que en el principio –apenas hace casi 3 años- una chica llamada Melissa Marie Kimbro vivía en Saint Paul, Minnesota, EU, donde no hay otra cosa que los Vikingos (fut americano), los Mellizos (beisbol) y una llanura atascada de malls. A sus 19 es una hermosa chica de pelo negro y unos ojazos verdes de antología; pero vive en una ciudad que le niega realizar sus sueños. No lo sabe entonces pero su malestar existencial, sus altibajos emocionales adolescentes, sus lecturas de Harry Potter, su hartazgo escolar y su nueva vida en una casa de 300 dólares al mes están a punto de sufrir una metamorfosis radical que la transformará en su “otra yo” liberal, Zoe Voss (http://melissakimbro.blogspot.com).

Melissa, ya atraída por el arte y la música, incursiona desde los 16 años en el modelaje profesional donde sigue activa. Claro, Saint Paul no es un centro de la moda así que emigra a Los Angeles. Comienza como todas pero ya se distingue por su tenacidad y decisión: una férrea fuerza de voluntad une a Melissa y Zoe. La joven nacida en Minneapolis, Minnesota, el 4 de enero de 1990 (apenas cumplirá 22) destaca por un rostro donde brillan sus grandes ojos verdes enmarcados casi siempre con su pelo corto, y un cuerpo perfecto para modelaje: 1.78 mts, 48 kilos, 81(32A)-65-81. Sigue activa en el medio y su portafolio es muy completo en http://www.melissakimbro.com De 2008 a 2010 los llamados se incrementan para modelaje de ropa y fotográfico sofisticado. Pero desde mayo de 2010 Melissa entra en el capullo para formar la crisálida Zoe Voss.

Zoe Voss ahora es su gemela “contestataria”, la más reciente “nova” del hardcore, a contracorriente del doble estándar moral predominante en EU, en especial el famoso “cinturón de la Biblia” donde nació: puritanos que de día castigan la exposición pública de la sexualidad individual y de noche rompen records de acceso a los sitios porno de internet. Para lograr su objetivo, es la primera que usa hábilmente las redes sociales para mantener vivas sus dos personalidades, aunque reserva a Melissa para su mundo privado y Zoe es la figura pública en blogs, Twitter y Facebook. Melissa aparece en http://twitter.com/#!/melissakimbro mientras que Zoe se expresa en http://twitter.com/#!/zoe_voss, http://www.facebook.com/ZoeVossx y http://zoevossblog.com En este último lugar de la red de vez en cuando aparece lo mejor de Melissa: su cariño por sus hermanas, su amor por los animales en especial su gata. También, al igual que Scarlett Johannson, usa la cámara del iPhone como el nuevo espejo para contemplar su propia belleza porque es una imagen permanente y no fugaz como la del espejo común.

Obvio, Zoe le da a Melissa independencia económica inmediata. Al año una actriz porno gana entre 1 y 3 millones de pesos, en una industria que en 2006 ganó 13 mil millones de dólares. Hoy hace porno hetero, pero ya se inclina hacia videos lésbicos con las productoras Girlfriends Films y Sweeetheart Video (enfocadas al público lésbico) aunque también firmó con la poderosa Kink.com enfocada a especialidades duras. ¿Qué hará con el dinero? ¿Será productora como Nina Hartley? ¿Se retirará a tiempo como Jenna Jameson? ¿O, cómo Penny Flame, se desintoxicará por adicción al sexo?

No. Zoe es sólo otra etapa. Hoy une esfuerzos con Ela Darling y Dylan Ryan en proyectos de arte como Body Scapes: http://www.youtube.com/watch?v=qWHX1QwIc5w Esta chica rebelde intenta vencer al sistema con sus propias reglas. Quizás después de 8-10 años de trabajo sorprenderá a los puritanos que hoy critican a la modelo pero ven a escondidas sus videos. Al final de la metamorfosis Zoe dará paso a una Melissa recargada: artista plástica profesional que no será coartada por el mercado, con autonomía financiera para gozar de plena libertad de expresión.

Última pelea, La / Warrior, de Gavin O'Connor

2011-11-23T14:13:00.004-06:00

La lucha carnal

Miguel Cane

El surgimiento (o bien, resurgimiento, después del calamitoso fracaso hace unos diez años de su aparición como villanazo en la última de Star Trek, previa al reboot de J.J. Abrams) de Tom Hardy como estrella de cine ha sido sorprendente y bienvenido: su carisma ha servido para dar sustancia a algunos proyectos, como una adaptación de la BBC al perenne clásico Cumbres Borrascosas; la impresionante Bronson y el filme que lo acercó más al público: Inception, de Nolan, en la que era el simpaticón y sexualmente ambiguo “falsificador”.

Ahora, mientras llega el estreno de la nueva cinta de Nolan sobre Batman, en la que interpreta al grotesco villano Bane, se estrena La Última Pelea, un melodrama de artes marciales en el que es estrella indiscutible y que servirá para establecerlo de manera definitiva ante el público que no es asiduo al “circuito de arte” –donde tiene otro estreno pendiente; la intrigante y muy lograda El Topo. Sobre una novela de John LeCarré-. La cinta es el drama familiar de Paddy Conlon (Nick Nolte), un veterano de la guerra de Vietnam con pecados que purgar, y sus hijos, a los que les cuesta mucho perdonarlo. El menor es Tommy Conlon (Hardy), el cual visita a su progenitor, y no para que éste expíe su culpa, más bien, porque él sabe que es su mejor opción para lograr lo que anhela: ganar un torneo de artes marciales.

Su relación, debido a los problemas con el alcohol de Paddy, cuando aún era un niño, fue y es complicada, dado que Tommy guarda en su interior rencor acumulado desde mucho tiempo atrás. Por otro lado está Brendan (Joel Edgerton), el hermano mayor, casado con Tess (Jennifer Morrison) y profesor en la ciudad donde vive. Tiene una hipoteca y no puede pagarla. ¿La solución? Recurrir a los combates de artes marciales, a los que había prometido a su mujer no volver jamás. Evidentemente Tess se enterará de que su marido participa en algunas peleas, sin su consentimiento, cosa que pondrá en peligro la estabilidad familiar. Más aún, al participar en el mismo torneo que su hermano.

El guión no es lo más innovador, pero Gavin O´Connor hace un buen trabajo de dirección: Nolte resulta muy convincente, con una interpretación plena de matices. Hardy hace un buen trabajo y su química con Edgerton (que hace doble presencia en pantalla esta semana, pues también participa en La Cosa del Otro Mundo) es adecuada para que el espectador se involucre en el melodrama familiar con espectaculares secuencias de acción, y un final predecible, pero bien intencionado.

Evidentemente esta película fue hecha para personas a las que les gusten las peleas de artes mixtas marciales y para quienes buscan algo que los haga sentir bien, mientras ven a Tom Hardy perfilarse como una nueva figura.

Casino Jack, de George Hickenlooper

2011-11-12T14:04:00.010-06:00

Codiciosos anónimos

Miguel Cane

Basada en vida y obra del polémico Jack Abramoff, la ultima cinta del recién fallecido George Hickenlooper – discípulo de Orson Welles y fanático de la biopic sobre personajes poco edificantes -- es otra buena excusa para apreciar una interpretación de Kevin Spacey, que como siempre está soberbio en esta cinta que pinta un panorama acerca de los delicados equilibrios que sostienen el esquema central de la política de los Estados Unidos.

La gente de a pie, como uno, sabe, porque nos lo dicen cada vez que pueden, que el lobby es lo que hace que el sistema democrático funcione y que la negociación es lo que hace que funcione el sistema legal en EU (¿recuerdan la ácida y excelente Gracias por fumar, de Jason Reitman, antes de que se volviera un complaciente de la industria?). Del mismo modo, estamos acostumbrados a ver cómo son las fallas, sobre todo en las películas que trabajan alrededor de los grandes temas legales. Los juicios, las negociaciones, las corruptelas que componen el sistema. Pero son pocas las veces en las que se retratan casos de lobby, de negligencia en el ejercicio de la gestión de intereses.

Así, esta cinta forma parte de un grupo de filmes que nos ayudan a comprender la caída de las grandes corporaciones, los cambios en la política, el sensacional crack del sistema de hipotecas, Enron, el nuevo fenómeno del desempleo y otros temas que suceden en torno a la crisis que vivimos a nivel global, como Inside job y Margin call.

En su caso particular Casino Jack se mete con un célebre lobista de origen judío, que, desde su imperio en Washington D.C., influye decisivamente en dos temas complejos, el juego y las minorías indias; somos testigos de cómo sus tejemanejes, sus dobleces morales, sus cimientos de enorme debilidad pero de grandiosa apariencia, retratados con crudeza, por Hickenlooper, afectan a tantos que ni siquiera conoce. Abramoff es un rey Midas cuyo imperio se ha construido en una base que se revela débil, amorfa y fatalmente frágil.

Lo interesante de la película es que no cuestiona el trabajo de los gestores de intereses, no hace balances negativos sobre la actividad, de alguna manera especula con los que hacen mal las cosas, pero las firmas siguen ahí, y lo peor que puede pasarles que perder la licencia para operar en Washington. Poderosos, influyentes, los lobistas son bien retratados, y dejan claro que lo que salió mal, producto de su falta de ética y de códigos, es la conducta de un tipo inescrupuloso.

Spacey opaca a todo el elenco que lo acompaña con sus poses y su voz. Lo acompañan Barry Pepper, Kelly Preston, la siempre interesante Rachelle Lefevre , Jon Lovitz, Eric Schweig y el enorme Graham Greene, en interpretaciones sólidas, aunque aquí la gran estrella es él, por estrafalario que parezca.

La muerte de Hickenlooper casi deja en el limbo esta cinta, que es realmente muy buena e interesante, aunque no es para todo tipo de público, que podría encontrarla confusa o aburrida, pero para los interesados en asuntos de estado, manejo y abuso de poder y manipulación de masas en la historia reciente, es irresistible. Además tiene el mérito de atreverse a salir a pelear con los vampiritos adolescentes de la semana, así que por ello merece más aún la atención de un público pensante.

Casino Jack
Con Kevin Spacey, Barry Pepper, Kelly Preston, Rachelle Lefevre , Jon Lovitz, Eric Schweig y Graham Greene
Dirige George Hickenlooper
EU 2010

Antes del comienzo: arte e infortunio de la precuela.

2011-11-12T14:03:00.017-06:00

Se han puesto de moda en los últimos años, aunque no son nada nuevo. Aquí, algunas de las más populares precuelas... y algunas que nunca debieron haberse filmado.

Miguel Cane

Según Hollywood ve las cosas últimamente, cualquier pretexto es bueno para aprovechar el material que ya se utilizó, con éxito probado, ya sea con remakes, secuelas o bien, las ahora de moda precuelas. Ahora, con motivo del estreno de la precuela de La Cosa de John Carpenter, aprovechamos para echar una mirada a las precuelas más notables del cine contemporáneo.

Usualmente, este tipo de películas, suelen ser vistas como las hermanas feas de las secuelas. Y es que, en la actual crisis de imaginación en la que se halla sumida la meca del cine, las secuelas al menos dejan una pequeña puerta abierta a la variación o la innovación en las secuelas pueden ocurrir muertes imprevistas, idilios impensables u otros sorprendentes giros de guión. Sin embargo, en el caso de las precuelas, no hay otra salida que cerrar todos los cabos sueltos para que todo concuerde con la película original (como es el caso de La Cosa del Otro Mundo en su nueva versión). El margen de maniobra es mínimo, lo cual suele desembocar en relatos previsibles y las más de las veces, bastante anodinos. Aun así, existen algunos casos en los que la precuela consigue empaparse de la fuerza y enjundia del filme original y crear su propio mito.

Batman Begins (2005)
El primer capítulo de la trilogía sobre el Hombre Murciélago de Christopher Nolan se presenta desde un primer momento como una historia sobre el origen de otra gran historia. Con eso ya ganado, la narración se permite el lujo de pasarse media película presentando al personaje de Bruce Wayne; su fobia a los murciélagos, su odio hacia el crimen, sus increíbles trajes y vehículos… Nolan también se las arregla para mandarlo al Himalaya para aprender artes marciales antes de volver a Ciudad Gótica y encargarse de los villanos, en este caso, el loco Espantapájaros (Cillian Murphy). El resultado de todo esto es una de las mejores películas sobre el origen de un súper héore.

Casino Royale (2006)
Seamos sinceros: antes de que se estrenase esta versión de Casino Royale, James Bond estaba en problemas. Die another day fue más que decepcionante para la mayoría, incluso a pesar de contar con la espléndida Rosamund Pike en el reparto. Pierce Brosnan tomó una buena decisión saltando del avión de 007 con esta película, pues después de él llegó Daniel Craig, para salvar la saga con sus nuevas técnicas y novedosos golpes de acción. Además, Casino Royale ofreció un gran regalo al mundo: Eva Green y su vestido de noche de Lanvin, algo por lo que millones de fans deben estar agradecidos por mucho mucho tiempo.

El padrino II (1974)
Es verdad que esta cinta magistral no es la típica precuela, aunque sí nos presenta una línea paralela donde vemos la historia del padre de Michael Corleone, dejando Sicilia y viajando hasta Nueva York a principios del siglo XX, donde instaló la ‘familia del crimen’ que años después Michael lideraría, como lo vemos en secuencias ambientadas en Lake Tahoe en 1958. La interpretación de Robert DeNiro en el papel del joven Don Vito es una absoluta obra maestra; algo que le llevó a recoger su primer Óscar. Además, también hay que destacar la magnífica dirección de Coppola y su soberbia idea de tomar una película original (ganadora de tres Óscar) y alargarla, tanto por el futuro como por el pasado, por lo que resulta en todos los aspectos, una cinta majestuosa.

El planeta de los simios: (R)Evolución (2011)
Antes de que Star Wars llegara a las pantallas y se convirtiera en la saga de ciencia ficción más popular y taquillera de todos los tiempos, El Planeta de los Simios, creada en 1968, parecía que iba a ser la mayor de las franquicias del género. Viajes espaciales, viajes en el tiempo y monos parlantes. ¿Se puede pedir algo más? Pues sí, se puede pedir una cinta de origen. Después del espantoso fracaso del remake de Tim Burton, el estudio decidió mirar no hacia adelante, sino hacia atrás: ¿Cómo aprenden los simios a hablar? ¿Y a caminar erguidos? ¿Cómo dejan los humanos que esto suceda? Y esto es lo que plantea este filme, uno de los mayores éxitos de este verano.

El bueno, el feo y el malo (1966)
Hasta la última entrega de la trilogía de Spaghetti-Westerns creada por Sergio Leone apenas se sabe nada sobre el Hombre sin nombre. Algún detalle se les escapa, pero no es hasta la única precuela de la serie que descubrimos cosas como por qué lleva un poncho o nada más y nada menos que su nombre. Pero por mucho que conozcamos de él, Blondie (ese enormísimo Clint Eastwood) siempre será un enigma; un enigma que liderará tres de los mejores filmes de su género de la historia del cine, entre los cuales siempre destaca El bueno, el feo y el malo.

Las que nunca debieron haberse filmado:

Hannibal, el origen del mal (2007).
¿Realmente necesitábamos saber que Hanníbal Lecter se convirtió en un caníbal por culpa del trauma infantil provocado por la muerte de su hermanita a manos de los malditos nazis? La cosa estaba condenada al fracaso, cuestión que quedó confirmada en la penosa combinación de drama histórico y película de artes marciales desplegada por el filme. Aunque el remate final lo puso la desabrida interpretación del francés Gaspard Ulliel. ¿Quién podría creerse que este enclenque iba a terminar convertido en el gran Anthony Hopkins. El fracaso en taquilla internacional es prueba de que nadie lo creyó.

Star Wars. Episodios I, II y III.
Sí, por supuesto que ese orate de George Lucas no se salva. Su soberbia fue tan grande que se atrevió a revisar los orígenes de la saga más mítica del cine fantástico y esto fue, probablemente, la peor idea de la historia del cine. ¿Por dónde empezar? Por ejemplo por Jar Jar Binks, el personaje más detestado del universo Star Wars. Luego está el infantilismo de la primera entrega, la sobresaturación de efectos digitales, o también la patética escena de amor entre Anakin y Amidala en la segunda parte, seguramente la más cursi del cine moderno, por no hablar del horrendo desenlace, abrupto, desleal al mito, con pésima actuación por parte de Hayden Christensen y un creciente fastidio aparente en Natalie Portman. Sin duda, ésta es una herida que nunca cicatrizarán los fans de la saga.

Cosa del otro mundo, La / The Thing, de Matthijs van Heijningen Jr.

2011-11-04T13:20:00.024-06:00

Horror en la nieve

Miguel Cane

En 1982, John Carpenter presentó la que sería su magnum opus, después de Halloween (1978), que lo puso en el mapa; La cosa del otro mundo (The Thing), idiosincrático y existencialista remake del clásico de la ciencia-ficción de los años 50 producido por Howard Hawks y basado en un relato de John W. Campbell. Aunque en su momento no fue un éxito comercial (Universal la regó al estrenarla al mismo tiempo que E.T.), el paso del tiempo hizo justicia y la convirtió en un filme de culto muy celebrado. Casi treinta años después, el mismo estudio presenta una nueva película en forma de precuela, que resulta más bien remake encubierto de la historia.

En la universidad de Columbia, la paleontóloga Kate Lloyd (Mary Elizabeth Winstead, en su primer rol maduro, con una inspiración en Jamie Lee Curtis y Sigourney Weaver, grandes reinas del género) es reclutada para visitar una base científica en una remota zona de la Antártida para colaborar con un equipo noruego que ha encontrado accidentalmente una nave extraterrestre enterrada en el hielo, y en cuyo interior viajaba un organismo que parece haber muerto en la colisión hace miles de años... pero, como todo aficionado a género sabe, las cosas en esta historia no son para nada lo que parecen.

Hay que aclarar que la cinta lleva el mismo título que su predecesora, y pese a ser concebida como una precuela, en realidad es más un remake-homenaje a la atmosférica y deprimente cinta de Carpenter, si bien relata los acontecimientos anteriores a lo que vimos en la cinta original, situándose en el campamento noruego en el que despierta el monstruo por primera vez.

Por tanto, y siendo los noruegos los descubridores de tal hallazgo, tenemos la oportunidad de ver el aspecto inicial (quién sabe si el suyo propio o una imitación de un ser de otro planeta) de la ”cosa” y contemplar con mayor detalle -incluso el interior- de la nave espacial con la que llegó a la Tierra. Esto vendría a ser básicamente la única aportación de la cinta, que no ofrece ningún tipo de información o dato novedoso respecto a lo ya visto, ni siquiera hay una intención de ser propuesta fresca desde una perspectiva diferente. Por tanto, lo que hace el guionista es limitarse a repetir una misma fórmula que ha sido vista repetidas veces en otras películas con monstruos depredadores. La trama sigue un patrón definido, con escaso suspense al inicio, y que solamente intrigará al espectador que desconozca por completo las anteriores versiones.

Quizás por ese motivo la existencia de esta precuela se sienta tan innecesaria, pues realmente no aporta nada que la justifique. Las actuaciones son correctas y tampoco van más allá si tenemos en cuenta que aquí los personajes, salvo los interpretados por Ulrich Thomsen y Mary Elizabeth Winstead, no están definidos Como entretenimiento, la cinta es efectiva. Ofrece las suficientes dosis de terror, acción y violencia para contentar al espectador que paga boleto. Pero no aporta absolutamente nada y al final, uno abandona la sala con dos sensaciones: indiferencia e imperiosas ganas de volver a ver la cinta de Carpenter.

La Cosa del otro mundo/The Thing
Con Mary Elizabeth Winstead, Joel Edgerton. Ulrich Thomsen, Adewale Akinnuoye-Agbaje
Eric Christian Olsen y Kim Bubbs
Dirige: Matthijs van Heijningen Jr.
Estados Unidos 2011

Homeland, serie de televisión por cable

2011-11-04T13:20:00.021-06:00

El Enemigo en Casa

Con el estreno de Homeland, la televisión por cable alcanza una nueva vanguardia que desafía las restricciones del cine.

Miguel Cane

En la última década, se ha demostrado que nos encontramos en la época de oro de los canales de cable, donde se emiten las mejores series de ficción, desplazando a la TV abierta por mucho. En el caso de HBO, tenemos grandes hits como True Blood, la majestuosa Juego de tronos o Boardwalk Empire. Que produce nada menos que Martin Scorsese. La AMC, por otro lado, triunfa con la espectacular Mad Men, Breaking bad, y la telenovela de zombis The walking dead, que estrenó a nivel mundial su segunda temporada; por su parte, FX tiene un éxito con la sofisticada y brutal American Horror Story (que comentábamos hace unas semanas) y le llega el turno a Showtime, la otra reina de los canales de cable, que ya emite, Weeds, Dexter, The Big C (con la fabulosa Laura Linney) y que recientemente estrenó su apuesta fuerte para la temporada 2011-2012: Homeland.

Este serial dramático sigue el formato del melodrama tradicional, con elementos del thriller político (al estilo de El Embajador del Miedo) nos cuenta la historia de Carrie Mathison (Claire Danes, Romeo + Julieta), oficial de operaciones de la CIA, que, durante una misión en Irak, se entera de que un soldado estadounidense se ha pasado al bando de Al-Qaeda. Ya en Virginia, Carrie verá en televisión que un soldado del ejército de los Estados Unidos, Nicholas Brody (Damian Lewis, Hermanos de sangre), que llevaba ocho años desaparecido, ha sido encontrado con vida. Carrie, tiene bastantes problemas psicológicos y padece un trastorno obsesivo compulsivo, sospechará de él, pues no verá sentido en el hecho de que Al-Qaeda haya mantenido a un soldado americano ocho años con vida sin motivo aparente. Por otro lado, conoceremos a Jessica (Morena Baccarin, la villana en la segunda versión de V), esposa de Brody, que ya había rehecho su vida con un antiguo amigo, y tendrá que aprender a lidiar con el retorno de su marido.

La propuesta es dura, cruel y realista, Claire Danes dibuja un personaje interesante y creíble mientras que Lewis realiza un estupendo trabajo interpretando a Brody como un héroe para los estadounidenses cuyo gobierno (ficticio) necesita de su imagen para justificar su “guerra”, pero no para todos porque a Carrie Mathison alhgo no le convence del todo y está segura de que oculta algo. Aunque nadie apoya esta teoría, consigue convencer a su mentor, Saul Berenson, (estupendo Mandy Patinkin) para que le ayude a descubrir qué hay detrás del Sargento Brody, que bastantes problemas tiene al volver a una casa donde sus hijos apenas lo recuerdan y donde Jessica enfrenta una encrucijada ¿qué mujer decente y patriota abandona a su marido en esta circunstancia? Y ¿qué secretos esconde Brady en su cabeza?

Al igual que ocurría con la estupenda serie In Treatment, el material original proviene de la televisión israelí; no es coincidencia que un país tan pequeño tenga una televisión tan estimulante. La traducción al público occidental funciona: se trata de sociedades asediadas por el espectro del terrorismo y, además, países con agencias de espionaje sofisticadas como pocas y ejércitos poderosos, envueltos en interminables conflictos bélicos. No es sorpresa que al frente de Homeland haya veteranos de 24. Las explosivas andanzas de Jack Bauer eran, prácticamente, una respuesta directa al 11-S. Cada día/temporada suponía una lucha titánica para conjurar la amenaza de destrucción total, las ocho temporadas eran una encarnación del imaginario de masacre civil que el World Trade Center había convertido en pesadilla recurrente. Homeland es el siguiente paso lógico en un terreno moral que parece de arenas movedizas. Diez años después y con Bin Laden ostensiblemente muerto, ¿qué le queda al mundo? El miedo, la paranoia y una inseguridad sorda, pegajosa. Ahí, en esas zonas grises, es donde la serie bifurca el thriller y abraza la reflexión, las sombras domésticas, la locura secreta de sus protagonistas. Eso marca la diferencia y hace que la serie sea intrigante y adictiva. Porque la tensión, de momento, está más en una mirada, un dedo, un rezo o un coito interrumpido que en persecuciones contrarreloj y explosiones.

La serie sigue los preceptos de la excelente La conversación de Coppola (solo cambia la tecnología) y muestra capítulos llenos de tensión y demonios internos, con la dosis justa de sorpresa.

La obsesión de Carrie Mathison nos impulsa, pero ¿debemos creerle? ¿O está tan dañada emocionalmente que es volátil? ¿Hay algo más? ¿Esquizofrenia? Y Brody... ¿lo convirtieron? ¿Hay algún otro secreto más en su paso por el infierno?, la serie ofrece un panorama riquísimo, con ajedrez geopolítico, espías dobles y profesionales que no dudan en saltarse las reglas y visualmente, aborda escenas muy turbadoras. Acorde con ese tono, el tema de Homeland tampoco es para pusilánimes: la gente mata y muere; la razón de estado aplasta la integridad humana. Nada es lo que parece.

Para competir al límite, los actores responden. La Danes está intensa y formidable, con una mirada tan inteligente que a ratos parece de perro de presa. Lewis, es un acierto. Mantiene su aire de buen hombre con mirada de acero que, a un personaje tan misterioso, le confiere la ambigüedad imprescindible para disparar la trama. ¿Es un traidor o no lo es?

Quizá el mayor riesgo de Homeland sea su excelente calidad. Por la propia estructura -un juego del gato y el ratón enriquecido con tramas de espionaje internacional-, el producto perderá su impacto si se estira demasiado sobre la incógnita sobre la verdadera identidad de Brody. No hay que olvidar que ese fue el fallo integral en Twin Peaks y más recientemente, en The Killing. La premisa está muy bien, pero no puede extenderse demasiado. ¿Habría sido mejor como una miniserie? No lo sabemos aún; de momento, los creadores se preocupan de armar todo con cuidado, con miras a una conclusión en el capítulo trece, que sea brutal.

Homeland es un trabajo de primera calidad, una serie muy cinematográfica tanto en la fotografía como en la calidad del guión, que, en el episodio piloto, sigue la historia desde puntos de vista diferentes: el de Carrie y Berenson y el de Brody y Jessica, por lo que la línea que separa el “bien” del “mal” es tan vulnerable que podría decirse que es casi invisible, pues ningún personaje está libre de pecado. Los más de 50 minutos que dura el primer episodio pasan volando y la intriga se mantiene hasta el final, donde se hace un descubrimiento que puede dar un giro a la serie, otorgándole muchas más escenas de acción y tensión asegurada y haciendo de ella una de las propuestas más interesantes y polémicas que se han visto en mucho tiempo y cuyo visionado será tema de conversación ineludible.

Contacto en Francia: el viejo narco "con estilo"... cumple 40 años de su estreno

2011-10-28T15:16:00.053-05:00

Hace 40 años se estrenó la cinta de William Friedkin, que planteaba una soberbia partida de ajedrez entre un policía y un narcotraficante. Hoy ambos están jubilados.

Francisco Peña

Combatían entre sí como enemigos implacables pero acatando una regla esencial: cero menosprecio y mucho respeto por la inteligencia del adversario. El policía antinarcóticos Jimmy “Popeye” Doyle y el capo Alain Charnier escenificaron en Contacto en Francia I (1971, William Friedkin) uno de los duelos más complejos entre policía y delincuencia que registra la historia del cine.

Basada en un hecho real, la incautación de 60 kilos de heroína y la desarticulación de la “conexión francesa” en 1961, la cinta renovó los arquetipos fílmicos del narcotráfico con bases documentales: el consumo se reducía a negros y blancos marginales, la mafia italiana cometía los errores, la persecución y el triunfo eran resultado de la inteligencia.

Tres secuencias pasaron a la historia. El “ballet” en el metro de Nueva York donde Charnier (el soberbio Fernando Rey) le gana la partida a Popeye (el extraordinario Gene Hackman). Ambos se observan, dejan pasar trenes, entran y salen del vagón hasta que, en una jugada magistral, Charnier mete el mango de su paraguas entre las puerta (en close up) que se abren y sale. Popeye sale y voltea para que no lo reconozcan y pierde de vista un segundo a Charnier… que da dos pasos atrás y sube al vagón. Punto para Charnier que se despide por la ventana diciéndole adiós con la mano al encabritado detective (ver el trailer empotrado arriba, del minuto 1:17 segundos al 1:44 segundos).

Después Popeye desmantela un auto Lincoln pero no detecta la heroína hasta que, por la deducción inteligente de su compañero Russo (un prometedor Roy Scheider) que detecta la diferencia en el peso entre el modelo de fábrica y el auto real, la encuentra: punto para el policía. El final entre estos grandes maestros del ajedrez del narcosuspenso decreta tablas: Popeye incauta la droga, atrapa a los mafiosos, pero Charnier escapa a Francia y vive toda su vida en libertad.

Charnier se convirtió el arquetipo del capo europeo en el cine: gourmet exquisito en comida y bebida, elegantemente bien vestido con sobriedad y cero ostentaciones, ambicioso sin desbordarse, culto, con una sola mujer, eso sí joven y muy elegante.

Lo importante para Alain Charnier como “jefe de jefes” era el “estilo” en su vida diaria: su forma de vivir y disfrutar de la vida. Era un nuevo rico pero sus gustos eran refinados y aristocráticos: jamás confundió “lo grandioso con lo grandote”.

A 40 años ya nada es igual. Las películas reflejan las situaciones de las sociedades que las crean y mucho ha cambiado. Popeye y Charnier están fuera. El cambio en el cine, como en la realidad, empezó en Colombia en la era del capo Pablo Escobar: parte del cambio apareció en Rodrigo D, no futuro y La vendedora de rosas (ambas de Víctor Gaviria) que iban de las pandillas al narcomenudeo. El cine se decantó por la situación social y el capo era figura mítica marginal.

El narco latinoamericano y mexicano, la vida de sus capos (gustos, mujeres, negocios, nivel de vida) ahora empapa la cultura popular de nuestros países al entrar por la periferia de las imágenes de “homevideos” y, sobre todo, los videos musicales como, por ejemplo, los del Movimiento Alterado. Estos últimos reflejan en sus imágenes una mezcla entre el mito, el vestuario y la forma aspiracional de vida de los capos (hummers, mujeres modelos, armas, whisky –sólo Buchanan-, alhajas y dólares en abundancia: generosos con sus amigos, con la gente del pueblo en el territorio donde operan; implacables con los enemigos de otros grupos), como se puede mirar en “El Señor de las Hummers” de El Komander, uno de los líderes indiscutibles de este género musical. También dentro de los conjuntos musicales se toma partido por uno u otro grupo; en este caso, al surgir en Sinaloa, hay canciones del Movimiento Alterado que apoyan al Chapo Guzmán y al Mayo Zambada con un matiz abiertamente épico que mitifica a estos personajes, como se observa en el video “Movimiento Alterado”, catálogo de artistas que forman parte del Movimiento mientras cantan la misma canción (y tan se consideran "legítimos" comercialmente que los mismos estadounidenses los venden, por ejemplo, en Amazon, en mp3 y CD). ¿Cómo ven?

En un medio social de extrema pobreza y desempleo que afecta en especial a ancianos y jóvenes, tal parece que no quedan más que dos opciones para salir adelante: la migración a Estados Unidos (hay toda una tradición propia, fílmica y musical, sobre los ilegales que viajan o ya viven en EU) o la pertenencia a uno de estos grupos del narco. Por eso no debe extrañar que, al exponer otra forma “alternativa” aspiracional de vida, estos conjuntos musicales sean tremendamente populares y exitosos en ambos lados de la frontera: sus discos tienen ventas más altas y sus conciertos populares tienen más asistencia que las de “cantantes reconocidos”.

Este mundo entra ya muy tarde en el cine mexicano hasta que El Infierno (Luis Estrada) lo puso en pantalla. Ya no se ve al ejecutor profesional y solitario de Contacto en Francia sino grupos de sicarios aunque ambos asesinan con la misma frialdad, la víctima no es una sola persona sino ya grupos de víctimas, se muestra el “pozoleo” y las ejecuciones. En este caso, Luis Estrada retrata a “Don José Reyes” (Ernesto Gómez Cruz) como la nueva imagen del capo mexicano que es todo lo opuesto al francés Charnier. Se acabó el ajedrez estratégico: “la violencia es mala para los negocios”, decía el consigliere Tom Hagen en El Padrino, pero los actuales Sonny Corleone mexicanos no lo escuchan. El dinero está por encima de toda consideración, por lo que la corrupción es rampante y los combates entre sí por el poder en zonas, plazas y rutas son salvajes.

Por otro lado, en Contacto en Francia la mujer era marginal y bella pero respetada, cosa que se remarca en Buenos Muchachos / Goodfellas, de Scorsese. Ahora Miss Bala y La reina del Sur muestran su nueva presencia como víctima o como líder. El papel de la mujer en estas cintas merece un texto propio.

Pero ni Contacto en Francia ni las cintas actuales se atreven a tocar un tabú.

Para todas estas películas, los consumidores son pobres o de clase media... cuando mucho alguna chica rubia hija de papá. Jamás muestran la distribución de drogas entre ricos, políticos, ejecutivos y celebridades. Las notas de prensa hablan todo el tiempo de la adicción de Charlie Sheen, Britney Spears o la celebridad en turno pero, ¿cuándo se ha publicado algo sobre cómo conseguían sus rayas de coca Lindsay Lohan, Paris Hilton o Nicole Ritchie?

El caso de Lindsay Lohan es representativo de la doble moral de la sociedad y gobierno estadounidenses. Por un lado, no hay muchas notas sobre quiénes distribuyen la droga en EU dentro de su territorio una vez que cruzó sus fronteras, cómo y por cuál vía llega a los ejecutivos bancarios de Nueva York (la cantidad de droga que se halló contenida e intacta en las cajas fuertes rescatadas de las ruinas de las Torres Gemelas) o para consumo de las celebridades que viven en California en centros nocturnos o fiestas privadas. Pero eso sí, por otro lado Lindsay Lohan (pero NO las demás) se ha convertido en chivo expiatorio de la justicia: la han convertido en un “ejemplo” de castigo para atemorizar a las jóvenes.

El mensaje social es: sean invisibles, dróguense, destrúyanse, pero no en mi casa, que yo no las vea ni sepa de ustedes: no alteren mi vida.

Pero en las notas generadas por el caso de la hermosa LiLo se ha evadido sistemáticamente el dato de quién era la persona que la surtía, quién la metió en el vicio y de qué forma. ¿Fue Samantha Ronson, su pareja lésbica? ¿Alguna maquillista, un estilista, un amigo o amiga? ¿Quién fue? Televisión, cine y prensa guardan riguroso silencio sobre el tráfico y distribución de droga sólo en casos de consumidores de alto perfil económico. El cine puede mostrar el “estilo” fino o vulgar de un capo, pero oculta el hecho que el “estilo de vida” de quienes surten a algunas de sus “estrellas” es sólo un pozo negro sin fondo, al que no quiere asomarse.

Con este nuevo telón social de fondo, Contacto en Francia a 40 años de su estreno es ya una película clásica, con secuencias de acción y suspenso que funcionan perfectamente hoy: es muy disfrutable como buen cine. Pero también es un documento histórico - fílmico de “cómo eran las cosas” antes del Cambio.

El duelo capo – policía basado casi en su totalidad en una labor de inteligencia es ahora impensable, el respeto por el enemigo es inimaginable, la adopción de “códigos de honor” no escritos entre contendientes se ha roto. Para el cine, para la sociedad y para los bandos enfrentados su desaparición sólo significó el paso a una vorágine de violencia sin límites, de la cual aún no podemos predecir el momento de su fin.

Cinco Sentidos / Five Senses, de Jeremy Podeswa

2011-10-28T11:57:00.041-05:00

Francisco Peña

La gente llega a tu vida,
Quizás por un momento,
Pero eso significa algo.

La película Cinco sentidos del director canadiense Jeremy Podeswa es interesante por varias razones: su construcción narrativa con un guión sólido, la cuidada realización con detalles excelentes y el fondo ético que contiene.

El film gira alrededor de una preocupación básica: cómo los sentidos nos interrelacionan con el mundo exterior, especialmente con otros seres humanos. A pesar de sus deficiencias y errores, los sentidos son el puente de contacto con la realidad, y una de las ideas del director es que la falta de atención y el descuido en su manejo deterioran la relación del individuo con sus semejantes.

A partir de este punto inicial, Podeswa presenta a cinco personajes principales que usan, cada uno, a un sentido en especial. Para interrelacionarlos, usa una técnica narrativa que ha ido y venido entre cine y literatura, que es usar un hecho central para que los personajes se encuentren, y después desarrollar las cinco historias con distintos momentos donde se entrecruzan. El punto central es la desaparición de una niña en un parque.

El guión, que es interesante en sí mismo por su construcción narrativa, el manejo de los diálogos y los silencios, el uso adecuado de la metáfora visual, y de calidad literaria en varias secuencias, es un sólido cimiento para una buena realización con momentos deslumbrantes.

Así, la cinta cumple para el espectador con la premisa que propone en pantalla. Hay que afinar los sentidos, poner atención para lograr una mejor comprensión / relación con la realidad.

Si el cinéfilo pone atención a la película, encuentra muchos detalles enriquecedores de los personajes y establece una relación intelectual placentera con la cinta. Los personajes se hacen más humanos; el espectador participa en la complejidad de la cinta y sus diferentes niveles de lectura –ética, existencial, sexual, filosófica y, por supuesto, cinematográfica.

Los personajes no son símbolos de cada uno de los sentidos, sino que sólo se acentúa en cada uno de ellos el manejo preferencial de un sentido específico. Así tenemos a la masajista Ruth Seraph (Gabrielle Rose) con el tacto, su hija Rachel (Nadia Litz) y la visión, el oftalmólogo francés Richard (Philippe Volter) que pierde el oido, la decoradora de pasteles Rona (Mary – Louise Parker) con el gusto, y Robert (Daniel McIvor) que proclama que existe un olor del amor y lo busca con el olfato.

Alrededor de estos personajes, de su miedo o decisión para relacionarse con el mundo, aparecen personajes secundarios que refuerzan la presencia de un sentido específico; destacan Roberto (Mario Leonardi) con el gusto, el muchacho de la visión (Brendan Fletcher) y la presencia misteriosa de Pascale Bussiéres como Gail - oido.

Estos binomios de seres humanos triunfan o fracasan en su relación dependiendo si los cinco personajes principales toman o no la iniciativa de vencer sus limitaciones físicas o emocionales.

Mientras se desarrollan los cinco hilos narrativos, la ausencia de la niña y la presencia de su madre angustiada sirven de sutura estructural, de presencia recurrente, para relacionar a todos los personajes e ir profundizando en su psicología y su existencia.

Así, la trama se enfoca en los problemas existenciales de todo el conjunto de personas, y las soluciones / pérdidas, lo positivo / lo negativo o iniciativas / fracasos con los que abordan su vida. Esto sucede en el eje cronológico donde el argumento avanza linealmente en un tiempo narrativo de tres días. Es la equivalencia a un eje sintagmático.

Pero además hay un eje vertical que relaciona los sentidos con la edad del personaje. Los sentidos más íntimos corporalmente corresponden a los personajes de mayor edad, mientras que los sentidos más inmediatamente placenteros se ligan a los personajes más jóvenes. Este manejo de los personajes es una especie de eje paradigmático.

Así se tiene que los binomios personajes – sentidos son:

Rachel y Brendan, los jóvenes adolescentes voyeuristas, con la Visión.
Rona y Roberto el italiano, la pareja joven, con el Gusto.
Robert, en su búsqueda solitaria del amor con el más particular de los sentidos: el Olfato.
Richard y Gail, la pareja más solidaria frente a la soledad, con el sentido cuya pérdida aisla más: el Oido.
Ruth y un cliente, con el más intimo de los sentidos –el que “sabe”-, el Tacto.

Para los espectadores jóvenes, la chica Rachel es la más atractiva del conjunto. En un estado negativo de casi total aislamiento por la muerte de su padre y la desatención emocional de la madre, Rachel es quien pierde a la niña Amy Lee Miller. La culpa y la incomunicación son evidentes porque el uso inicial de su Visión es meramente voyeurista y lejana, sin relacionarse con el objeto observado.

Al compartir su voyeurismo con un chico de su edad empieza a relacionarse con el Otro. Él le enseña a observar, a conocer visualmente el carácter de la gente, si están enamorados, tristes, alegres, miserables o confortables. Se remata con una frase que divide a los humanos en dos categorías: la gente que gusta de ser vista o los que prefieren observar.

Al afinarse la visión los personajes se van transformando hasta que, en un actor de voyeurismo – travestismo compartido, Rachel obtiene “una visión desde adentro / looking at you inside out”, del chico. Él, a su vez, se siente “misterioso del cuello para arriba y exótico del cuello para abajo”.

Entonces Rachel, al compartir la visión puede comunicar lo que tiene por dentro, su sentimiento de culpa por la muerte de su padre y recuperar los recuerdos relacionados con él y con la fotografía. Rachel – Visión da el primer paso para relacionarse con el muchacho al llamarle por teléfono. Esta iniciativa repercute positivamente en su vida: tiene alguien que la comprende y recupera la relación con su madre y el recuerdo del padre.

La siguiente pareja es la que se relaciona a partir del gusto: Rona y el italiano Roberto. Aquí, los matices del guión marcan sutilezas interesantes para el espectador. Tenemos al personaje más seguro y al más indeciso de la cinta.

Roberto afirma su personalidad mediterránea abierta y simpática, la cimenta en el arte culinario que insiste en DAR placer al Otro, y procura satisfacer a Rona en toda forma posible, con el detalle de llevarle el desayuno a la cama, por ejemplo.

Eona es indecisa, insegura y tiene miedo de tomar la iniciativa por lo que evade el compromiso. Esto se refleja en que en sus pasteles lo que importa es la imagen, la belleza exterior, y no la calidad del pan, que es desabrido y simplón. Rona le dice a Roberto que el sabor del pastel no es lo importante sino como se ve. Roberto contesta en italiano que “el sabor es lo importante, no como se ve, porque ES un dulce”.

Las cosas son, aunque no podamos captarlas en su totalidad y eso merece un respeto para lo que nos rodea, aunque no se pueda comprender a plenitud lo que es externo a nosotros, parece implicar Podeswa tanto en la cinta como en sus declaraciones en México.

Rona toma conciencia del gusto gracias a Roberto y busca un nuevo sabor al pan… pero…

Hay momentos en que ella no quiere comer, donde tiene miedo de Roberto y lo evade. Esto a pesar de que al menos dos personas –Robert y su madre moribunda, que es pintora- le recuerdan a Rona que tiene que tomar una decisión sobre esta relación. La madre es muy clara al respecto: “Nada es perfecto. Mientras más pronto te des cuenta, serás más feliz”.

El diálogo de los ex-amantes Rona – Robert en el parque donde desapareció la niña es determinante. Robert comenta: “Nos usamos para evitar convivir con otras personas”, a lo que Rona responde que la causa de su rompimiento es que “siempre me fastidiabas” presionando para que ella tomara decisiones.

Robert, el homosexual con momentos bi, limpia casas y está obsesionado con el olfato. Es el personaje que en forma más abierta usa su sentido en la búsqueda del amor, del encuentro con el Otro. Revisa a sus distintos amantes (dos hombres y una mujer) y descubre con el olfato que no lo han amado. Pero la búsqueda de Robert no termina allí porque sus mejores momentos se dan cuando aspira con placer de catador varios perfumes exclusivos en la casa de una pareja.

La figura de Robert es tratada por Jeremy Podeswa con mucho respeto y humanidad. En esto, Podeswa sigue una línea constante del cine canadiense en su trato de los personajes homosexuales o bisexuales donde no hay condena sino análisis de problemáticas, simpatía y humanismo. Basta recordar los personajes de Exótica (Atom Egoyan) y de When the night is falling (Patricia Rozema ) también con la participación de la actriz Pascale Bussiéres.

Además, de acuerdo a Podeswa, Robert es el personaje que más claramente quiere atrapar a través de los sentidos algo que es abstracto porque insiste en que “se puede oler el amor”. Esta búsqueda de la objetivización de lo abstracto es un punto importante del núcleo ético y filosófico de la cinta de Podeswa. Es el momento donde el personaje podría o no decir “huele como el amor”.

En mayor o menor medida, el resto de los personajes también están en la misma búsqueda que Robert.

El siguiente binomio es el de Richard y Gail que para el público adulto es el más humano, lleno de matices, y el que logra romper abiertamente con la soledad luego de sufrir los peores temores. Richard es un oftalmólogo que está perdiendo el oido. Esto le lleva a momentos de gran sensibilidad en el oido, capaz de oir conversaciones lejanas.

Al conocer lo irreversible de su enfermedad, Richard deja todo y se concentra en la búsqueda obsesiva de sonidos en el intento de crear una audioteca en su memoria. Elabora una lista con sus sonidos favoritos y trata de recordar cada uno de ellos.

Pero uno de los que más llaman su atención es una voz perfecta de soprano que canta ópera y que se oye en varios momentos del film… No sólo con Robert sino también con Rachel y Ruth. El cuerpo del que sale esta voz queda a la imaginación de los personajes y del público. Esa voz maravillosa que embelesa no tiene cara sino hasta el final de la cinta, cuando Rachel, o la visión, puede finalmente develar el misterio para sí y para los espectadores.

La filosofía y la ética que entretejió Podeswa en el guión y en su película encuentra en esta pareja su manifestación más clara.

La soledad de Richard se incrementa con cada escena. La grabación de imagen y sonido de su hija marca su aislamiento y su necesidad de relación. Su búsqueda solitaria de sonidos marca en parte su fracaso por crear su audioteca.

En un momento de la cinta llama a una vieja conocida –Gail (Pascale Bussiéres), una hermosa prostituta de lujo, call girl o escort-, con quien tiene relaciones. Ya para retirarse Gail, Richard toma la iniciativa, da el primer paso –punto muy importante para Podeswa- para romper el aislamiento e invita a Gail a quedarse para escuchar música, para “compartir” su sentido predominante. Richard le explica su problema y le habla de la lista de la audioteca.

En una actuación matizada, casi sin diálogos y llena de silencios, Pascale Bussiéres (Gail) y Philippe Volter (Richard) logran secuencias sugerentes, cargadas de significado. Podeswa recuerda la teoría del húngaro Bela Balázs, que daba gran importancia al rostro humano vía close up como vehículo para expresar significados no verbales.

En el momento de la invitación Gail se para, piensa y vuelve a sentarse como signo de aceptación. Pero ese momento hay que verlo en pantalla para entender y sentir al personaje. Luego de la iniciativa de Richard, Gail toma una decisión importante en el guión, que logra su peso y significado gracias a la imagen, a la actuación de Bussiéres. Aquí uno recuerda que el cine es imagen, imagen significativa…

A la mañana siguiente Gail aun está allí. El proceso de ruptura de la soledad y del intercambio de debilidades para construir la mutua confianza comienza. Gail lo lleva una la iglesia y regala a Richard el hecho de oir un extrarodinario coro. Richard confiesa que va a extrañar esos sonidos y Gail, sin decir palabra, coloca la mano de Richard en el respaldo de la banca de enfrente; sin despegar su mano, Gail le enseña las vibraciones de la música en el tacto.

Richard abre su interior: “Tengo miedo a tener que depender de otros. Temo que mi mundo se va a encoger”. Bussiéres, con uno de esos rostros investidos de la magia que sólo puede captar la fotogenia del cine le contesta con lenguaje de sordomudos y da la respuesta humana a los temores de Richard: “Hay otra manera de escuchar. Hay otras voces”.

En otra escena posterior es Gail quien explica el por qué de su sensibilidad y del conocimiento del mundo de la sordera: su hija nació sordomuda, pero “te das por vencida o continúas adelante”.

Esta pareja tiene una mejoría evidente, da un paso positivo en su vida individual y se encuentran ambos como seres humanos. Es la historia que mejor encarna las ideas que Podeswa plasma en Cinco sentidos. Si uno se toma el tiempo de analizar la información que entregan los sentidos –aunque son falibles de entrada-, si uno se arriesga a entender al Otro, existe la posibilidad de romper con la soledad, con el aislamiento personal y que el resultado de una relación humana sea positivo, propone el director.

El último sentido, el Tacto, lo ejerce la masajista Ruth Seraph. Sin querer origina el problema del extravío de la niña al atender el masaje de la madre, Anna Miller (Molly Parker), por lo que se liga emocionalmente a su clienta y trata de ayudarla. Pero Ruth ha perdido a su esposo, el padre de Rachel, por lo que tiene también sus propias heridas emocionales.

Intenta acercarse a Anna Miller y entre ambas se da un intercambio de las mutuas pérdidas. Pero mientras Ruth se ha sumergido en el dolor, Anna conserva la esperanza y seguridad religiosa de que su hija está bien. De hecho, es Anna Miller, maestra de Rachel, quien le hace notar a Ruth que el aislamiento perjudica a su hija quien también resiente la ausencia del padre. Anna lee a Ruth un pequeño poema de Rachel publicado en el anuario escolar y Ruth comienza a comprender su error…

A lo largo de la película Ruth también tiene constantes diálogos en donde se expresa la idea “Sé como se siente”, a lo que le contestan “¿Cómo sabe como me siento?”. La masajista maneja quizás el sentido más “íntimo” del ser humano, pues el tacto es el puente más delicado de las personas con la realidad: cuando Uno toca al Otro muchas cosas han tenido que suceder antes entre ambos para llegar a este punto de confianza.

En toda la cinta Ruth sólo atiende a dos clientes. El último es un hombre que, al ser tocado exclama llorando: “Nadie me ha tocado en tanto tiempo…”. Esto, de paso, recuerda el cuento “You touched me”, de D. H. Lawrence.

Ruth, gracias al tacto, puede “sentir” los sentimientos de los otros personajes, por lo que paralelamente es quien más dificultad tiene de liberarse de sus emociones profundas derivadas de la muerte de su esposo.

En el momento en que Ruth puede disfrutar de su propio tacto, otorgado a todos los demás menos a ella misma, es capaz de tocar posteriormente al ser más cercano: su hija.

Cómo se observa en la película, el eje sintagmático de las historias avanza cronológicamente entrecruzándolas en un montaje alterno aunque no simultáneo. Pero la riqueza de la cinta se incrementa porque el tejido de la historia es capaz de contener múltiples significados. Hay pues varias lecturas posibles de situaciones y personajes porque el eje paradigmático Parejas Personajes – Sentido se entrecruza con el cronológico.

Podeswa mantiene en sus escenas un ritmo pausado que no es ni lento ni aburrido, porque las secuencias están realizadas con una regla de oro del cine: “que siempre haya movimiento en el cuadro (sea de acción, de diálogo o cámara)”.

En ese sentido, el manejo del sonido, de la cámara, de la puesta en escena, enriquece la complejidad de los personajes sin recurrir al diálogo en exceso. Hay un equilibrio entre los elementos y, de hecho, muchos momentos determinantes del film se narran con silencio, con miradas, con el puro lenguaje corporal.

Para afirmar los distintos niveles de lectura de la cinta, Podeswa intercala breves escenas de los personajes, donde avanzan o retroceden en su situación existencial. El cinéfilo debe estar atento a estos momentos que son significativos porque muestran cambios en el interior de los personajes, aunque no “avance” la anécdota que se cuenta.

Además, en general, Podeswa filma escenas cortas de la historia de cada uno de los personajes, pero el ritmo interno es pausado para que la vista y el oido DEL ESPECTADOR se adentre en los acontecimientos, en los personajes, en la película misma.

Hay que mencionar la probidad técnica que muestra Podeswa en el diseño y manejo de la producción. La fotografía, como él mismo declaró en entrevista a To2.com (ya desaparecido), maneja únicamente colores fríos y se olvida de los pasteles y brillantes. De esta forma crea un ambiente perfecto para remarcar psicologías y estados de ánimo; las ocasiones donde hay predominio de colores cálidos corresponden a los personajes que cambiaron para mejorar.

Cinco sentidos pertenece a un cine profundo pero no aburrido, da un cine que deja en el espectador inquietudes y un sedimento de ideas de donde surge la reflexión personal. No se trata de una cinta solemne y su contenido, acción y anécdota es muy disfrutable, con lo cual se confirma de nuevo que el cine es una fuente de placer intelectual y emocional.

CINCO SENTIDOS.

Las aventuras de Tintin / Tintin and the secret of the Unicorn, de steven Spielberg

2011-10-28T11:57:00.011-05:00

El Joven Aventurero

Miguel Cane

Cuando los personajes que marcaron infancias de miles de personas a través de un cómic clásico se trasladan a otros formatos como los videojuegos, la TV o la gran pantalla, los retos no son sólo la dificultad de mantener esa magia sino también la de no destruir los recuerdos. Tintín, creado en 1929 por e dibujante belga Hergé, es por lo mismo, uno de los iconos más reconocibles del mundo para varias generaciones. Por lo tanto, el riesgo de trasladarlo con éxito al cien es tan enorme que evidentemente despierta dudas, por mucho prestigio que tengan Steven Spielberg y Peter Jackson. No es cosa fácil no solo contentar a la legiones de fans, también usar la técnica de capture motion (que no siempre queda bien) y además añadirle el toque de 3D que puede incluso afectar, para mal, el resultado final (véase la Alicia de Burton como ejemplo de esto). Hacer que un personaje de comic quede bien “como humano” es casi imposible y eso lo debió pensar Spielberg muy bien. Acierta con la cinta y consigue hacernos volver un poco a la infancia e interesar desde el inicio, con unos créditos excelentes. Desde ahí, el espectador viaja directo a recorrer aventuras con el reportero más valiente y su fiel mascota Milú, junto a un Haddock memorable y unos gemelos Hernández y Fernández torpes pero altamente creíbles.

De realización primorosa, con un maravilloso atractivo visual, Las aventuras de Tintín es un espectáculo formidable y muy fiel al material de origen, agregándole soberbios momentos de acción –la batalla naval, la persecución en el mercado...– que agraden a la generación más joven, acostumbrada a subirse a la montaña rusa cada vez que paga una entrada de cine. En cuanto a la animación 3D, los creativos de WETA Digital humanizan con tal eficacia a los personajes, que por momentos uno olvida que es animación. En otras películas que recurren a la técnica de captura de movimientos se advierte esa frontera que distancia a las animaciones realistas de los humanos de carne y hueso, como pasó en Beowulf. Pero aquí la naturalidad de los personajes que vemos en pantalla e impresionante.

El guión de Steven Moffat, Edgar Wright (el director de Shaun of the Dead y Scott Pilgrim contra el mundo) y Joe Cornish condensa tres de las aventuras más inolvidables del famoso personaje: El cangrejo de las pinzas de oro, El secreto del Unicornio y El tesoro de Rackham el Rojo y mantienen la atmósfera y la esencia del cine de aventuras más entrañable, pero acercándolo a la generación actual, que no está acostumbrada a este tipo de narrativa. Otro de los elementos que transmite el espíritu aventurero del periodista es la música de John Williams, que sorprende una vez más con una banda sonora que otorga ese ritmo trepidante a las aventuras de Tintín, pasando desapercibida durante la búsqueda de pistas y volviéndose un elemento fundamental en momentos de mayor tensión como los enfrentamientos climáticos. Williams consigue encontrar temas emblemáticos y usarlos con presteza.

Ciertamente habrá versiones dobladas, como ocurre con el cine “familiar” que se estrena en México, pero a los fans de hueso colorado y a los interesados en el cine de aventuras, les recomiendo verla en inglés con subtítulos. Vale la pena disfrutar de los acentos de Jamie Bell (como TinTin), Andy Serkins (el enorme Capitán Haddock), Daniel Craig (el malévolo Sakharine) y Nick Frost y Simon Pegg (los detectives Thompson y Thomson). No es exagerado decir que el mismísimo Hergé estaría orgulloso de esta película. Y los admiradores de la serie, tanto los ocasionales como los acérrimos, quedarán satisfechos, además del público general y multitudes totalmente ajenas al personaje, que ahora será aún más célebre globalmente. Tintín volverá con más películas, eso seguro. Y con un poco de suerte, serán parecidas a ésta.

Las aventuras de Tintin / Tintin and the secret of the Unicorn
Con Jamie Bell, Andy Serkis, Nick Frost, Simon Pegg y Daniel Craig
Dirige: Steven Spielberg
Estados Unidos, Bélgica, Nueva Zelanda 2011

Contagio / Contagion, de Steven Soderbergh

2011-10-27T11:41:00.010-05:00

Ahí viene la plaga

Miguel Cane

En un bar del aeropuerto O'Hare de Chicago, una mujer (Gwyneth Paltrow) habla por teléfono con un hombre con el que tuvo un encuentro romántico, pocos minutos antes de tomar el vuelo que la llevará a casa, en Minneapolis. Se llama Beth Emhoff y es ejecutiva de relaciones públicas de una compañía transnacional. Viene de Hong Kong, donde estuvo por negocios. La vemos llegar a casa, besar a su marido, Mitch (Matt Damon), y a su hijo pequeño. Cuarenta y ocho horas más tarde, yace en una camilla de hospital, convulsionándose, con una fiebre elevada y muere, aterrorizada. Este es solo el principio: sin imaginarlo, ha contagiado a otras personas que, en Kowloon, Tokyo y Londres, están esparciendo el virus a una velocidad inusitada.

Así es como empieza la más reciente cinta de Soderbergh, un thriller sólido e inquietante, con elenco multiestelar, en la tradición de aquellos filmes de desastre que produjera Irwin Allen en los 70 – técnica muy útil, ya que al tratarse de varias tramas las que giran en torno a un evento como hilo conductor (en este caso, la epidemia) no hay mucho tiempo para exponer la historia de cada personaje y las caras conocidas ayudan al espectador a seguir mejor la narrativa – que, a la manera de Tráfico (que podría decirse es una cinta hermanada con ésta) no tiene un protagonista: todas las historias importan; la del viudo Emhoff, que extrañamente se sorprende inmune al virus y es testigo de la caída en caos de la civilización, la de Erin Mears, valiente médico del CDC (Kate Winslet) que sigue su investigación aún en contra de la burocracia imperante en Estados Unidos, la de su jefe (Laurence Fishburne), como escudo humano ante el pánico inminente, la del cínico blogger (Jude Law) que se dedica a cultivar ese pánico en propio beneficio, la de la modesta epidemióloga (Jennifer Ehle) que entra en una carrera contra el tiempo para buscar una cura. Acaso la menos interesante sea la de Marion Cotillard como una agente de la OMS que se convierte en una pieza importante en el desarrollo de la trama en Asia – aún así, su subtrama no está desprovista de interés.

Soderbergh y Scott Burns construyen una estructura estremecedora y ágil. A la cinta no le sobra metraje y los cambios que hay entre situaciones, marcados por la paleta de colores y el uso de distintos tipos de cámara, funcionan para dar una inmediatez casi documental a la cinta, que sin ningún problema puede calificarse como una historia de terror, solo que son zombis, vampiros, brujas u otros seres imaginarios: aquí el terror es esa angustia cotidiana que se sale de control y todo lo permea. Ahora bien, no faltará quien acuse a Soderbergh de perder el ritmo (en realidad, lo contiene y controla) o de que hay mensajes moralinos y “facilones” encajados en la trama ('El adulterio mata', etc.) pero eso está sujeto a lecturas muy subjetivas: objetivamente hablando, esta fábula es tratada con seriedad y sin histeria.

El resultado es fascinante no sólo en el aspecto técnico sino también actoral – de hecho, pese al impresionante reparto, quienes se la llevan de calle son Laurence Fishburne y la formidable Jennifer Ehle, de quien ya se habla como una fuerte candidata al Oscar como mejor actriz de soporte [recordemos que Benicio del Toro obtuvo el suyo como mejor actor de soporte hace una década, precisamente por Traffic] y que sin duda lo amerita: su interpretación es emocionante sin caer en el melodrama, valerosa y modesta.

Soderbergh es un director dotado para hacer este estilo de cintas, muy Altamaniano, y no le falla el ojo, ni en la selección de actores, ni en la manera de contar su historia. Se trata de un filme adulto, inteligente, bien documentado. Quizá no cumpla la promesa que grita el marketing, ofreciéndola como una pesadilla espeluznante – que lo es, pero no lo que la gente espera habitualmente de un estreno comercial – y esto hará que algunos se sientan estafados o “aburridos”. Esto, naturalmente, no es culpa del filme, que se sostiene muy bien como una mirada impasible a nuestros horrores, que no nos exonera.

Contagio/Contagion
Con: Matt Damon, Jude Law, Gwyneth Paltrow, Kate Winslet, Laurence Fishburne, Marion Cotillard, Bryan Cranston y Jennifer Ehle.
Dirige: Steven Soderbergh
Estados Unidos 2011

Descubriendo a Jennifer Ehle

2011-10-18T18:54:00.014-05:00

Aunque es una “cara nueva”, el gran hallazgo en Contagio, impactante nuevo filme de Steven Soderbergh, no es ninguna improvisada.

Miguel Cane

Puede ser que a muchos habituales del cine comercial el nombre de esta actriz – cuyo apellido se pronuncia “Íli” y no “´Él”, señala, divertida – no les resulte familiar, pero para los devotos del circuito de cine de arte y del teatro, sí que tiene peso. No por nada; esta distinguida anglo-estadounidense (Carolina del Norte, 1969) es hija de una reconocida actriz de Broadway – la inglesa Rosemary Harris – y el célebre novelista estadounidense John Ehle, e hizo su debut en escenarios a los pocos meses de nacida, en una temporada de Un tranvía llamado deseo, en la que su madre interpretara a Blanche DuBois. Desde entonces, Jennifer ha trabajado incansablemente. Es recordada por muchos como una excepcional Elizabeth Bennet en la adaptación hecha en seis capítulos de Orgullo y Prejuicio, la novela de Jane Austen, en 1995. Ahí compartió créditos con Colin Firth (en lo que muchos han calificado como la versión definitiva de Mr. Darcy) y tuvo su primer roce con la celebridad; casada con el escritor Michael Ryan desde 2001,vive en Nueva York y es madre de dos hijos pequeños, lo que ha limitado sus apariciones en cine, mas no así en teatro, donde ha obtenido dos premios Tony (en 2000 y 2008) y ha trabajado con intérpretes de la talla de Kevin Spacey, Liev Schrieber (juntos fueron los Macbeth en una versión espectacular montada como parte del festival Shakespeare in the Park en 2007) y Angela Lansbury, lo mismo haciendo tragedia, comedia, que teatro musical -- “¡nada mal para una niña que solía cantar “Aquarius” con un disco de Hair!” se ríe – y cosechando un notable prestigio, que no se había trasladado del todo a la pantalla grande – aunque ha trabajado a las órdenes de Neil LaBute (Posesión, basada en la novela de A. S. Byatt), Itsván Szabó (Sunshine) y Tom Hooper, en la galardonada El discurso del rey – hasta ahora, que tiene el rol de la doctora Ally Hextall, uno de los personajes clave de la ecléctica y enorme cinta de Steven Soderbergh Contagio, que se estrenó en el pasado festival de Venecia y ha tenido éxito alrededor del mundo, pintando un mural escalofriante de lo que ocurre cuando un virus de desconocido origen mata casi 30 millones de personas en tres semanas, algo que no está muy lejos de la paranoia habitual en los medios y que fue uno de los temas que la atrajo al proyecto.

¿Por qué Contagio? Supongo que tu agente te hace llegar varias ofertas y tú eliges... ¿por qué esta?
No son tantas como creerías (se ríe). Conozco a Steven Soderbergh y he sido su admiradora desde hace años, cuando vi Sexo, Mentiras y Video. Yo tenía veinte años y pensé que tenía un estilo muy especial de hacer cine, que me gustaba. Un lenguaje más inmediato. Luego vi Traffic y me fascinó. Nos tratamos socialmente y un día le dije, “cuando tengas algo, estoy disponible” pero se lo dije como se lo dice un actor a un director con el que le gustaría trabajar y tiene la oportunidad de decírselo. Esto no quiere decir que vaya a ocurrir. Me envió el guión con una nota muy breve, me dijo que leyera y habláramos, que tenía algo en mente. Eso fue todo. Claro, me intrigó. Así que leí el guión. Pensé que me tomaría un par de días o así, pero llegó un momento en que no me podía levantar del sillón, tuve que pedirle a mi marido, “cariño, ¿te importaría llevar a los niños a cenar fuera?” y quedarme ahi. Fue fascinante. Todas estas historias que se van entrelazando, para mostrar esta pesadilla tan enorme en diversos puntos del planeta. Tantos personajes interesantes. Lo que más llamó mi atención es que no hay, como en Traffic, un protagonista. Todos los personajes tienen una historia que contar. Terminé de leer y estaba sin aliento. Es, definitivamente, uno de los diez mejores guiones que he leído. El lunes, recibí una llamada de Steven. No de su gente, sino de él directamente. “¿qué te pareció?” le dije que me parecia estupendo. Supuse que me querría para un papel pequeño: la mujer que contrae el virus en Macao y lo traslada a Chicago [el papel fue interpretado por Gwyneth Paltrow], o la esposa de alguno de los investigadores; soy realista, me ofrecen roles de esposa, de madre. Y está bien, puedo hacer esos, claro. Me dijo que no, que quería que fuera la epidemióloga del Centro de Control de Enfermedades de Atlanta, que descubre la vacuna tras experimentar consigo misma. Le dije que seguro estaría bromeando, y todo lo que me dijo fue “¿cuándo vas a estar disponible? Empezamos a rodar en dos meses.” No pude decirle que no.

¿En qué consistió tu preparación para el personaje?
Creo que aquí es muy importante decir que tanto Steven como Scott Burns, que escribió el guión, se aseguraron de que todos los aspectos científicos de la película fueran correctos. Que no hubiera ninguna falsa representación de los hechos. Creo que eso es lo que contribuye más al impacto de la película, ¿sabes? Porque lo que vemos en pantalla es prácticamente real, puede ocurrir. Eso es algo muy importante. Cuidaron todos los detalles y nosotros, los actores, teníamos que buscar la manera de sustentar ese plan. Concerté una cita con el doctor Ian Lipkin, que es epidemiólogo en la Universidad de Columbia. Tuvo la gentileza de recibirme en su oficina, y de ser, durante dos semanas, mi maestro en toda la terminología que mi personaje necesitaría manejar, así como en el uso del equipo de laboratorio, porque yo no tenía ni idea. Lo encontré fascinante. También hablé con Steven acerca de mi personaje; ¿quién es Ally Hextall? ¿De dónde viene? ¿Cuáles son sus pasiones, sus motivos para hacer lo que hace? La vi un poco como esos investigadores visionarios, como Jonas Salk, el creador de la vacuna contra la Poliomielitis. Ally es hija de médico, sabe que esto es lo que tiene qué hacer, por eso no sucumbe al pánico. Y lo que hace, es con una enorme empatía por la humanidad, no por un reconocimiento o un premio, un Nobel. Lo hace casi anónimamente – si por ella fuera, estoy segura, de que ni siquiera dejaría que se supiera su nombre – por el gran bien común.

Pero Ally se perfila como la heroína secreta de la película. Es un gran logro.
Sí, bueno, pues en parte por eso no creí que me fuera a ofrecer ese papel. Pensé que sería algo que le ofrecerían a Kate Winslet, por ejemplo. A alguien con un rostro más “familiar”. Además, no es una película con un solo protagonista. Hay un gran cuadro de actores. Matt Damon, Kate, Laurence Fishburne... creo que hasta las breves escenas de Gwyneth, que dan pie a la trama, son de gran calibre. Yo no sabía hasta ver la película completa, cómo iba a quedar y Jude Law me impresionó muchísimo. Es bueno que haya muchos rostros famosos, eso la hace más inmediata para el espectador, sobre todo, porque no hay tiempo de contar demasiado sobre los personajes, todo va sobre la acción, el virus que se extiende.

Ahora te empezamos a ver en muchas partes: aquí, en El discurso del rey, en Los idus de marzo, en una serie de TV... ¿cómo te sientes al respecto?
Yo sigo siendo la misma de siempre. Mucha gente piensa que por dedicarte a esto, salir en películas, eres una celebridad y nadas en dinero. Ojalá eso fuera cierto para todos. Habemos algunos que tenemos hipotecas y seguros médicos qué pagar, hijos que llevar a la escuela. Somos gente ordinaria, con un trabajo que es destacado a veces, pero que tiene muy poco de glamoroso. Si ahora me van a reconocer más, está bien. Me confunden mucho con Meryl Streep [el parecido entre ambas es sorprendente], así que estoy acostumbrada a que me paren en la calle para decirme que les encanté en El diablo viste de Prada (Risas). Supongo que será simpático que lo hagan por algo propio, para variar. (Más risas)

Tú eres muy selectiva, de cualquier forma, con tus proyectos.
Sí. Eso obedece no a otra cosa, mas que al hecho de que decidí tener una familia. Mis hijos son pequeños, así que procuro tomar proyectos que me permiten estar cerca de casa. Por eso no hice Juego de Tronos. Mi hija Talula tenía un año de edad y yo iba a tener que pasar meses rodando en Irlanda. El personaje que iba a realizar (Catelyn Stark, la matriarca de la serie) aparecía mucho. No quise estar tanto tiempo lejos de mi casa. Me apenó tener que dejar el proyecto, porque además tenía mucho éxito comercial asegurado, pero hay cosas con las que no transijo. Una, es mi familia. Van primero. Antes que el estrellato, que al final de cuentas, dura bastante poco.

¿Y tu verdadera pasión? ¿El teatro?
¡Ni duda cabe! Hacer cine es muy bonito y divertido y rápido. Pero nunca se compara con la adrenalina de cada noche en teatro: cada que se levanta el telón es como si fuera un estreno. Siempre, siempre, el teatro. Es un amor inexplicable, obsesivo. Solo los que se paran en un escenario podrán entenderlo. El espectador comparte y le damos lo mejor que podemos, pero como el furor que te provoca estar en escena ante ellos, creo que no hay nada comparable.

West Side Story / Amor sin barreras cumple 50 años

2011-10-18T18:53:00.011-05:00

Quiero vivir en América

El legendario musical de Broadway celebra sus bodas de oro con la pantalla gigante, tan vibrante como en su estreno

Miguel Cane

Romeo y Julieta, la arquetípica historia de amantes contrariados concebida por William Shakespeare en el siglo XVII, ha resultado ser la fuente de la que han brotado las más diversas historias de amor, siempre con la misma vertiente: cómo la fatalidad se atraviesa en el sendero pasional de una pareja joven e impulsiva, con catastróficos resultados. Como es natural, la trama la hemos visto muchas veces, aunque nunca ha sido de un modo tan sensacional como en su adaptación a uno de los musicales clásicos más aclamados en la historia del teatro, que celebra su 50 aniversario de haber sido llevado a la gran pantalla, convirtiéndose en filme legendario.

Por supuesto, estamos hablando de West Side Story - Amor sin barreras, concebida para los escenarios por la legendaria terna de Arthur Laurents, Stephen Sondheim y Leonard Bernstein, que es considerada una mítica joya de Broadway desde su estreno original, amén de contar con una extraordinaria versión cinematográfica realizada en 1961 por Robert Wise, que convirtió a la hoy extinta (y para siempre hermosa) Natalie Wood en figura icónica de su momento, al tiempo que redefinía totalmente el género, inaugurando una era de cintas musicales modernas y maravillosas que incluye filmes excepcionales como My Fair Lady, La novicia rebelde, Dulce Caridad o la mismísima Cabaret.

Fue en 1957 cuando surgió la idea de crear una versión musical y contemporánea, de la tragedia romántica por excelencia, adaptada a la Manhattan en ese entonces moderna (que, como todo el mundo sabe, hoy en día ya no existe mas que en documentos de la era, como son obras teatrales, novelas y películas), valiéndose del tema pungente en titulares – de ayer y hoy, algunas cosas no han cambiado – de la violencia urbana que crecía entre las juventudes locales. De este modo, en la hermosa película realizada en Panavision y a todo color, lo que fueran las aristocráticas y enfrentadas familias veronesas de Montescos y Capuletos pasaron a convertirse en las pandillas de los Jets y los Sharks en un encarnizado duelo por mantener el control de sus barrios en el lado oeste de Manhattan (en aquél entonces sede de familias de clase trabajadora, inmigrantes extranjeros y algunos bohemios, hoy convertida en refugio de millonetas y estrellas de cine), mientras que la pareja de enamorados separados por las circunstancias se transforma en la conformada por el noble y generoso Tony (Richard Beymer, a quien algunos recordarán como el sórdido y pervertido Benjamin Horne, en el adictivo y surrealista teledrama lynchiano Twin Peaks) y su bienamada María, la dulce y sensible costurerilla portorriqueña que sueña con el amor porque es lo más cerca que ha estado de él, hasta que conoce al joven repartidor de un delicatessen, que con ternura le abrirá el corazón y le cambiará la vida para siempre (una interpretación monumental de la Wood, que estaba recién salida del set de Esplendor en la hierba, donde el enormísimo Elia Kazan la hizo pasar por un colapso mental frente a la cámara como la noviecita despreciada y malquerida de ese dios efebo que era Warren Beatty).

Lograr una ambientación totalmente moderna para lo que podría haber sido un cliché, fue un triunfo que no pasaría inadvertido y que, aún hoy, sigue cautivando al público, tanto así como la espectacular y cuidada coreografía de Jerome Robbins (que compartiría, en la versión cinematográfica, crédito con Robert Wise como director), misma que crea auténticos cuadros caleidoscópicos de poesía en movimiento con cada uno de los actores en escena – incluyendo a George Chakiris como el obtuso Bernardo y la sensacional y vivaz Rita Moreno como Anita, en interpretaciones que ganaron Oscar – lo que provoca una descarga de adrenalina en el espectador.

Pero para lograr su hechizo insuperable, la obra no sólo se vale de esto, también se apoya en lo que en su momento fueron nuevos géneros y estilos musicales, que vinieron a romper todos los esquemas de las puestas en escena como ésta: así, Bernstein se vio versátil y lo mismo experimentó con el jazz, la música pop y los ritmos tropicales (después de todo, estos chicos vienen de la isla del encanto), sin dejar de lado el ‘crescendo’ orquestal; todo esto acompañado por un libreto que aborda una crítica social que no pierde vigencia: aunque sean alegres y vibrantes, las letras del incorregible y observador Sondheim con dulcísimo sarcasmo hablan sin eufemismos sobre el racismo y el clasismo (la maravillosa ‘I want to live in America’, con todo y su cadencioso movimiento), sobre la violencia que irrumpe en las calles, la falta de comunicación entre generaciones (‘Officer Krupke’), el coqueteo con las drogas ('Cool'), la desintegración de la familia tradicional, el alegre vandalismo, la insatisfacción y el deseo de ser algo más (la encantadora ‘I feel pretty’, que con sus letras de doble y hasta triple sentido se ha convertido en favorito de alegres vodeviles homosexuales) y, por supuesto, el amor en toda su sobrecogedora devoción, representado por temas memorables como son ‘Tonight’, ‘María’y la conmovedora ‘Somewhere’, que han trascendido convirtiéndose en parte del repertorio de algunos de los más aclamados cantantes de música popular en el mundo, como Frank Sinatra o Barbra Streisand, que las incorporaron a sus presentaciones en vivo desde hace muchos años (aunque hay que apuntar que ni Beymer ni Wood cantan: son doblados por Marni Nixon y Jimmy Bryant).

La película, que no parece haber envejecido al cumplir sus bodas de oro con el público, muestra cómo la tragedia y el amor conviven tomados de la mano, uno sin excluir al otro, en tres horas de deleite, de emoción, que alegran y estrujan al corazón, lo cual es la razón principal de existir del cinema, y este es un ejemplo de que un clásico no tiene porqué perderse en el olvido y que de hecho, vivirá por siempre, en todas sus manifestaciones.

Bajo la piel de Pedro Almodóvar

2011-10-14T13:33:00.027-05:00

Almodóvar da un nuevo giro a su filmografía y estrena La piel que habito, un thriller que sigue fiel a sus obsesiones y, al mismo tiempo, las desmantela.

Miguel Cane

La carrera de Pedro Almodóvar (Calatrava, 1949) ya suma tres décadas y a lo largo de ésta ha creado filmes que van de auténticas obras maestras como La Ley del Deseo, Todo sobre mi madre, Mujeres al borde de un ataque de nervios y Hable con ella, hasta indulgentes ejercicios en sordidez y provocación como La Mala Educación o Kika. Ahora, veintiún años después de haber rodado Átame, se reencuentra con Antonio Banderas, actor al que dio carrera internacional, que interpreta a un célebre cirujano plástico que experimenta con una paciente secuestrada (Elena Anaya), pero cuyas intenciones son mucho más retorcidas de lo que es aparente.

Esta tiene que ser su película más negra y siniestra, ¿por qué una historia así?
Hay que hacer lo que pide el corazón. El género negro ha dado grandísimas obras maestras y me apasiona en mi madurez; si tengo que pensar en el cine que he visto en los últimos meses predomina. He llegado ahí por vocación, como a todo en mi vida.

La piel que habito habla de nuevo del deseo, tema almodovariano por excelencia.
Es que el deseo, para bien o para mal, es uno de los motores más potentes de la naturaleza humana. Puede hacer que un individuo se convierta en un héroe o en un monstruo. En el caso del personaje de Antonio, su deseo es inconsciente. Es un psicópata que no concibe la idea del dolor. El deseo puede darte una fortaleza tremenda o convertirte en alguien vulnerable porque no quieres defenderte.

También hay homenajes al cinema de terror clásico. Polanski, Fanjul, Torneur, Hitchcock...
Naturalmente. Es uno de mis géneros favoritos, pero el que se hace ahora me disgusta. Es muy burdo, muy cerril. El cine de todos los que mencionas y otros, como Clouzot y Murnau y Tod Browning es el que me gusta más en el género. Más expresionista, más turbador. De hecho, estuve a punto de rodar la película en blanco y negro. Hay filmes realizados asi que abordan la angustia y el miedo sin trucos visuales, de forma lírica e inquietante en su atmósfera: The Innocents, Repulsión, ¿Qué fue de Baby Jane?, Los ojos sin cara, claro está... Eso me conmueve más que el gore a todo color con zombis o psycho-killers.

¿Qué tal la reunión con Banderas? ¿Habrá encore después de esta?
Antonio sigue siendo el mismo crio que era hace treinta años en el mejor de los aspectos. Sigue siendo la misma persona. Tiene, sin embargo, una madurez adquirida que se presta muy bien a lo que hace, y en la película aporta un aspecto nuevo de su interpretación, que me gustó mucho. Sí, tengo muchas ganas de que trabajemos de nuevo. Me lo ha pedido él y mis hermanos y mucha gente por la calle, así que voy a tener que hacerlo. Hay un tono que él hace muy bien, la comedia. Tengo cuatro guiones sin terminar, uno es una comedia. Es muy posible que sí, que lo hagamos.

¿En qué lugar de su carrera situaría esta película?
No lo tengo muy claro, ¿sabes? Cuando inicias un rodaje no piensas "voy a hacer una obra maestra", sino en problemas más concretos y prosaicos, que son muchos: producción, localizaciones, logistica, qué va a comer el equipo, si lloverá.. Lo que más me importa es si me reconozco dentro de una película, no sentirme ajeno a mi obra. Después ver si el resultado final se corresponde con algo tan abstracto como un guión. Mi vida al cien por cien está dedicada a esta profesión.

¿Qué es lo que más desea como realizador en este mundo tan volátil?
Esto es para lo que vivo, y de lo que vivo. Es una pasión que absorbe todo. Yo lo que quiero es enfrentarme a historias que me estimulen, como en este caso, la novela de Thierry Jacquot, que no me pude sacar de la cabeza por años y años, y en cierto modo, poder ser el motor de esas historias, sin tener imposiciones ajenas. Al cine del futuro lo que le pido es que no pierda la pasión de la que te hablo.

En sus filmes siempre hay referencias cultas: aquí son a Alice Munro, a Buika, a las esculturas de Louise Bourgeois... ¿Como lo hace compatible con esta época de Internet, de abierto desprecio a la cultura, con una industria cinematográfica supeditada al taquillazo nuestro de cada viernes en Hollywood?
Como creador tengo que adaptarme a las circunstancias impuestas, que están lejos de ser las ideales. Sobre todo para la cultura. Imagínate qué penosas perspectivas tiene un chico que quiere ser director de cine hoy día... La desensibilización que mencionas, es grave y la tenemos clara. No es que el Internet sea satán ni muco menos. Hay aspectos relacionados que son importantísimos para la vida diaria, la democracia y el desarrollo. Y otros muy negativos. Unos gamberros violan a una chica y cuelgan el vídeo en el Youtube. Eso es horrendo y debería prohibirse por ley. Pero tener acceso a Internet equivale a lo que veinte años atrás era la libertad de prensa. Yo, como director de cine, si hoy empezara, en vez de rodar con Super 8 como hice, tendría una cámara de iPhone y colgaría videos. No te puedes imaginar lo que significa para el que empieza que tus trabajos se vean sin pasar por un intermediario. Hasta ahora ha habido miedo para articular una ley contra la piratería. Hay que cuidar los medios digitales, porque las películas se promueven ahora de otro modo. Quiero pensar que habrá sentido común para regular esa situación, de momento, los autores estamos con el culo al aire. Legalmente, no se nos protege.

¿Y el papel que juega la cultura en su obra?
Efectivamente forma parte del guión y ayuda a los personajes, como a mí mismo me ayuda a vivir. Ya sea una canción, un libro, una coreografía de Pina Bausch o la obra de Louise Bourgeois. Pero no es necesario saber de qué se trata para poder disfrutar de la película, ¿me explico? El espectador desde el momento en el que paga una entrada y se sienta, ya es parte de la pelicula. Pero disfrutará más si tiene un marco referencial cultural más amplio. Aunque no es la regla. Soy realista. Sé que el público actual se interesa por otras cosas, que muy poco tienen qué ver con lo que me gusta a mi. Aunque, como en todo, hay excepciones y uno como creador debe liberarse de prejuicios. Toda vez que la cinta se exhibe, ya no es tuya. Es de quienes la ven en una sala.

¿Cómo ha cambiado la relación entre su vida y su obra, treinta años después, Pedro?
Mira, uno tiene una edad. Tú eres aún muy joven, pero no tanto como para no entender lo que te digo con esto, ¿verdad? Como dijo Martin Amis: “la vida de pronto te sucede” y es verdad. Te va cambiando y afecta al tipo de historias que cuentas. Las que hago ahora, más o menos desde Todo sobre mi madre, que fue hace cuanto... ¿diez años?

Doce, de hecho. 1999.
Anda vete, ya doce. ¿Ves a lo que me refiero? De ese tiempo a esta parte, es muy distinto todo, al tipo de cine que hacía en los ochenta, y que mucha gente espera que repita. Pero mis películas no se parecen en absoluto. Incluso cuando escribo otras cosas hasta el tono es diferente. Velo aquí. En esta película el tono es inquieto, lúgubre. No lo he decidido yo, solo intento ser lo más honesto que puedo y esta historia obedece a ciertas reglas. Hay una mayor introspección, mi vida la hago más dentro de mi casa que fuera. En los ochenta era una fiesta. Se puede decir que uno va madurando, si queremos verlo así.

La piel que habito, de Pedro Almodóvar

2011-10-14T13:33:00.024-05:00

Venganza estilo Almodóvar

Miguel Cane

En 2004, durante una rueda de prensa para promover Shrek 2 en México, Antonio Banderas atendió a preguntas de los reporteros. Alguien preguntó si habría una reunión con Pedro Almodóvar. El actor malagueño dijo que sí y explicó que Almodóvar estaba adaptando una novela francesa llamada Tarántula y acto seguido, procedió a relatar qué papel interpretaría y de paso, a revelar el estremecedor secreto de la trama concebida por Thierry Jacquot y que, evidentemente, fue lo que atrajo a Almodóvar a querer contar esta historia en primer lugar.

Así, al “espoilear” la película antes de que iniciara el rodaje, Banderas obligó – involuntariamente, hay que decirlo – a parar la pre-producción durante más de cuatro años (tiempo en el que Almodóvar realizó Volver y Los abrazos rotos), para que el director reescribiera el guíón. Así, aunque mantiene la demoledora anécdota central de la historia original, que es en sí la razón de existir del filme, no pudo evitar el regreso a sus obsesiones habituales para accesorizarla y transformarla en una cinta que “tuviera su sello personal”... lo que ha resultado en que La piel que habito (título final de la cinta) no sea tan impactante como pudo haber sido.

Banderas interpreta a Robert Ledgard, un exitoso, frío y elegante cirujano plástico (sí, Pedro, ya vimos que eres fans, así en plural, de Nip/Tuck. Se nota.) que ha realizado experimentos para crear una nueva dermis más resistente para los humanos. Esta subtrama, es en realidad lo que Hitchcock llamaba el “McGuffin”, está ahí para llamar nuestra atención y guiarnos por la historia, pero no está ahí para ser un elemento resuelto: lo verdaderamente interesante ocurre en la sofisticada mansión de Ledgard en las cercanías de Madrid: ahí, la enigmática y sensual Vera Cruz (Elena Anaya, quizá lo más brillante en la cinta, sustituyendo a Penélope Cruz) es una mezcla de conejillo de indias, Patty Hearst, y muñequita de lujo. Aunque en realidad, el secreto de Vera y los motivos de su estancia son algo aún más alucinante y aterrador: una venganza tan sofisticada, que es espeluznante. La centinela de este tesoro, al que alimenta sanamente y proporciona lecturas cultas (Alice Munro, por ejemplo) y material artístico (como libros sobre la escultura de Louise Bourgeois), es Marilia (una notable Marisa Paredes, que a la postre acaba desperdiciada), estoica y grave, unida a Ledgard por un secreto.

Por supuesto, la cosa se pondrá peliaguda y no voy a revelar más, pero hay tantos “excesitos” almodovarianos, que la cinta corre el riesgo de desbalagarse, sobre todo porque la intención declarada del autor es hacer un moody thriller al estilo de Georges Fanjul (obvios ecos a El rostro sin cara), Polanski, Fritz Lang o Jack Clayton. Cuando la cinta está en esa tesitura es como mejor funciona. Los problemas vienen cuando a Pedro se le sube la bilirrubina e insiste en hacerse autoreferencias (en este caso, a una de sus peores películas, Kika, repitiendo virtualmente cuadro por cuadro su secuencia más humillante), meter con calzador sus fetiches de telenovela (la maternidad abnegada, la sordidez cliché) y cuando el elenco se tambalea – la joven Blanca Suárez, que lleva un rol clave es pésima y afecta el resultado integral – o las subtramas se van de lado.

El resultado final es difícil: por un lado, esta es la cinta más arriesgada de Almodóvar, la más lúgubre y seria. Pero al mismo tiempo, se resiste a abandonar su zona de comfort – donde se anquilosó desde que hiciera la dupla monumental de Todo sobre mi madre y Hable con ella –, por lo que no acaba de dar el salto. Y es una pena, porque tenía una gran plataforma (la extraordinaria fabulita gótico-postmoderna sobre una venganza bizantina de Jacquot) y la deja desdibujada, por ir en pos de algo que ya tenía. Almodóvar ciertamente está madurando y le quedan muchas historias interesantes qué contar. La cosa es que se lo permita a sí mismo y se despoje de la peineta de una buena vez, para contar lo que tiene que contar. Sin poses.

La piel que habito
Con Antonio Banderas, Elena Anaya, Jan Cornet, Blanca Suárez, Roberto Álamo y Marisa Paredes.
Dirige: Pedro Almodóvar
España/Francia 2011

Arbol de la vida, El / The Tree of Life, de Terrence Malick

2011-10-08T20:55:00.039-05:00

El mundo en imágenes

Miguel Cane

Para hablar del que es el quinto largometraje en cuarenta años de carrera de Terrence Malick, hay que advertir algo al espectador: no espere nada de él. No trate de entenderlo. Sólo déjese llevar.

Esto es dicho únicamente para evitar el disgusto de gente que, atraída por el reparto, no se diga engañada al entrar en la sala, sólo para abandonarla con airados gritos de “¡pero qué es esto!” o “¿Cómo pudo Brad Pitt hacer esto?” -- sepan desde ahora que esta cinta no es una película de Brad Pitt. Que no es, pese a tener elementos de ello, una saga familiar o un melodrama. Que no hay secuencias de vertiginosa acción o sofisticadas escenas de sexo; esto es para que no se clame estafa ni mentira. Es como presentarse ante una obra de arte como el tríptico de El Jardín de las Delicias, de El Bosco, o el Guernica, de Picasso. Se trata de algo impresionante, que afecta los sentidos y las emociones en una reacción básica, es decir, habrá quien la ame y quien la odie, pero – como sucede habitualmente con el trabajo de Malick – no habrá muchos espectadores que se declaren indiferentes.

A partir de una serie de imágenes abstractas que podrían significar el nacimiento de la galaxia, nos asomamos a momentos fragmentados en la vida de una familia, los O'Brien, que viven en Texas. Al principio los encontramos en algún momento a fines de los 60, cuando la madre (Jessica Chastain, que mantiene un aire renacentista todo el tiempo) recibe un telegrama que la informa de algo trágico; su marido, un viajante (Brad Pitt, adecuadamente desglamorizado y muy sincero) se entera por teléfono. Después comprenderemos que esta noticia era la muerte de su segundo hijo, ostensiblemente en la guerra de Vietnam.

En paralelo observamos escenas de la vida en el periodo Cretácico, y el amanecer deprimido de Jack O'Brien (Sean Penn, que peca de intenso, quizá para imprimir dramatismo casi mímico en compensación a sus escasos diálogos) que junto a su compañera (una fugaz aparición de la hermosa – y hasta ahora semiretirada – Joanna Going) encara la monotonía de su vida en la gran ciudad y la nostalgia por su niñez, que es expuesta vía flashbacks, narrándonos cómo su padre (Pitt) trataba de conectar con sus hijos, mientras la madre fungía como colega y hada protectora.

Casi onírica, la película no sigue los entresijos de una trama convencional y pasa de cualquier noción del ritmo; la hermosa cinefotografía de Emmanuel Lubezki se presta como una paleta sutil de claroscuros y colores para mostrar el mundo imaginado obsesivamente por el cineasta. Experiencia mística, sueño, revelación, usted decide.

Siguiendo la pauta de Bergman en El Séptimo Sello y más claramente en su famoso “anti-filme” Persona, Malick muestra su trabajo más personal, más intimista, pese a su impactante y monumental talla. No existe una manera – ni hace falta – de explicar esta cinta. Puede ser indigesta, puede ser conmovedora, puede ser aborrecible, o inolvidable. Cada espectador tendrá que decidir. Lo cierto es que se trata de un trabajo único, de relevancia. Si ésta resiste el paso del tiempo, será otra historia.

El árbol de la vida/The Tree of Life
Con Brad Pitt, Sean Penn, Jessica Chastain y Joanna Going.
Dirige: Terrence Malick
Estados Unidos/Francia 2011

Gótico de California: American Horror Story (TV)

2011-10-08T20:54:00.021-05:00

Los creadores de Nip/Tuck y Glee regresan con una serie de TV polémica, extraña y escalofriante, que no dejará a ningún espectador indiferente.

Miguel Cane

Sol californiano, mansiones sombrías, seres extraños que cambian de forma a voluntad, extrañas pinturas obscenas, criaturas de desconocido origen, violencia secreta, sexo anormal... todo esto y más son los elementos que conforman la nueva serie dramática de TV creada por Ryan Murphy – el mismo responsable de series como Popular, Nip/Tuck y la exitosísima Glee – que tras su estreno en Estados Unidos ha suscitado controversia y ya tiene fecha de estreno en América Latina (7 de Noviembre).

Murphy, extravagante y en algunos aspectos, visionario, ha demostrado que de su mente pueden salir cosas muy sui géneris (véanse las seis temporadas de Nip/Tuck, que amalgamaba lo mismo elementos del melodrama médico que la telenovela más sórdida, con personajes amorales y procedimientos quirúrgicos estrafalarios, con notable éxito), por lo que las expectativas de este proyecto, desde su anuncio en la primavera pasada, eran muy altas.

Tal y como se ve en el programa piloto, transmitido el 5 de octubre en la cadena FX y anunciado para estrenarse en Brasil, México y Argentina a partir del 7 de noviembre como compañía de la segunda temporada de The Walking Dead, American Horror Story retrata la historia del matrimonio conformado por Ben y Vivien Harmon (Dylan McDermott, de The Practice y Connie Britton, la ganadora de un Emmy por Friday Night Lights) quienes se mudan de Boston a un barrio acomodado en la zona de Beverly Hills, con su rebelde hija de trece años, Violet (Taissa Farmiga), en un intento desesperado por dejar atrás ciertos sucesos sombríos del pasado reciente, que se revelan gradualmente: una infidelidad, un traumático aborto, crisis emocionales. Su nueva residencia es una mansión restaurada que, como es natural, oculta secretos oscuros, al igual que su enigmática pero muy elegante vecina de al lado, Constance (la dos veces ganadora del Oscar Jessica Lange), el ama de llaves que “viene” con la casa, Moira O’Hara (encarnada alternativamente por Frances Conroy, la madre de los hermanitos Fischer en Six Feet Under y Alexandra Breckenridge, de Life Unexpected), y Larry, un ex inquilino de la casa, cuya apariencia es impactante y que tiene algo inquietante qué contar sobre el pasado de la casa (Denis O’Hare, que recordarán de True Blood). Para el capítulo dos, se contará con la participación de Zachary Quinto (que causó furor como el villanazo de Heroes, y como el nuevo Mr. Spock en la saga Star Trek) como el dueño anterior de la casa, que es, naturalmente, un alma en pena.

Con la idea de que es posible lanzar series de TV alrededor del mundo dándoles un tratamiento de película taquillera, 20th Century Fox Television ha apostado por American Horror Story como el próximo éxito global que los televidentes y plataformas de TV de pago esperaban. A lo largo del verano, en Internet comenzaron a circular una serie de videos virales que ostensiblemente representan “pistas” sobre la serie, aunque en realidad no muestran ni fragmentos de la idea, del argumento o de los personajes. Con apenas 10 segundos de escenas, alcanza para mostrar el tono escalofriante y la atmósfera gótica que tendrá la serie: una mano toca el cello sobre el vientre de una mujer, con un arco que podría ser una navaja; hay una muñeca antigua; una imagen negra, similar a una sombra que cobra vida; gritos, miradas... elementos intrigantes que logran captar la atención lo suficiente como para hacer que el espectador se acerque.

La serie ha sido presentada como un thriller psico sexual ("adictiva, terrorífica, sexy", dice la publicidad), y aunque el género del misterio y el terror sobrenatural no es ajeno a la pequeña pantalla – en 1966 debutó la telenovela vespertina Dark Shadows, que aún hoy tiene seguimiento de culto y está siendo convertida en filme por Johnny Depp y Tim Burton--, y en 1990 David Lynch elevó la soap opera a niveles escalofriantes de perturbación con la memorable Twin Peaks. Otras series como Los Expedientes Secretos X, Fringe y la bastante malita Supernatural se han acercado bastante a lo que es muy dificil lograr: atmósfera – The Walking Dead es distinto por su característica post-apocalíptica -- ¿Podrá American Horror Story convertirse en un nuevo gran fenómeno?

La respuesta parece elusiva; el piloto ofrece muchas posibilidades e incorpora muchos elementos a la trama, que pueden servir para atrapar al espectador... pero también podrían abrumarlo, o distraerlo.

Partiendo de un “prólogo” ambientado en 1978, Murphy – que escribe el guión con Brad Falchuk, co-creador de Glee y dirige --, nos mete en la historia con un par de gemelos que entran en la casa, en ese momento abandonada, con el propósito de vandalizarla, sin imaginar la horripilante sorpresa que van a encontrarse en el sótano. Las escenas inquietantes no tardan en sucederse, desde la llegada del ama de llaves de la casa, con su doble vertiente (siempre un placer tener de vuelta a Frances Conroy), hasta la aparición de la misteriosa vecina y su inquietante hija, Adeline, (la cual no para de repetir que todos morirán allí), pasando por el anterior inquilino quemado, Larry.

Como centro de la trama, Ben, el protagonista, parece débil y fácilmente manipulable en comparación con su cónyuge, que, en la interpretación a cargo de Connie Britton se come la pantalla y resulta el personaje más cercano de la serie, con ula inseguridad y los miedos que arrastra tras su aborto y la posterior infidelidad. A lo largo del capítulo la vemos estar al centro de situaciones extrañas, incluyendo una posible violación a cargo de un ente sobrenatural (ecos de El Bebé de Rosemary, que se suman a alusiones y referencias muy obvias a El Resplandor, Horror en Amityville, Carrie y otras más), lo cuál por supuesto, es tela suficiente para cortar toda la temporada. La trama de Violet, la hija también promete también cosas interesantes, ya que tiene todas las trazas de estar todavía más outsider de lo habitual, más aún después de su manera tan eficaz de lidiar con la bully de la escuela. Además no tiene una relación muy sana con su padre, no así con la madre, siendo ambas el único bastión de realidad en la casa. Por otra parte, la que se roba cada una de sus escenas, es Jessica Lange, quien está regia en ésta, su primera serie de TV, como una belleza sureña con varios siniestros secretos; las mejores líneas de diálogo del piloto las intercambia con Britton y con Conroy, incluyendo la críptica línea “no me hagas que te mate de nuevo”, algo que intima cosas interesantes por venir.

El piloto cumple su misión: pica la curiosidad, y si bien es muy posible que el formato miniserie podría beneficiarle más, al fin y al cabo el misterio (sea cual sea la explicación de lo que en esa casa sucede) no puede estirarse como un chicle aunque vaya relacionándose con los miedos de los protagonistas (ya lo vimos con Lost, The Killing y con Twin Peaks. Sea como fuere, la serie plantea un relato subversivo y de horror moderno, en una propuesta de 13 episodios de una hora, que, si salen como lo planean sus creadores, podría ser una de las grandes sorpresas de la temporada 2011-2012.

José y Pilar, de Miguel Gonçalves Mendes

2011-10-02T16:56:00.009-05:00

Historia de un amor

Miguel Cane

La película documental José y Pilar, de Miguel Gonçalves Mendes, producida por Pedro Almodóvar, se abre y se cierra con la misma imagen. Comienza con la voz inconfundible del premio Nobel portugués y hay una frase que permanece en la memoria: “(…) Como comunidad, la especie humana es un desastre”. Sin embargo, y pese a lo lapidaria de la frase, se entona sin amargura. Eso es algo que brilla por su ausencia en el largometraje de 128 minutos – que se pasan con gran agilidad, dejándonos con ganas de que se alargue, aunque sea un poco más --, que muestra una mirada íntima a la vida cotidiana de José de Sousa Saramago (1922-2010), y su esposa, la periodista española Pilar del Rio, nacida en 1950, con la que se casó en 1987 y que se ocupó, desde que se conocieron, de ser la traductora al español de su obra, de acompañarlo a todo lugar, ser su compañera, su complemento en todo sentido.

El filme retrata fielmente los últimos 4 años de vida de Saramago y nos traslada desde su hogar en Lanzarote – donde se establecieron en 1993 -- a diversas locaciones alrededor del globo, mostrándonos cómo se desenvolvía, lo mismo en multiudinarias firmas de libros que en la tranquilidad de un hogar sólido. El paisaje de Lanzarote se convierte en uno de los protagonistas y en este marco, asistimos al proceso creativo de su penúltimo libro El viaje del elefante (el último que escribió fue Caín) y este atisbo nos permite conocer de cerca el peculiar sentido del humor, irónico y mordaz del autor, quien, consciente de que le quedaba poco tiempo de vida, se permitía reflexionar sobre la muerte, sobre la vida y sobre su amor por Pilar que como él afirma en la cinta: “(…) Tardó tanto en llegar”. Su diálogo con la cámara es agudo y fluido, siempre ingenioso. Naturalmente, el foco de sus afectos y el personaje más invocado es la misma Pilar, a quien al final de cada evento, en el que el Saramago irradia carisma, pide que lo saque de allí. Ella, directa, generosa, inteligente y resuelta, conforma con él una mancuerna perfecta.

Gonçalves los sigue sin ser intrusivo: escucha, observa y nos hace partícipes del trabajo del autor, de las conversaciones que sostiene con su mujer, de la vida misma. Pero lo hace sin que se sienta ni posado, ni aburrido: su técnica es sencilla. Los capta y deja correr la cinta, a veces interviene, se interesa, nos guía por algún sendero, pero siempre todo vuelve a estos dos personajes cuya historia de amor trasciende al medio y nos toca de una manera muy emotiva. Por supuesto, conocer de antemano el desenlace de la historia, hace que el sabor de ésta sea agridulce y que sea inevitable la ominosa sensación de magia y pérdida, aunque en ningún momento se deja ir por los terrenos de la sensiblería chafa. Estos son seres humanos, captados por una lente que los presenta sin pretensiones, de manera entrañable y el documental funciona de un modo preciso, sin cortapisas ni medias verdades. Saramago deja su huella con la palabra y con sus gestos y hacia el final, el espectador no puede evitar compartir la tristeza de Pilar y admirar su entereza mientras enfrenta el camino de su vida, ahora sola. La cinta portuguesa es una experiencia vivencial y a cada espectador lo afectará de diferente manera, aunque una cosa es cierta: nadie que la vea quedará indiferente ante ella.

José y Pilar
Con José Saramago y Pilar del Río
Dirige: Miguel Gonçalves Mendes
Portugal - España 2011

Christina Ricci toma vuelo

2011-10-02T16:55:00.012-05:00

Tras una notable carrera en cine, esta joven luminaria vuelve sus ojos a la pequeña pantalla, protagonizando una de las series más anticipadas del año.

Miguel Cane

Comenzó su carrera siendo una niñita y es una sorpresa que haya sobrevivido tantos años en ella, considerando que casi todos sus contemporáneos se fueron quedando (algunos frustrados, otros no) en el camino. Pero Christina Ricci (Santa Monica, 1980) ha logrado mantenerse a flote, alternando roles protagónicos con actuaciones especiales y de carácter en numerosos filmes desde su debut, al lado de Cher y Winona Ryder en Mi madre es una sirena. Así, hizo la transición de niña – fue una memorable Merlina Addams en las dos cintas sobre los personajes que dirigió Barry Sonnenfeld, en 1991 y 1993 – a adolescente (a las órdenes de Ang Lee en la impactante The Ice Storm) y a roles de adulta en una plétora de filmes independientes y de estudio, incluyendo trabajo con cineastas como Tim Burton y el mismisimo Woody Allen.

Ally MacBeal y Grey's Anatomy --, como una de las protagonistas de la esperada serie Pan Am, un melodrama ambientado a principios de los años 60, y ostensiblemente inspirado en la hoy extinta compañía aérea estadounidense que en su época representaba lujo y glamour de los vuelos trasatlánticos: en 1963, los pilotos eran como estrellas de rock y las azafatas, las mujeres más envidiadas. Considerada una mezcla de Mad Men, Hotel y con elementos de espionaje, la serie congregó a doce millones de espectadores frente al televisor en el primer día de su reciente estreno en EEUU y se perfila como uno de los grandes éxitos de la presente temporada.

Protagonizar una serie de televisión es un compromiso muy grande para un actor, exige mucho tiempo, más que un rodaje. ¿Qué te convenció de aceptar el ofrecimiento?
Cuando estuve en Grey's, pensé que me gustaría intentarlo. Llevaba algo de tiempo buscando el proyecto idóneo para protagonizar una serie. Por eso, cuando apareció Pan Am, me gustó mucho el concepto, los personajes y, sobre todo, que recreara los años sesenta. Es una época que ejerce una particular fascinación para mí.

El concepto de la serie ha despertado el interés de público y crítica internacionales, ¿qué tal el rodaje?
Todos los miembros del elenco nos llevamos muy bien. Estamos muy unidos y Thomas Schlamme, el director, que antes trabajó en The West Wing, es un gran director, te da mucha confianza. Cuando formas parte de una serie tan intensa, con tantas horas de trabajo, no hay tiempo de esconderte o descansar. La atmósfera es única y, para mi sorpresa, me he hecho muy amiga de mis compañeras. Aquí no hay conflictos de ego, todas estamos en el mismo barco. O, en este caso, en el mismo avión (risas).

Siempre has sido gran aficionada a la ropa vintage. El vestuario... ¿es un sueño hecho realidad?
¡Pero desde luego! Es más, Pan Am es el trabajo perfecto. No solo porque me fascine la historia y el equipo de trabajo, sino por todo lo que representa ese periodo. Siempre me han gustado mucho los sesenta; empezando por el vestuario y terminando con la forma de hablar y de moverse de las protagonistas. ¡Algunas prendas con las que aparezco en pantalla son mías! ¡Y muchas se las copio a mi personaje! Nuestra diseñadora de vestuario, Anne Crabtree y yo estamos en perfecta sintonía, sabemos muy bien qué es lo que más le conviene a Maggie, y no solo a Maggie, mi personaje, si no también a otros, como Laura y Kate, las otras sobrecargos (Margot Robbie y Kelli Garner), así que estamos muy compenetradas, leyendo revistas de la época, copiando patrones, visitando todas las tiendas de ropa vintage que encontramos... ¡la verdad es que es muy divertido!

Doy por sentado que, como a tu personaje, te gusta viajar.
Me encanta volar. Desde muy pequeña me he subido perfectamente a los aviones y jamás he tenido una mala experiencia. Creo que soy una de las pocas personas que le gusta subirse a un avión y volar por horas. Además, cuando trabajo, me apasiona el poder viajar para rodar en locaciones en otro lugar... esa fue una de las razones para tomar este papel: Maggie viaja mucho y hemos rodado en algunas locaciones fuera de Estados Unidos, aunque no puedo revelar cuáles, porque comprometería la trama.

¿Qué es lo que puedes adelantarnos de Maggie, tu personaje?
Pues que Maggie es una chica diferente al resto de las chicas de su tiempo. Es muy independiente, ha tenido que luchar muy duro para llegar donde está, y no lo ha tenido fácil, porque no es “bonita” como las otras. Su trabajo implica estar lejos de su familia. Por ese motivo protege a quienes la rodean y no permite que nadie le arrebate su lugar. Es muy valiente.

¿Dirías que te pareces en algo a Maggie?
Sin duda alguna. Yo también tiendo a ser guerrera, peleo por todo aquello en lo que creo y eso es algo que me ha creado una reputación de ser difícil. Pero no es que sea difícil, solo digo lo que pienso y hago lo que creo que es correcto. Soy alguien que protege a sus amigos, a su familia. Si alguien está siendo injustamente tratado soy la primera en defenderlo.

Algunos medios norteamericanos han calificado a Pan Am de ser como Mad Men. ¿Qué opinas?
Pienso que lo único similar es la época en que se desarrolla, pero de ahí en fuera, son cosas muy distintas. Mad Men es una de mis series favoritas y es un halago que nos comparen con ellos, pero en nuestra serie las protagonistas son mujeres y las tramas giran en torno a otros aspectos de la sociedad; en esa serie, las historias que se cuentan son desde el punto de vista masculino, desde su experiencia. La nuestra muestra un grupo de mujeres que esta tomando el control de sus vidas, no son las típicas mujeres de la época. Me gusta eso: es el tiempo previo a la revolución sexual y al feminismo. Creo que resultará muy interesante, sobre todo para los públicos de cadena que no están acostumbrados a este tipo de historia.

Sin embargo, pese a tu compromiso con la serie, no piensas abandonar el cine.
Oh, no. Tengo contrato firmado por esta temporada y si se renueva la serie, se renovará. Es la mejor manera de hacerlo. Terminaremos de rodar la serie en invierno y tendré un periodo libre, que pienso aprovechar para hacer algo de cine. No sé aún qué será, pero seguro que seguiré haciendo cine, creo que los dos medios se pueden compaginar perfectamente y el público estará encantado con lo que tenemos que ofrecerle con esta serie.

Mis tardes con Margueritte / La tête en friche / My Afternoons with Margueritte, de Jean Becker

2011-09-26T13:48:00.030-05:00

Francisco Peña

A Guillermina de Lourdes, Rosario, y Elena Victoria Barroso Moguel, a quienes agradezco como hijo y sobrino todo su amor, conocimiento y alegría de vivir aunque las tres ya hayan partido.

La conocí por azar en el parque.
No ocupaba mucho, del tamaño de una paloma con sus plumitas.
Envuelta en palabras, en nombres como el mío.
Me dio un libro, otro, y las páginas se iluminaron.
No te mueras ahora, hay tiempo, espera.
No es la hora, florecilla.
Dame un poco más de ti.
Dame un poco más de tu vida.
Espera.

Hollywood le huye como a la peste a un tema: la Vejez. El cine abiertamente comercial, cuyo objetivo es obtener la mayor ganancia en taquilla en el menor tiempo posible, considera que la vejez y los adultos mayores son veneno puro cuando se convierten en el eje central de cualquier narración fílmica. Se trata de la vejez, no de la muerte, que como tema se ha transformado en diversión pública, con géneros cinematográficos especializados en exaltar –y vender- toda una “espectacular cultura de la Muerte”.

El ocultamiento de la vejez en el cine es sólo un ejemplo de cómo en la mayoría de las sociedades los adultos mayores son olvidados, esquivados o arrinconados por la academia, instituciones gubernamentales y privadas, funcionarios públicos, activistas, bancos, empresas, familias enteras de parientes. Parece que envejecer es lo peor que le puede pasar a una persona.

Por suerte no siempre es así. En el caso de algunas cinematografías nacionales -como espejo de sus sociedades- aún se producen cintas donde la persona adulta mayor es respetada: tiene un lugar apropiado en los procesos sociales, es productiva y, finalmente, es fuente esencial en la transmisión del conocimiento a las nuevas generaciones. Así ocurre todavía en las cinematografías europeas y asiáticas, con películas donde el adulto mayor es personaje central de la historia y no una figura secundaria o inexistente.

Mis tardes con Margueritte (Francia, 2010), del director y guionista Jean Becker, pertenece a esa estirpe fílmica que considera al cine como el Séptimo Arte, como vehículo digno de expresión humanista donde los adultos mayores son seres humanos plenos, e independientemente de cómo haya sido su vida son sujetos de amor, respeto y un lugar decoroso bajo el sol. Mis tardes con Margueritte no está sola en su enfoque de la vejez. Entre otras, la acompañan películas como Los años dorados (On golden pond, EU, 1981, Mark Rydell), Todos estamos bien (Siamo tutti bene, Italia, 1990, Giuseppe Tornatore), La lengua de las mariposas (España, 1999, José Luis Cuerda), El baño (The shower, China, 1999, Zhang Yang), Pauline y Paulette (Bélgica, 2001, Lieven Debrauwer), y parcialmente Begginers, así se siente el amor (EU, 2011, Mike Mills) entre otras más.

Mis tardes con Margueritte destaca entre ellas por la claridad con que aborda la vejez, por los matices clarobscuros de las dos mujeres adultas mayores de su argumento, y por la sencillez con que expone la personalidad de Margueritte a sus 95 años.

El punto de vista con que se mira el mundo de los adultos mayores es el de Germain Chazes (Gerard Depardieu). Es un “hombre joven” de 50 años, “hombre joven” en comparación a los 95 de Margueritte como ella misma le dice. Pero no es el único representante de su generación: también están algunos de sus amigos y Francine, la dueña del bar que todos frecuentan.

Esta generación de 50 años entreteje narrativamente todos los puntos de vista: el de la infancia, la adultez (de los 30, de los 50) y la vejez. Generación que, de golpe, toma conciencia del tiempo transcurrido, ya sin las compulsiones de la juventud (sexuales, de prestigio, de ascenso clasista, etc.). A partir de Germain, la generación de “adultos contemporáneos” (como los “etiquetan” los mercadólogos) hace un balance de su vida y descubre que tiene cosas que aprender de los adultos mayores, a cuya condición se acerca por el simple paso del tiempo. De esta forma, la infancia de Germain y las situaciones actuales lo preparan para abordar sus relaciones con los adultos mayores con un nuevo enfoque; es decir, replantearse las relaciones con su madre (de unos 70-73 años) y con Margueritte con lecciones de madurez (¡a sus 50 años!) para ser un mejor ser humano, y enfilarse a sus nuevas responsabilidades como pareja y como padre.

Para Germain (y los espectadores), las lecciones sobre el paso inexorable del tiempo se presentan de inmediato en el film: empiezan a pagarle menos por su trabajo; las bromas sobre su ignorancia, falta de sensibilidad y modales toscos se incrementan, y es testigo del deterioro emocional de la gente de su generación (Francine pierde a su amante por una mujer más joven; Landremont amenaza con suicidarse por soledad, ya que su esposa murió hace 3 años). Germain está a un paso de paralizarse emocionalmente por la indiferencia de su madre, por el desconocimiento de quién fue su padre, por una relación sentimental para la que se siente inadecuado. En ese momento, el azar lo pone frente a la frágil Margueritte… y su vida cambia.

Encuentra a Margueritte (Gisèle Casadesus) en un parque y la cadena de momentos cotidianos, sencillos y comunes se enlaza para producir un cambio cualitativo por acumulación en Germain. Esos momentos humanos son cada vez más escasos en el cine de Hollywood enfocado a explotar monetariamente a los adolescentes, su mercado histórico cautivo por excelencia. Germain y Margaritte entablan una conversación “superficial” sobre las 19 palomas del parque que para él, al ponerles nombre, son como su familia. Y en medio de la conversación se le cae un libro a Margueritte… y en medio del azar inicia la transmisión del conocimiento de una generación a otra.

La transmisión del conocimiento.
Un eje narrativo toral del film de Becker es la transmisión del conocimiento de la generación vieja a la generación joven.

Hasta el siglo XVIII, antes de la Revolución Industrial, dicha transmisión se hacía de boca a boca, de maestro a aprendiz, ya que apenas se iban implementando los sistemas educativos de un maestro con un número mayor de alumnos en clase para niños y jóvenes. Este proceso de aprendizaje está bellamente expuesto en La joven del arete de perla (Girl with a pearl earring, EU, 2003, Peter Webber) donde el pintor flamenco Johannes Vermeer enseña a su joven trabajadora del hogar, que tiene una habilidad innata para ser pintora, a ver los colores en la naturaleza, perspectiva, preparado de pinturas, hasta que ella se convierte en la modelo de uno de sus cuadros más famosos y queridos.

Este mismo proceso de transmisión del conocimiento se puede extrapolar a la relación Margueritte – Germain. En principio parece que se trata sólo de un conocimiento exclusivamente libresco, literario, de diccionario… que se amplía cuando Germain lo hace suyo y lo usa en su vida diaria con sus amigos. Pero el flujo de las palabras, metáforas e imágenes literarias contienen también un conocimiento que va más allá del dato duro. Las artes, en este caso la literatura en particular, también conllevan el conocimiento de la vida que tienen las y los autores. Entonces se transmite también un conocimiento emocional, sentimental, psicológico, existencial…

Margueritte comienza con la lectura de La peste, de Camus, y el potencial de Germain se despierta: su imaginación visual, su memoria auditiva. Al concatenar los significados de las palabras se transmite el sentido de la novela, de la poesía: la visión compartida de los autores culmina en la maduración de las y los lectores, que hacen suyas las vivencias narradas. Así, Margueritte le abre nuevos mundos a Germain: los mundos literarios de Albert Camus, Luis Sepúlveda, Jules Supervielle, A. J. Cronin…

La generosidad de Margueritte vence la resistencia de Germain creada por las burlas de un maestro y compañeros en su infancia, por la indiferencia y regaños de su madre, todo por una supuesta “torpeza” de carácter, inteligencia y trato social del chico Germain que lo acompaña en su madurez.

El “hombre joven” de 50 años atribuye sus defectos personales a su madre y sobre todo a la falta de padre, a la relación superficial de la que él nació: “Carezco de modelo. Tuve que descubrirlo todo solo”, le dice con amargura a su pareja sentimental Annette (la actriz Sophie Guillemin), mujer de 34 años, chofer de autobús, de quien ya escribiré después. Margueritte entiende este hecho en la vida de Germain, pero en lugar de darle un matiz amargo lo enfoca como algo positivo al decirle después en el film: “”Si alguien no recibe bastante amor de pequeño, le queda todo por descubrir”. Pero ya no es más el “tuve que” sino el “tienes todo por…”.

La clave en la transmisión del conocimiento Margueritte - Germain está en la ternura y delicadeza con que la adulta mayor se acerca al “hombre joven”. No pontifica, no se da aires de intelectual a pesar de ser una científica: ubica la relación en un plano de Igualdad Real donde Margueritte nunca está “por encima” de Germain. En ningún momento lo discrimina por ser iletrado o tosco o gordo o torpe socialmente; ella maneja la relación como seres humanos iguales que intercambian experiencias diversas, diferentes, pero mutuamente enriquecedoras… ya que Margueritte también recibe respeto y conocimiento. Germain le aporta su propio saber: la cosecha de verduras, de tomates, “la tierra negra con terrones”, de cómo son sus amigos y así le brinda compañía contra la soledad y el aislamiento.

El cambio interno en Germain se acelera. Su rechazo a los libros –y la intelectualidad- se requebraja aunque duda entre “leer o no leer, he ahí el dilema”. Mientras cultiva su huerto, le confía a su gato (si, a su gato, los animales son nuestros silenciosos interlocutores muchas veces): “Fíjate en la Margueritte. Cuarenta kilos, arrugada como una amapola. Con miles de estanterías en la cabeza, y en las estanterías, libros y más libros. Y ella comprende todo”.

De esta forma, el proceso de transmisión del conocimiento existencial se afianza y el mutuo intercambio enriquece a ambos. Surge así el amor entre los dos en su variante conocida como amistad, que explica a profundidad el final del film y los destinos de Margueritte y Germain.

La otra forma (difícil) de amar.
A esta altura de la película se da el momento en que Germain compara la relación de Margueritte con la que tiene con su madre Jacqueline. La segunda está teñida desde la infancia por la violencia familiar, donde Jackie tiene que defenderlo y defenderse de un amante seductor (la escena del collar rojo en su infancia) que resulta ser un macho violento pero cobarde (la escena del tridente). Jackie tiene la valentía de la madre soltera pero, por las circunstancias de su juventud y quizás de su propia infancia, no puede demostrarle a su hijo el amor que le tiene.

Germain es testigo, con tristeza e impotencia, que la gran diferencia entre Margueritte y Jacqueline es la claridad mental. Margueritte a sus 95 años tiene en perfectas condiciones sus facultades mentales; Jackie, su madre, a los 70-72 años ya da señales de senilidad mental.

Sin embargo, la humanidad de Margueritte y La promesa del alba de Supervielle le permitirán a Germain comprender que su madre si lo amaba, como descubre en la escena con el notario que le revela cómo Jackie logró que la casa donde vive sea realmente de Germain. Una parte importante de la vida de su madre, que él desconocía, estuvo dedicada completamente a él aunque no le dijera “te quiero”.

El laberinto de las palabras.
Dentro del proceso de transmisión del conocimiento ya planteado siempre hay momentos de riesgo, donde el intercambio puede fracasar si los personajes insisten en ser egocéntricos y no ceder una parte de sí mismos al Otro.

Margueritte, al ser mayor que Germain, lo tiene muy claro por su condición de adulta mayor: “La vejez estorba, sobre todo a los demás. Pero la edad tiene un privilegio, si uno se aburre sabe que no durará mucho”. Percibe que Germain puede regresar a la amargura generada por su infancia, a su vieja resistencia a las palabras porque el conocimiento provoca que uno se confronte a sí mismo. Lo sabe cuando le regala un diccionario aunque la nota es positiva: “Con un diccionario se viaja de palabra en palabra. Se acaba perdido en un laberinto. Uno se detiene, sueña…”.

…y Germain se pierde en el laberinto porque el diccionario no recoge todo lo que él sabe ni le explica todo lo que quiere, como le confiesa a su gato (si, de nuevo el gato es su locutor inteligente… y lo es).

Por eso Germain le reclama después a Margueritte la insuficiencia del diccionario, pero lo que enmascara el reclamo es el dolor del conocimiento de sí mismo y de los demás: “…es como dar anteojos a alguien miope. De pronto se ven todos los defectos, los agujeros, se ve uno mismo. Con usted he intentado aprender, pero duele. Estaba mejor antes… todo borroso, todo simple”.

Madeleine entiende el reclamo y lo acepta con humildad, sin aspavientos y está a punto de regresar el libro que iban a leer juntos a la estantería… pero momentos antes él descubrió QUIEN es Margueritte: doctora, científica que formó parte de la misión médica de la Organización Mundial de la Salud en el Congo (hoy Zaire) en los años 60. Y la magia de la lectura compartida no muere… vuelve a generarse.

Hoy por ti, mañana por mí.
En su novela 2010, el escritor de Ciencia Ficción Arthur C. Clarke definió la amistad como el intercambio de vulnerabilidades, como la confianza amorosa que permite a dos personas intercambiar información íntima que podría dañar o herir al amigo si se difunde. Y tenía razón… Eso es precisamente lo que hace Margueritte al término de una nueva lectura: le confía a Germain su tragedia personal, sin amargura, sin dramatismo, porque comprende que lo que le ocurrirá es parte del proceso de envejecimiento.

Margueritte: La verdad, me parece que no voy a poder seguir leyéndole mucho tiempo.
Germain: ¿Y por qué?
Margueritte: Porque ya no veo muy bien. Padezco una degeneración macular propia de la edad. Tengo manchas en el centro de los ojos y estas manchas aumentan. Me cuesta leer.
Germain: Por eso tiene una lupa.
Margueritte: Sí. Muy pronto, mi querido Germain desaparecerá entre sombras. Ya no podré contar las palomas.
Germain: ¿No se opera?
Margueritte: Mi vista se muere, no se opera a la muerte.

Es el punto donde se da la correspondencia, el reflujo, el cambio de la marea.

Hasta este momento, Germain ha sido el receptor del conocimiento (léase, por qué no, por primera vez “sabiduría”) de Margueritte. Después de la confesión de Germain sobre su dolor al conocerse a sí mismo y los demás, ella muestra el amor y la amistad que le tiene al confiarle la vulnerabilidad de su próxima ceguera total. Las dificultades que estuvieron a punto de derribar el puente que comunica su amistad amorosa se diluyen. Sus cimientos ahora son fuertes porque cualquier mutua ayuda está anclada en el cariño: “hoy por ti, mañana por mí” en la única manera en que puede funcionar. El circuito de la transmisión del conocimiento se ha invertido para el mutuo enriquecimiento de los personajes.

El amor en cascada: la importancia de Annette.
Es el momento en que el personaje de Annette interviene en la historia para multiplicar el amor en sus distintas variantes. Al principio no entiende la conducta de Germain y estalla en celos hasta que él confiesa la existencia de Margueritte (¡95 años!) a pesar de que él sabe que es una historia increíble… pero Annette le cree… y con su sensibilidad encuentra la solución para que siga la amistad de su pareja con Margueritte.

Germain: ¿Qué será de ella si pierde la vista? ¿Qué pasará con todos sus libros? ¿Con ella? La lectura es su vida.
Annette: LÉELE TÚ.

Annette prepara a conciencia a Germain. Ambos comienzan con un fragmento de Las estrellas miran hacia abajo, de A. J. Cronin. Lo guía para que pueda leer en voz alta, para darle ritmo y volumen. Lo acompaña y entre ambos comentan el libro y es ella ahora quien, con amor, le resuelve las dudas a Germain.

El punto es importante porque ASÍ es cómo Annette abre un espacio en su vida a Margueritte, con una acción real y concreta de igualdad más allá de leyes (justas o injustas) y palabras universitarias (con contenido o discurso hueco). Podría ser egoísta y reservarse para sí todo el tiempo de su pareja; pero, precisamente porque lo ama comprende la importancia que tiene para él esta persona adulta mayor. Toma la decisión de que en su vida cotidiana de pareja Margueritte tendrá un espacio digno y propio, y ACTÚA.

La importancia de Annette es incuestionable. Representa la aceptación de la continuidad del conocimiento humano por la vía femenina, de generación en generación (como lo plantea, por ejemplo, Doris Lessing en su novela La Grieta). Así, a través de Annette, en el film toma cuerpo la idea de la incorporación de los adultos mayores en el seno familiar, con espacio e importancia propios.

Pero también Annette y después Germain representan a los adultos de cada generación que toman sus propias decisiones. El film no está a favor de una gerontocracia, y esa idea no debe desprenderse de la lectura de este texto. Cada generación debe tomar de sus adultos mayores, del conocimiento existencial que ellos tienen, lo que crea conveniente, tal y como Annette y Germain lo hacen. Esta es la responsabilidad de cada generación, lo que toma y lo que deja.

De ahí que el actual paradigma social “Los viejos no sirven para nada” sea la peor posición posible de jóvenes y adultos, porque al condenar todo el conocimiento de los adultos mayores y en consecuencia a los adultos mayores mismos, no saben que se condenan a sí mismos a padecer las mismas condiciones de desempleo, soledad, aislamiento y vida cuando llegue su turno ineludible con el paso del tiempo.

Para subrayar esta idea clave de la historia, el film contrapone a Annette con la esposa del sobrino de Margueritte.

Margueritte a Germain: El asilo… “es muy caro. Mi sobrino me ayuda, pero ¿hasta cuándo? Su mujer no está de acuerdo”.

Por lo que se infiere de las imágenes y diálogos en pantalla, las dificultades económicas llevan a que la esposa no quiera “recortes” en su nivel de vida ni en la de sus hijos, pero que estos “recortes” si son perfectamente aceptables en el caso de la persona adulta mayor. No hay ningún espacio cedido y eso le enseña a sus hijos porque es la idea que empapa a su sociedad; que no le extrañe que sus hijos la “recorten” a ella de la economía familiar cuando le llegue el momento de ser adulta mayor.

Sin embargo, la nota que domina en Mis tardes con Margueritte es proactiva. En el film, Annette muestra que el ser humano si puede actuar positivamente bajo la premisa de “Haz algo hoy por quién serás mañana”. Al abrirle un espacio físico y emocional a Margueritte como adulta mayor, Annette incrementa sustancialmente las probabilidades de que sus hijos y nietos respeten y cuiden su espacio cuando, a su vez, le toque ser abuela. Eso les enseñará, eso es lo que recibirá: la retribución a su aceptación inicial, al efecto en cascada del amor y la amistad.

Margueritte, ¿abandonada o muerta en un rincón?
La historia que narra Mis tardes con Margueritte es aparentemente sencilla, pero su desenlace es significativo. Por las circunstancias que rodean a Margueritte y a Germain, los factores externos que los afectan, todo el planteamiento de la cinta lleva a una decisión final sobre el destino último de esta persona adulta mayor. ¿Quedará olvidada en el rincón de un asilo hacinado, con personal sobresaturado que proporciona servicios de baja calidad? ¿El amor amistoso entre los dos personajes será capaz de generar una solución satisfactoria para ambos?

Para saber el desenlace hay que ver la película; para hacer nuestro su mensaje final hay que estar muy atentos para escuchar el monólogo que cierra el film, con una voz en over fuera de cuadro.

Una historia bien contada.
La historia de Mis tardes con Margueritte no funcionaría para los espectadores si no estuviera filmada con habilidad por parte de Jean Becker. Por herencia familiar, por formación, Becker relaciona su film con la tradición cinematográfica llamada Realismo Poético Francés.

Al ubicar por completo la acción en locaciones ubicadas en el departamento de la Charente Maritime, de entrada se obtienen ambientaciones locales, cotidianas, desprendidas del sello “fílmico” de un estudio actual. Con este primer paso, el guión sólido del film se desarrolla con un “atmósfera” emparentada con las mejores obras campiranas de Jean Renoir y Marcel Carné.

El parentesco se acentúa con el trabajo cinematográfico de Arthur Cloquet, que con una fotografía adecuada capta esa famosa luz francesa de la campiña, y no tiene el menor escrúpulo en asemejarla a la tradición de Renoir. De hecho, el color está perfectamente balanceado para que esa “luz” –sobre todo exteriores, claro- recuerde precisamente esa tradición.

Si a esto añadimos que los personajes son “gente como uno”, se incrementan las posibilidades de que el sentido profundo de la cinta llegue a su público. Este objetivo se cumple en alto porcentaje por las actuaciones de Gerard Depardieu, Gisèle Casadesus y Sophie Guillemin, que subrayan el parentesco de los personajes con nuestras vidas diarias.

Germain es creíble porque Gerard Depardieu lo convierte en uno de sus mejores papeles dentro de su veta “contenida” para personajes cotidianos; la “exaltada” la emplea para personajes más épicos como en Vatel, Cyrano o El regreso de Martin Guerre. Aquí el rango de su actuación es pleno de matices, de pequeñas variantes para connotar estados de ánimo o de pensamiento. Se conduce como se puede comportar cualquier persona del público. En ese sentido, pone su actuación al servicio del personaje y de la trama y no, como en ciertas ocasiones, al servicio de la imagen pública de Depardieu mismo.

A Sophie Guillemin se le conoce sobre todo por su papel en Un amigo como Harry (2000, Dominik Moll). Ahora, a sus 34 años, entrega un buen trabajo actoral que hace verosímil a Annette ante los espectadores. A pesar de sus pocas apariciones en la historia, es esta actriz la que se encarga de uno de los puntos clave del film y su visionado: “Léele tú”. Gracias a Guillemin, el público de su edad (los 30) y género puede observar la actitud ética y generosa de su generación con los adultos mayores: abrirles espacios, participar en la transmisión del conocimiento en ambos sentidos y el respeto a su persona. De ahí que su trabajo, que se ve sencillo, sea en el fondo una labor de matices muy cuidadosa y profesional.

El caso de la actriz Gisèle Casadesus es el que más ha llamado la atención. Giséle tenía precisamente 95 años al momento de actuar en esta cinta; hoy tiene 97. La vitalidad y, al mismo tiempo, fragilidad de Margueritte son aportaciones directas de Casadesus al personaje. El impulso vital de seguir trabajando es un sello de “ambas”. Y así como Margueritte sigue adelante, Casadesus continúa trabajando en el cine francés: después de esta cinta colaboró en La llave de Sarah.

Si no se entiende que para las y los adultos mayores es esencial tener empleo, basta con conocer algo de la vida de esta actriz. Nacida en 1914, hace su primer film en 1934, a los 20 años. Desde entonces ha trabajado en el cine francés, con un intermedio forzado por la ocupación alemana de Francia durante la Segunda Guerra Mundial. Jean Becker, su director en esta cinta, tenía 1 año de edad (si, era un bebé) cuando Casadesus debutó en el cine.

En el caso contrario se ubican muchas estrellitas juveniles de hoy en Hollywood, que aún no se dan cuenta que no tendrán futuro al cumplir 35 años: serán cartuchos quemados, virtuales “adultas mayores” desempleadas para siempre en la industria cinematográfica hollywoodense a menos que se dejen transformar en “víctimas sexosas” de sierras eléctricas, hachas, puñales, varillas, cuchillos, sogas y demás parafernalia de las películas de horror/terror y su “espectacular cultura de la Muerte”.

En síntesis, el film de Becker se basa en la observación íntima de su cámara, en una fotografía sobria y en una dirección precisa. Todos estos elementos arropan esta cinta de corte clásico con sus características de ligereza, como si un aire fresco o una brisa ligera recorrieran la pantalla. Eso le permite al film exponer sin trabas su belleza, sus emociones y, claro, sus mensajes e ideas.

De salida.
Todo el film es una confrontación. Por una parte, el paradigma social que considera a “los viejos”, a “los rucos”, como despojos ya inútiles al proceso económico (lo que efectivamente acelera en muchos casos su muerte real); por la otra, una concepción novedosa que en realidad es antigua: los adultos mayores pueden ser productivos hasta el final de su vida, si se les reconoce y cuentan con una función positiva en la estructura social.

La concepción de que “los viejos” son inútiles aparece en el film como una atmósfera que rodea a los personajes, no toma cuerpo en uno de ellos. La edad es una preocupación que empapa a varios por las consecuencias del paso del tiempo: la senilidad de Jackie, la preocupación de Francine que pierde a su pareja ante una mujer más joven, los intentos de suicidio de Landremont. El paradigma negativo no tiene que tomar cuerpo porque ya habita en la manera de pensar de ciertos personajes. De ahí que el paradigma positivo de que los adultos mayores son productivos hasta el fin de sus días tiene que predominar primero en la cultura de una sociedad, para que las medidas legales e institucionales en contra de su discriminación puedan ser efectivas.

Por otro lado, este paradigma positivo es novedoso porque hoy utiliza los instrumentos de la lucha por la igualdad y la no discriminación en pro de los adultos mayores; es decir, lo novedoso es el cómo: leyes, políticas públicas, defensa de derechos inalienables del adulto mayor. Pero es antigua porque, en realidad, se trata de retomar un espacio que ya era suyo históricamente en muchas sociedades. La combinación de lo nuevo y lo antiguo debe generar algo distinto donde todos sean responsables de la situación: los adultos mayores de sí mismos en la medida de su capacidad física y mental, las familias en la medida de cómo tratan serán tratados por las siguientes generaciones, las instituciones por medio de la aplicación de la ley y con acciones positivas concretas.

En el caso de Mis tardes con Margueritte se conjuntan todos los elementos del paradigma positivo (pero hay que estar atentos al desenlace). Margueritte es responsable de sí misma en la medida de su capacidad física y sobre todo mental, es consciente de sus limitaciones –incluso legales, económicas-; la familia está representada por Germain y Annette, con sus propios problemas pero con decisiones bien cimentadas en su ética personal. Las instituciones son contrastantes porque el asilo privado es bueno (¡así cuesta!) mientras que el asilo de gobierno en Bélgica es más caótico y hacinado.

Pero sobre todas estas interrelaciones entre ideas, paradigmas, comportamientos y situaciones narrativas, este film expone una visión positiva de la vejez y el adulto mayor. No es un mensaje fílmico menor ni intrascendente, mucho menos aburrido. En el fondo se trata de nosotros mismos, de lo que hacemos con nuestro tiempo para construir la forma en que nos tratarán en el futuro. Si Mis tardes con Margueritte nos hace pensar en “lo que podemos hacer hoy por quiénes seremos mañana”, entonces dejaremos una herencia positiva a las nuevas generaciones; mientras tanto, podemos pedirles a los adultos mayores que nos den un poco más de ellos, que nos den un poco más de su vida. No, no es poca cosa.

Mis tardes con Margueritte / La tête en friche / My Afternoons with Margueritte.
Director: Jean Becker.
Guión: Jean Becker y Jean-Loup Dabadie.
Basada en el libro de Marie-Sabine Roger.
Año: 2010.
Música original: Laurent Voulzy.
Edición: Jacques Witta.
Cinematografía: Arthur Cloquet.
Con: Gerard Depardieu (Germain), Gisèle Casadesus (Margueritte), Sophie Guillemin (Annette).

Partir / Leaving, de Catherine Corsini

2011-09-22T14:09:00.009-05:00

Lo importante es amar

Miguel Cane

La directora y también guionista Catherine Corsini desarrolla en Partir (que llega con un par de años de retraso a México, es un filme de 2009) una historia conmovedora y emocionalmente intensa, que parte de una situación convencional, casi un cliché de telenovela, y sin embargo, lo eleva de una manera sorprendente.

Partir tiene un comienzo que atrapa: en la primera escena vemos a Suzanne (Kristin Scott Thomas) salir de la cama, mientras su esposo sigue durmiendo. La cámara acompaña a la protagonista hasta que sale de cuadro. La siguiente imagen muestra el exterior de la casa en plano general con la noche de fondo y ahí se escucha cómo suena un arma. La escena queda inconclusa y el film se transforma en un largo flashback que nos remonta a seis meses antes de ese momento.

Suzanne es una fisioterapeuta que tras retirarse de la profesión para criar una familia, decide abrir una clínica en su casa. Su apariencia es la de una mujer feliz, con un matrimonio armónico y dos hijos adolescentes que completan el cuadro que comienza a quebrarse cuando Suzanne se descubre invlucrada sexualmente con Iván (Sergi López), el albañil catalán que trabaja en la remodelación. Para ello decide enfrentar a su esposo, Samuel (Yvan Attal) y la relación se transforma en algo más que un affair. La posibilidad de consumar ese amor prohibido es el punto de inflexión que pondrá en crisis los valores y prioridades de la vida de Suzanne.

Partir, una mezcla de la clase de filmes que Douglas Sirk y Liliana Cavani solían hacer, espera algo de su espectador, y tal vez pueda llegar a incomodarle, pues exije una cierta complicidad con los protagonistas frente a las circunstancias y éstas pueden ser muy violentas para la gente convencional. Esto es lo que el film tiene de audaz, y convierte a Suzanne en algo más que una heroína común. El camino que decide emprender comienza a delinear el sacrificio arriesgando también la identidad.

La directora logra con una pertinente alteración de la estructura del guión, crear y mantener hasta el final el suspenso que ese disparo del principio despierta. La idea elíptica de retomar el comienzo al concluir el film no es novedosa, pero resulta eficaz. En este sentido, el título del film también colabora a abrir la ambigüedad y generar la incertidumbre en el espectador. Este inteligente giro hitchcockiano sumado a la audacia argumental convierten este melodrama, en una película interesante, lograda y que vale la pena ver.

Partir
Con Kristin Scott Thomas, Sergi López, Yvan Attal y Emmanuelle Riva
Dirige Catherine Corsini
Francia, Reino Unido, Italia, España
2009

Edie Falco, ocupación: actriz

2011-09-22T14:08:00.008-05:00

De Los Soprano a Nurse Jackie, la mejor actriz trabajando en el medio de la TV, es imparable.

Miguel Cane

Compacta, vivaz, de mirada inquisitiva y segura de sí, Edie Falco (Brooklyn, 1963) es una actriz de extracción teatral, que podría dar cátedra en lo que a lidiar ejemplarmente con la fama se refiere. En los últimos trece años – desde que el mundo la descubriera como Carmella Soprano, esposa neurótica (aunque buena madre) que le aguantó literalmente todo a su marido mafioso, encarnado por James Gandolfini – en la saga familiar Los Soprano, que supo mezclar Falcon Crest con El Padrino para convertirse en un hito televisivo, la actriz tuvo mucho cuidado de separar los aspectos profesionales de su carrera, de su vida íntima. De este modo, no se hizo figura asidua de las páginas de chismorreos en las revistas y el internet, donde Gandolfini recibió, por varios años, rutinarias golpizas mediáticas a causa de su mal temperamento, su gusto por el juego, el alcohol y un escandaloso divorcio.

Parecía que mientras más pública era la debacle de Gandolfini, más enigmática resultaba su compañera de reparto – aunque no es ninguna blanca paloma, y ella misma lo admite, en alusión a los once meses que vivió en adulterio con Stanley Tucci entre 2003 y 2004, mientras actuaban en Broadway y él estaba casado – habla poco con los medios y se concentra en su trabajo en teatro y televisión. Fue hasta mucho después que se supo que es madre soltera. En 2004 adoptó un niño al que llamaría Anderson (en 2008 adoptó a una niña, Macy) y que también ese año padeció un brote de cáncer de mama, que lleva cinco años en remisión. Así, discreta, pero directa.

“Si la gente me pregunta, yo contesto ponderando las preguntas, claro. Hay cosas que no son de la incumbencia de nadie y es entonces que tienes que recurrir a lo que es tu oficio y hacerte la que no oíste para salir del paso. Y es que, oye, hay mucha gente muy grosera. Te hacen preguntas que no tienen nada qué ver con tu trabajo, pero que tampoco tienen nada qué ver con tu imagen pública, es decir, la “fama”. ¿Qué les puede importar lo que una haga cuando no trabaja o no está en un acto público? ¡Siempre es la misma monserga, por el amor de Dios!” y se ríe.

Después de Los Soprano, Falco se embarcó en un nuevo proyecto: la comedia negra Nurse Jackie que estrena su tercera temporada en América Latina en televisión por pago. Parodia con mucho humor ácido de los melodramas de hospitales, tan populares en los Estados Unidos, es la historia de Jackie Peyton, una enfermera que trabaja en la sala de urgencias de un hospital de Nueva York, donde es muy buena en lo suyo, capaz de trabajar largos turnos, aunque claro, Jackie tiene un secreto que descubrimos en el primer capítulo: es drogadicta: se mete cuanto ansiolítico y analgésico cae en sus manos y los obtiene gracias a que se acuesta con Eddie, el farmacéutico del hospital, sin importar que además está felizmente casada y tiene dos hijas pequeñas... y eso, es solo el principio.

-¿Por qué una comedia, después de Oz y Los Soprano? ¿Te cansaste de la temática intensa?
Pues la verdad es que al principio yo no sabía que era una comedia. Verás, al leer el guión del piloto y el segundo capítulo, que fue lo primero que leí, la serie en sí se sentía como un drama con escenas graciosas. Me gustó, pero era muy oscuro. Se llamaba Nurse Mona. Lo cambiaron un poco y encontraron esta vena de humor sarcástico, de no tomarse en serio nada, y entonces me encantó. Vemos a Jackie como lo que es; una persona real, de carácter volátil y muy imperfecta, pero básicamente buena, con un código del honor y la justicia, un poco por los pelos, pero sí. En ella hay un equilibrio entre lo bueno y lo malo. Parece moverse con una especie de doble moral en la que todo se vale a la hora de ayudar a un paciente y todo se vale también a la hora de calmar sus dolores físicos para poder hacer frente a su vida tanto profesional como familiar. No la tiene fácil.

- Pero eso es lo que hizo el personaje atractivo para ti, supongo. Romper las reglas.
Claro. Jackie está llena de claroscuros y es un personaje que hace cosas tradicionalmente masculinas, pero creo que es hora de entender que eso no la hace un hombre, sino un tipo particular de mujer. Quiere ser una superheroina, trata de hacer todo por todos, pero le cuesta mucho. El precio lo paga en su vida personal, en su sanidad mental, y es demasiado alto, creo.

-¿Son muy distintas Carmella y Jackie?
No podrían ser más distintas. Son de planetas completamente diferentes. Claro que tienen en común que son mujeres fuertes que siempre consiguen lo que quieren. Pero Carmella era una mujer más bien ociosa y neurótica. Jackie no puede darse esos lujos. Aunque sean de un origen parecido, económicamente sus situaciones son muy distintas. Jackie no tiene los mismos patrones de pensamiento. Yo diría que Carmella es más pasional, mientras que Jackie, en su condición de adicta que siempre busca estar alerta, es mucho más astuta y hábil que Carmella.

-¿Cómo acepta el público a una heroína que es, como mencionas, una adicta?
Pienso que como están las cosas actualmente, a la gente le cuesta mucho vivir a la altura de la versión idealista del héroe y que está cansada de ver a personas que hacen las cosas a la perfección y de sentir que ellos fracasan. En cambio, cuando alguien es imperfecto, se puede entender mejor cómo piensa. Mira, yo soy alcohólica. Por eso entiendo perfectamente la situación de Jackie. Hace quince años que no bebo, y seguí los doce pasos de Alcohólicos Anónimos. Y me ayudó. Mucho. Por eso sé, que para alguien que trata de librarse de una adicción, una vida estable es imprescindible a su alrededor, porque un adicto tiene cada vez más problemas, y -tal como mi personaje- termina no queriéndose a sí mismo por todas las cosas que no puede poner de manifiesto. Ella genera caos adonde vaya, y sin embargo la gente la quiere. Ahí están la doctora Elinor, que es Eve Best, y Gloria, la administradora del hospital, que es la maravillosa Anna Deavere Smith, que hace un personaje fabuloso y Merrit Wever, que es Zoey, la enfermera estudiante que es tan excéntrica. Todas ellas le dan fuerza a Jackie cuando menos lo imagina y aunque actúa como si no las soportara a veces, lo cierto es que sin su gente en el hospital, estaría perdida.

-¿Por qué tan poco cine en vez de series de TV? ¿Te da más libertad de espacio?
Creo que es un momento interesante en la TV porque hay muchos programas protagonizados por mujeres que ya no tienen 20 años. Es fantástico porque creo que lo más interesante de la vida empieza a los 40. Le estamos dando una voz a la generación a la que pertenezco. No hago cine, mas que algunas cosas independientes, porque, te seré sincera, lo que me ofrecen en películas son estereotipos. Todos los papeles se parecen a algo que ya vi antes, algo que interpreté antes y algo que no me atrae demasiado. Por eso vuelvo a la televisión, porque me da lo que quiero y lo que necesito. Lo que me sorprende. En esta carrera nunca sabes qué va a pasar después, pero cada día me siento afortunada porque tengo muchos amigos que son actores de mi edad y que todavía no pueden ganar suficiente dinero para vivir. O sea que yo me siento muy, muy afortunada, porque no tengo que llamar a mi madre para que me eche una mano con la renta, porque puedo sostenerme a mí y a mis hijos. Trabajé mucho durante muchos años; tuve que ser mesera y hacer otros trabajos que no me gustaban nada. Pero de verdad, nada. Pero por el hecho de poder mantenerme y hacer lo que me gusta, cada día desbordo de gratitud y esa es la verdad. Tengo cuarenta y ocho años de edad, y lo mismo esto se termina mañana mismo, así que no me preocupo por lo que no tengo. Siempre verás el vaso medio lleno si eso es lo que realmente necesitas. Y en eso, mal que me pese, me parezco mucho a Jackie.

No temas a la oscuridad / Don't be afraid of the Dark, de Troy Nixey

2011-09-20T12:24:00.019-05:00

Algo que anda por ahí.

Miguel Cane

¿Se acuerdan de aquellos tiempos en que Guillermo del Toro era un director de cine? Sí, cuando innovó con La Invención de Cronos (1992), cruzó la frontera con Mimic (1997), y se coronó con El Laberinto del Fauno (2006). Todo antes de convertirse repentinamente en un diletante que cada mes, más o menos, anuncia una película que eventualmente abandonará, un proyecto que no llevará a cabo o que dejará en manos de otro, como sus presuntas novelas – que él no escribe – y la cinta que hoy nos ocupa, No le temas a la oscuridad, que después de una larguísima pre-producción y rodaje, llega a salas con publicidad engañosa que la muestra como película de del Toro cuando no lo es (pero las distribuidoras creen que el público no lee los carteles, y tienen razón), si bien por años fue un proyecto muy personal para el tapatío, ya que se trata del remake de una película hecha para la TV en los 70 que vio de niño y que lo obsesionó por años, al punto de que en cuanto pudo compró los derechos para hacerlo.

La historia original – protagonizada por Kim Darby, escrita por Nigel McKeand y dirigida por John Newland – gira en torno a un ama de casa neurótica que se muda a una mansión gótica y sin saberlo libera a unos monstruitos enanos del sótano, que la acosan, pese a la incredulidad de su obstinado marido, hasta que acaban por llevársela con ellos a su madriguera. El desenlace, abrupto y desolador, ciertamente dejó huella en generaciones de telespectadores y no es difícil imaginar a del Toro como prepúber fascinado ante la pantalla. Sin embargo, es reprochable que después de años de tomarnos el pelo con el “ya merito hago esto”, el Gordo vuelva a las andadas, no haga nada y deje todo en manos de Troy Nixey, un director novel e inexperto, al que la película acaba por írsele de las manos.

La trama, salvo la introducción ambientada en 1910, que busca “explicar” la presencia de los intrusos en la mansión (y que es una secuencia muy Gordo del Toro), y el cambio de la protagonista por una niña (Bailee Madison, que da buena réplica), es básicamente la misma, solo agregando la capa de angustia del niño al que nadie le cree. Katie Holmes, que es una actriz probadamente limitada, es la madrastra dulce y sensible llamada Kim (con ese apelativo, usted ya sabe lo que le pasará) y Guy Pearce, usualmente un sólido intérprete, es aquí el cliché andante del padre obtuso que se niega a creer que en la casa que está restaurando para sacarla en Architectural Digest y ser famoso, está infestada de monstruos acondroplásicos y perversos. Pese a que hay una atmósfera lograda y la actuación de Madison es notable para ser tan pequeña, la trama – reescrita por del Toro y Matt Robinson – es una serie de clichés que se apilan para llegar a un desenlace predecible y soso.

El compromiso con el género del horror no aparece por ningún lado: todo es convencional y sin encanto, no hay inversión emocional por parte del espectador en los demás personajes como para que le importe lo que les pasa y al final, lo que pudo ser un delirio pesadillezco, acaba siendo una película del montón, una oportunidad perdida que de todos modos sacará dinero gracias a su publicidad engañosa, mientras que del Toro sigue acumulando proyectos que no va a realizar. Ha dejado de ser una promesa que generaba entusiasmo, para convertirse en, como esta película, un lugar común, un estereotipo hinchado. Qué desperdicio.

No temas a la oscuridad / Don't be afraid of the Dark
Con Katie Holmes, Guy Pearce, Bailee Madison y Alan Dale
Dirige: Troy Nixey
Estados Unidos 2011

Sólo con tu pareja: Amor + Histeria = Clásico de culto

2011-09-20T12:24:00.018-05:00

A dos décadas de su estreno, el primer filme de Alfonso Cuarón permanece como un clásico moderno.

Miguel Cane

Han transcurrido (aunque no lo parezca) veinte años de que se estrenó este filme que vino a cambiar muchos aspectos de escribir, hacer y ver cine en el país. Inexpicablemente condenada al limbo del olvido por más de una década, Sólo con tu pareja, que en el interim alcanzó estatus de cinta de culto, fue finalmente resucitada hace algún tiempo por el DVD, que lo acerca ahora a nuevas generaciones de espectadores, amén de ser la cinta más accesible – y que mejor ha envejecido – de lo que en su momento se llamó “Nuevo Cine Mexicano”, oleada de cinema comercial de corte independiente que llegó a las salas a principios de los 90 después de casi dos décadas de “sexicomedias” que habían dominado el panorama del cine nacional, con películas con otros títulos como La Mujer de Benjamín, Como agua para chocolate, Ciudad de Ciegos y La Invención de Cronos, que llevaron a otro tipo de público a las salas y revelaron a cineastas como Alfonso Arau, Alberto Cortés, Carlos Carrera o Guillermo del Toro.

La cinta, ostensiblemente una comedia romántica con sarcasmo sexual, marca el debut en largometraje de Alfonso Cuarón, que ya tenía en ese entonces una extensa carrera como director de televisión – algunos de sus episodios en la serie Hora Marcada fueron memorables – y de su hermano Carlos como guionista (repetirían mancuerna en la indigesta Y tu mamá también, diez años más tarde), ambos asomándose a una cultura que había sido obviada en el cine mexicano de su momento – la clase media con aspiraciones, o bien, yuppies-, expuesta en celuloide con dosis de humor postmoderno, slapstick de otra clase, sano sarcasmo y desconcertantes brotes ternura. La trama gira en torno a las aventuras y desventuras del Tenorio amateur Tomás Tomás (Daniel Giménez Cacho) brillante creativo para una agencia publicitaria [uno de sus eslogans más célebres es “Chiles jalapeños caseros Gómez: p’a que soples mientras comes…”] que en sus horas de trabajo y de solaz esparcimiento, a manera de deporte, es un mujeriego compulsivo amén de un hipocondríaco empedernido. Este sujeto, que carece de los atributos del galán convencional de cine, pero los compensa con derroche de carisma, vive en medio del decadente esplendor decimonónico de un edificio de apartamentos en la colonia Roma y como a Mike, el héroe del poema de e.e. cummings, le gustan todas las chicas: rubias, morenas, flacas, gordas… todas, excepto las verdes.

Sus amigos y vecinos, casi beatos en su paciencia y tolerancia, son el rubicundo doctor Mateo Mateos (el hoy desaparecido Luis de Icaza) y su esposa Teresa de Teresa (Astrid Hadad), quienes fungen como una especie de coro griego para las correrías amorosas y hormonales de nuestro antihéroe. Las cosas se complican cuando aparecen en su vida, casi al mismo tiempo, dos jóvenes y tentadoras mujeres: la seductora Silvia Silva (la irresistible Dobrina Liubomirova), enfermera de lúbrica intención y la celestial Clarisa Negrete (una radiante Claudia Ramírez, en un rol hecho a la medida, ya que en esa época, además de ser la única modelo que había logrado tener cinco comerciales al aire simultáneamente, era compañera sentimental del director y su musa), una sobrecargo de – la hoy extinta – Mexicana de Aviación. Ambas le cambiarán la jugada a este neurasténico donjuán, cuando aparezca también el muy real espectro del SIDA.

Piense usted esto: si Sólo con tu pareja se hubiera filmado en los años 60, obviamente el tema del SIDA, entonces inexistente, no habría sido tratado y posiblemente tocaría otro problema sexual, quizá menos letal y más jocundo (¿enfermedad venérea? ¿parásitos imposibles de combatir?) y el protagonista hubiera sido encarnado por Mauricio Garcés, Enrique Rambal y la siempre elegante Amparo Rivelles (¡esa dicción!) serían los vecinos y alguna tentación curvilínea y yeyé como Amadee Chabot o Jacqueline Voltaire podría ser la enfermera ardorosa, mientras la formidable Irma Lozano (nadie podía hacer señoritas virginales como ella) llevaría el papel de la joven sobrecargo que habita el apartamento de junto... ¿se imagina? Habría sido una monada... pero no la película que es. Por suerte, la sensibilidad de los 90 y las múltiples referencias que los hermanos Cuarón utilizan – se nota que son chavos que vieron con atención películas de Robert Altman y de la Nouvelle Vague, asi como del Free Cinema inglés, asi como comedias mudas de Harold Lloyd y leyeron con dedicación lo mismo a José Agustín, Carlos Fuentes y JD Salinger (no en balde el gran Juan Tovar participó en el libreto) - hacen que el material trascienda su ligereza natural y le hable a toda una generación en su idioma, con imágenes muy emblemáticas (desde el Santo hasta Ultramán) y creando sus propias tomas icónicas – la secuencia de Claudia, poseedora de una serena hermosura, haciendo ante un espejo con brazos y manos las señales de toda flight attendant para mostrar las salidas de emergencia, mientras Tomás la espía, enamorado, desde el balcón, tal y como, con algo parecido a la adoración, la capta la lente de Emmanuel “El Chivo” Lubezki, queda para la posteridad- para trascender de lo meramente pasable a convertirse en un pequeño clásico que hace al corazón pegar volteretas de puro gusto nada más aparecer en pantalla.

Con su frescor, ritmo y descaro, Sólo con tu pareja marcó un hito para un público que volvió por fin a las salas a pagar boleto por ver una película de factura nacional. Esto no detuvo a Cuarón, quien finalmente se arriesgó a dar un salto mortal sin red de protección y contando solamente con la anuencia del estadounidense Sydney Pollack – confeso admirador de la cinta-, se trasladó a Los Ángeles, donde dirigió un episodio de la serie de TV Fallen Angels y posteriormente, obtuvo la oportunidad de crear su segundo largometraje en la cinta La Princesita, donde nuevamente en mancuerna con Lubezki, pudo explorar sus inquietudes visuales como ojo detrás de la cámara, para contar una enternecedora y clásica historia basada en un libro de Frances Hodgson-Burnett. Cuarón ha logrado trascender como un director muy particular en su elección de temas y proyectos; lo mismo logró un gran éxito de taquilla con la tercera película en la saga de Harry Potter (espléndida para ser una película de encargo) que despertó un cariño entrañable en algunos círculos por su versión de Grandes Esperanzas (principalmente por el excepcional trabajo obtenido de Anne Bancroft y Gwyneth Paltrow, la banda sonora que incluía a Tori Amos y Pulp, así como la extraordinaria dirección de arte, toda en una gama de verdes, que asemeja un lienzo con vida). Su más reciente trabajo, la sublime e inquietante distopia Children of Men, con actuaciones de primera a cargo de Clive Owen, Julianne Moore y Michael Caine, lo colocó en un nivel más alejado de las complacencias comerciales de Hollywood – de las cuales su antecesor, Luis Mandoki, no pudo eludirse- y más cercano al llamado cinema de autor, sin sacrificar su interés en el cine de género (como se ve en su nuevo proyecto: Gravity, una Space Opera que actualmente está rodando, con Sandra Bullock y nada menos que George Clooney).

Avecindado en Londres, Cuarón es mucho más que la promesa hecha por su primer filme, sin embargo, éste existe para recordarnos que su voz tan distintiva para narrar, que se dejó oír por primera vez en el Cine Latino, en el corazón de la convulsa megalópolis que es la Ciudad de México y que en ella logró dejar una huella que permanece indeleble, pese al paso del tiempo.

Don Gato: Cinco Décadas de Culto lo Avalan

2011-09-16T12:52:00.011-05:00

En 1961 debutó una serie de TV de Hanna-Barbera que en México se convirtió en Leyenda.

Miguel Cane

Si a principios de los 60 alguien hubiera dicho a los inefables William Hanna y Joseph Barbera, ya por entonces universalmente famosos por creaciones como Los Picapiedra, El Oso Yogi, Huckleberry Hound o Tiroloco MacGraw, que una de sus series de televisión menos exitosas se iba a convertir en objeto de reverencial y obsesivo-compulsivo culto en México por décadas, muy probablemente se hubieran reído... sin embargo, años después, ellos mismos tuvieron que reconocerlo: de manera inexplicable, Don Gato y su Pandilla es una auténtica leyenda tatuada en las mentes de generaciones de mexicanos merced perennes retransmisiones de los 30 episodios de un experimento de comedia sofisticada para adultos que había fracasado con audiencias estadounidenses, pero gracias a un ingenioso doblaje, encontró un nicho cultural al sur de la frontera.

En su versión original, Top Cat era parodia de un popular sitcom de la época llamado The Phil Silvers Show, que básicamente presentaba las aventuras y desventuras de un grupo de conscriptos en un campamento militar, que buscaban la manera de escurrirle al bulto y hacer fortuna, con el mínimo esfuerzo posible. Si bien esto funcionaba con actores humanos, la versión animada, trasplantada a Nueva York, con un grupete de gatos callejeros como protagonistas que buscaban la manera de salir del arroyo mediante la estafa al prójimo, encabezados por el epónimo Don Gato, felino marrullero y sin pudor alguno, que manipulaba supremo a la sarta de botarates que lo seguían, pareció no gustar a la gran familia americana, que si bien había convertido a Los Picapiedra – gloriosos cavernarios clasemedieros – en un éxito sin parangón [hasta la llegada en 1989 de otros clasemedieros, Los Simpson], encontró que, por muy patrocinados por los cereales Kellogg's que estuvieran, estos gatos no les hacían gracia y después de una temporada (que se realizó en color, aunque se transmitiera en blanco y negro) la jubilaron, mandándola a hacer las rondas por los países vecinos en paquete con sus otras creaciones que habían tenido mayor aceptación, como Pixie y Dixie, Canuto y Canito (padre e hijo perros salchicha, severamente neuróticos, pero de buen corazón) o el Oso Casioso y la foca Achú (de quienes ya casi nadie se acuerda, por cierto).

Fue en México y gracias al excepcional doblaje que se hacía a mediados de los 60, que Don Gato tuvo su renaissance y se convirtió de gato de barrio, en auténtica superstar cuando se estrenó por primera vez con un doblaje impecable a cargo de actores como Julio Lucena (Don Gato), Víctor Alcocer (inconfundible como el oficial Matute), David Reynoso (que en algunos episodios suplió a Alcocer como Matute), Judy Ponte (habitualmente la voz de los escasos personajes femeninos como la madre de Benito, Shirley la novia de Panza o Melosa Melón) y especialmente Jorge Arvizu (años antes de crear su icónico personaje de “El Tata”, como Cucho y Benito B. Bodoque y B.), que ayudaron a dar una personalidad a cada personaje e incluso proporcionaron una idiosincracia a la serie completa: donde el público estadounidense no había encontrado gracia en los descabellados intentos de Don Gato y sus canchanchanes por hacerse del dólar nuestro de cada día de un modo rápido y fácil, el público mexicano sin duda dio un encanto casi Chava Floresco a esa filosofía de “A qué le tiras cuando sueñas Mexicano” y acogió a estos gatos con un fervor que raya prácticamente en la santidad doméstica.

La serie no solo se arraigó en México, sino que viajó rápido a otros países como Perú, Colombia y Argentina, donde “Matute” convirtióse en sinónimo de agente de la ley división peatona, mientras que Don Gato, Cucho, Espanto, Demóstenes, Panza (ostensiblemente inspirado, aunque usted no lo crea en el inenarrable Cary Grant) y Benito – cuya voz en español, aniñada y aguda fue tan emblemática, que es un shock oírlo hablar con su voz original, que es más similar a la de un taxista de Brooklyn, pasado de kilos – se convirtieron en auténticos ídolos de las masas hispanoparlantes (aunque en su nación de origen siguen siendo tratados con cordial indiferencia, como esa gente que va a fiestas y todo mundo sabe más o menos quienes son, pero nadie les habla) y, menosprecios aparte, su nicho fue tan grande, que no importó que no hubiese más temporadas de la serie: los 30 capítulos bastaban para recordar momentos claves de la infancia, y para atraer las carcajadas (lo reto a no reírse al recordar de dónde vienen frases como “Hábil y conspicuo ladrón internacional de joyas” o “¡Socooorrooo! ¡Dice que es Loretta Young!”). Esto se refrendó cuando en 2004 apareció la serie completa, con su doblaje original, se convirtió en un tumultuoso hito de ventas en DVD.

Ahora, 50 años más tarde, los estudios Anima (propiedad de Guillermo Cañedo White, Fernando De Fuentes, Fernando Pérez Gavilán, José Carlos García De Letona y Federico Unda, creadores de El Chavo Animado y El Agente 00P2 – no, no voy a comentar el angurriento doble sentido de ese título-) estrenan una versión cinematográfica en inevitable 3D, de los personajes. Esta nueva pandilla es, a decir de la critica invitada a verla por anticipado, una especie de tributo a la original – cuenta incluso con la voz de Arvizu como Benito y Cucho, si bien los años no pasan en balde y el histrión se oye fatigado – que en su afán de gustar a todos los públicos (la momiza que fuera chaviza y lo recuerda con amor y la generación Xbox que tiene muy escasa concentración y demanda efectos sobre trama o estilo) acaba por no gustarle a nadie. ¿Es este filme solo un vulgar intento por capitalizar la nostalgia para sacarle su dinero a la gente o un homenaje honesto? A estas alturas del culto resulta irrelevante: horrenda o no, de todos modos la gente irá a las salas a verla, principalmente porque en tierra de estafadores (y estafados) Don Gato es rey.

Aún estoy aquí / I'm Still Here, de Casey Affleck

2011-09-10T17:45:00.010-05:00

La verdad de las mentiras

Miguel Cane

Seguramente usted recuerda la anécdota, que salió en todos los periódicos y diversos portales en la red. En 2008 y por sorpresa, Joaquin Phoenix anunció en el programa de David Letterman que se retiraba de la actuación para seguir su “sueño” de de ser músico de hip-hop. Este “docudrama” es el testimonio de lo que pasó ese año; seguido durante su transición durante todo el día por una cámara, el actor se deja crecer una ostentosa barba de jipi, descuida su imagen pública e intenta convencer a Sean 'P. Diddy' Combs para que le ayude en su primer disco, mientras compone canciones, insulta a sus asistentes y con su comportamiento hace que su persona se convierta en el tema predilecto de las conversaciones en Hollywood, que no se explican qué le pasa al “niño”, que está “muy rarito”.

A partir de ahí podemos apreciar cómo se convierte en el hazmerreír de Hollywood, caricaturizado en multitud de ocasiones incluyendo la parodia que realizó Ben Stiller en la gala de los Óscares. El actor Casey Affleck, quien además es cuñado de Phoenix, no pierde detalle de todo: lo extravagante, lo humillante y hasta lo anodino.

La primera y gran pregunta que se plantea el espectador al entrar en materia, es si lo que se ven en pantalla es real o es una farsa. A estas alturas del poema, y si usted ha leído las noticias sabe que esto es una sofisticada y elaborada pieza de ficción completa pero con la agudeza de haber utilizado la propia persona del actor y su vida real como escenario.

Con un título que recuerda a la película de Todd Haynes “I’m not there” en la cual se componían diferentes personajes y vidas para intentar dar una imagen completa de la compleja figura de Bob Dylan para explorar qué es lo que hace al mito, Aún sigo aquí hace exactamente lo contrario: de manera implacable, destruye la imagen tanto pública como privada de Joaquin Phoenix. Mediante apariciones en TV, interacciones con otras estrellas de Hollywood y con un hermetismo total de lo que sucedía realmente, el mundo asistió a como el respetado y algo ambiguo actor dos veces nominado a un Óscar sufría una presunta crisis nerviosa y una transformación total como rapero.

Así, al Joaquin que vemos aquí, es un tipo egocéntrico y francamente insoportable, que se queja constantemente, a manera de disco rayado, de estar atormentado por ser un incomprendido y jura que sus intenciones son realmente serias, que su vocación de ser cantante de hip-hop es genuina, pese a que los diferentes conciertos que realiza son un monumental desastre, es ininteligible cuando canta y la mayoría de sus letras son sobre él mismo o su asistente personal al que trata con un irritante despotismo (el que a fin de cuentas sea fingido, no le quita lo chocante). Que él sea tal y como muestra la película es otro tema pero hay que admitir lo impresionante la entrega completa que ha puesto Joaquin Phoenix en hacer real este personaje tanto dentro como fuera de la pantalla.

Lo que el filme pretende, a todas luces, es hacer una ácida crítica a costa de Hollywood y sus estrellas, el trato que se les da y el espectáculo que se convierte un actor gracias a los medios de información. Es cuestionable si especialmente a Ben Stiller y Sean 'P. Diddy' Combs les habrá hecho mucha gracia ser patiños involuntarios de esta “vacilada”. El filme también muestra la degradación y colapso de una estrella, visto por dentro y sin ningún tipo de tapujos y eso ciertamente podría suscitar un interés morboso... por lo mismo, es decepcionante que no sume mucho más que una tomada de pelo. No faltarán los que afirmen que es una obra que se atreve a ir más allá del celuloide ya que ha sido hecha gracias a una exposición completa de un actor que no ha puesto ningún límite en dar verosimilitud al proyecto, haciendo en el fondo un chiste a costa de todo el mundo, y el precio, tal vez, sea demasiado alto. Usted decide.

I'm Still Here / Aún estoy aquí
Con Joaquin Phoenix, Sean “P. Diddy” Combs, Ben Stiller, Rain Phoenix y David Letterman
Dirige Casey Affleck
EU 2010.

El año “perdido” de Joaquín Phoenix

2011-09-10T17:44:00.011-05:00

El actor nominado a un Oscar le “tomó el pelo” a todo el mundo para rodar Aún sigo aquí, un falso documental sobre su carrera. ¿Cuáles serán las consecuencias de esto?

Miguel Cane

En 2008, Joaquín Phoenix (1974), hermano menor del malogrado River – ícono de los 80 y 90 que se fuera “de repente” al otro mundo por “tontear” con las drogas en un sórdido nightclub del Sunset Boulevard, propiedad de Johnny Depp en 1993 – había logrado quitarse esa etiqueta y ser considerado un actor serio e interesante, con una carrera versátil y sólida. Así fue como, para promover una cinta, la interesante Dos Amantes de James Gray, acudió al programa de David Letterman, que diariamente transmite la cadena CBS, desde Nueva York. Ahí, Phoenix apareció desaseado, incoherente, con muy mal aspecto y anunciando que abandonaba el cine – donde había logrado dos nominaciones al Oscar – para entregarse de lleno a lo que llamó su “verdadera vocación”, ser un rapero estrella del hip-hop.

Estupefacto, Letterman, que es famoso por tratar de pescar todas las bolas curvas que le lanzan sus invitados (véase el caso de Madonna, que literalmente se lo sonó), le preguntó si se trataba de una vacilada. Ostensiblemente ofendido, Phoenix (que se rehusó a quitarse los lentes oscuros todo el tiempo que duró su entrevista) dijo que no, que nunca antes había hablado tan en serio. Su carrera actoral había llegado a su fin. Gracias.

Las reacciones fueron variopintas y no exentas de morbo. Los portales-tabloide como TMZ y Perez Hilton, se dieron vuelo especulando acerca de esta revelación: ¿había perdido la cordura Joaquin? ¿Serían (¡Ay qué miedo!) drogas? ¿Era verdad? Durante algunos meses, y hasta que otras celebridades se ocuparon de distraerlos, la presunta transformación del actor de Señales y Gladiador en un rapero barbudo y melenudo parecía tan genuina como desastrosa. Muchos acabaron por atribuirlo a un inevitable colapso mental. Fue tan irresistible el vacilón, que hasta en programas como Padre de Familia y la entrega de los Oscares, se parodió el incidente del show de Letterman.

Joaquin Phoenix se había convertido en un hazmerreír.

Pero... ¿era posible que esto fuera propositivo y no accidental?

Corte a: Festival de Venecia 2010. Casey Affleck y Joaquin Phoenix, que además de cómplices son cuñados – Affleck está casado con Rain Phoenix, la benjamina de la familia – presentan I'm still here, un “docudrama” acerca del año que Phoenix se tomó para “ser rapero” y declaran ante los medios reunidos para la Mostra que “todo era una broma” que “era ficción”.

El presunto documental retrataba la caída -sin paracaídas- de Phoenix, que lo llevaría a dar tumbos por los lobbies de los hoteles más lujosos de Hollywood a los antros más sórdidos de Nueva York. En teoría, todo esto se debía a la frustración del actor en el mundo del cine y, en teoría también, Affleck tendría permiso para filmar el proceso.

La presunta desintegración se inicia cuando el público descubre (al mismo tiempo que el actor, o esa era la teoría hasta que Affleck abrió la boca, en el Lido) que Phoenix tenía las mismas posibilidades de convertirse en una figura del hip-hop que un pepenador de cantar en la ópera de Milán. Su desesperación psíquica acababa contagiando a su cuerpo, y del tipo de mirada sexy y perdida que volvía locas a sus fans se pasaba a un obeso con problemas con su higiene personal y que apenas podía balbucear sus intenciones por andar hasta arriba de droga y alcohol. En escenas del filme, Phoenix aparecía metiéndose rayas de coca del escote de una prostituta, gritando sandeces a su pobre secretario y conversando de manera incoherente con Ben Stiller sobre un proyecto que este le ofrecía y que Phoenix declinaba con un rebuzno disfrazado de "no". Lo más humillante se guardaba para el final, cuando uno de sus asistentes se vengaba de sus malos tratos defecando en la cara del actor. (Sí, con esto le acabamos de ahorrar el costo de un boleto de cine. De nada.)

Después de la proyección, Affleck soltó la verdad de sus mentiras y ardió la proverbial Troya, mientras que el debutante director (que también es actor y hermano de un actor más guapo que él, el inefable Ben) se trataba de justificar, diciendo que su “gracia” obedecía a un interés meramente artístico, hacer metaficción: "Joaquin da aquí la interpretación de su vida".

Los medios y la industria no se lo perdonaron. Como broma, se pasó de tueste o quizá fuera demasiado sofisticada para una industria que se sostiene principalmente de humor estrictamente rudimentario. Esto fue más allá del interés sobre si la actuación de Phoenix era real o el extremo de la pose, muestra de la descomunal capacidad del actor para meterse en los zapatos de su propio yo y hundirse en el fago hasta el cuello en un tour-de-force interpretativo que no se recordaba desde los tiempos de Marlon Brando, o una “puntada” que se les fue de la mano a los involucrados.

El precio ha sido muy alto. En este tiempo, su estatus en Hollywood se ha ido al caño y muchos/as de los que forman parte de ese ente tan maleable y de gustos cambiantes llamado "audiencia" le han dado (tal vez merecidamente, eso lo decide usted) la espalda. A pesar de ello y según su agente, Patrick Whitesell, las ofertas vuelven a llegar. Para hacer control de daños, Joaquin, bañadito, en forma y sin esos pelos en la cara, volvió con Letterman a ofrecer una profusa disculpa, con el nada sutil interés por resucitar ahora sí que como ave Fénix, de sus cenizas, habiendo demostrado estar bastante afectado de sus facultades mentales (o tal vez no), como para seguir dándole al trabajo en la Meca del Cine.

Por lo pronto, Paul Thomas Anderson lo ha “perdonado” y lo ha incorporado al reparto de su muy anticipado filme The Master, con Philip Seymour Hoffman, Amy Adams y Laura Dern: una historia acerca de un hombre que se inventa una religión muy lucrativa (no del todo ajena su anécdota a la de L. Ron Hubbard y la polémica Cientología). De este filme depende que la audiencia pueda perdonar o no a Phoenix, o en todo caso, olvidarse de su ausencia y sus motivos. Si bien, el estreno de Aún estoy aquí en México sirve para que el público pueda ver de primera mano en las salas cinematográficas y juzgar por sí mismos, si esta es una vacilada, una estafa o una obra de arte.

Vespa: la clásica moto de culto cumple 65 años

2011-09-07T12:54:00.029-05:00

Cuando Enrico Piaggio creó la Vespa en 1946, no imaginó que la pequeña y estilizada motoneta se convertiría en parte integral de la cultura italiana y cinematográfica.

Francisco Peña

Al recorrer Italia de Milán a Venecia, de Verona a Palermo, uno nota que hay cosas a las que ninguna italiana o italiano podría renunciar: soberbia comida, futbol, celulares último modelo, exclusivos lentes para sol de diseñador. La Vespa también es parte de estas tendencias al ser un objeto de culto amoroso y símbolo del estilo de vida “a la italiana”.

Parece una contradicción que el país que se enorgullece de haber creado el potente Ferrari, el elegante Alfa Romeo o el exclusivo Lamborghini, haya convertido a la “humilde” Vespa (Avispa en italiano) de cuerpo redondeado, fina cintura y zumbido semejante al ronroneo de un gato, en elemento esencial de la cultura italiana y de su cine. No, no es una contradicción. De hecho las raíces sociales y proletarias de la Vespa son más profundas que las de sus famosos parientes automovilísticos.

Enrico Piaggio introdujo la primera Vespa en 1946 impulsado por la imperativa necesidad de su país de contar con transporte moderno y económico. La Segunda Guerra Mundial había reducido al parque automovilístico italiano a una masa informe de láminas oxidadas a la orilla de las carreteras y apenas si se conseguía gasolina en el mercado negro. Pero las fábricas habían reabierto y se necesitaba movilizar a los obreros y, sobre todo, urgía que los alimentos llegaran de las granjas a las ciudades. La necesidad social encontró respuesta en la Vespa, capaz de montar a dos personas o de mover frutas, huevos y pollos a los mercados populares. Además, la moto generó en los jóvenes un sentimiento de libertad luego de años de guerra y ocupación militar alemana y estadounidense: permitía visitar a los amigos, familia y salir al campo a divertirse… o tener encontronazos amorosos, claro.

El cine italiano adoptó a la pequeña moto como “actriz” imprescindible y la volvió estrella internacional. El Times de Londres resumió la percepción mundial cuando publicó que la Vespa “es un producto completamente italiano, como no se había visto desde la época de las cuadrigas romanas”. Los clubes de “vespistas” se fundaron en todo el planeta, entre ellos el actual Club Vespa de México (http://clubvespademexico.foroactivo.com/).

La primera película donde aparece la motoneta es la cinta italiana Domingo de agosto (1950, Luciano Emmer) a sólo cuatro años de su creación. Irrumpe en la cinematografía estadounidense con la cinta de Hollywood La princesa que quería vivir/Vacaciones Romanas/Roman Holiday (1953, William Wyler). De hecho, en esta película se conjugan dos consagraciones internacionales que registran los cinéfilos: una joven y bellísima Audrey Hepburn se escapa de sus deberes de joven princesa montada en una Vespa 125 guiada con seguridad por el “periodista” Gregory Peck para recorrer a placer las calles de Roma y, de paso, vivir un intenso romance veraniego como cualquier chica italiana del momento.

Desde entonces las películas donde aparece la Vespa italiana son legión. El cine, sea de comedia, acción, drama o de contenido social, ha procurado la presencia de la querida moto: desde Querido diario (1993, Nanni Moretti) con un capítulo titulado “En la Vespa” y un modelo 150 Sprint a La Intérprete (2005, Sydney Pollack), donde la rubia Nicole Kidman recorre las calles de Manhattan en una motoneta amarilla. En ambas cintas, las secuencias donde aparece la motoneta están teñidas por una atmósfera de baile y gozo, de manera abierta con Nanni Moretti y más discreta con la rubia Nicole que tripula la motoneta con una sonrisa casi orgásmica dibujada en su rostro. Otro que recorre Nueva York en una Vespa blanquiazul es Jude Law en Alfie (2004). Otras más aparecen en cintas como Quadraphenia, American Graffiti, El talento de Mr. Ripley y hasta Transformers.

Además de Audrey Hepburn, la Vespa ha sido compañera de viaje de varias bellezas. En el clímax de los 60, cuando Ursula Andress era el sueño mojado de todos los admiradores de “Bond, James Bond”, la chica suiza dejaba ver generosamente al aire sus torneadas piernas doradas al tripular una Vespa en una de las campañas publicitarias de la moto. Detrás de la Andress siguieron otras bellas que han trabajado en el cine italiano como Raquel Welch, Virna Lisi y Milla Jovovich, por mencionar algunas.

En el caso de los galanes hay que citar a Marcello Mastroianni (¡infaltable!), Henry Fonda y Gary Cooper. Cuando algunas estrellas filmaban en Roma, en el apogeo de los famosos estudios de Cinecittà, la compañía no perdía la oportunidad de hacer “campaña periodística” para promover la Vespa con actores estadounidenses. Es conocida la anécdota de que Charlton Heston, cuando filmaba Ben Hur (1959): iba de su hotel a los estudios montado en una Vespa, o recorría el camino a las locaciones cercanas en Frosinone. Claro, lo mejor era cuando los actores famosos se dejaban ver en Vía Veneto en una Vespa para vivir la “dolce vita” nocturna, como lo hizo Anthony Perkins (ya famoso por Psicosis) mientras filmaba El Proceso (1962) en Roma, dirigido por Orson Welles.

Ya más cercanos a nuestros días, podemos reconocer a algunos actores que han usado una Vespa en pantalla como Sting, Matt Damon y Antonio Banderas (en pleno destape almodovariano) entre otros. Para rematar, quizás la secuencia clásica de unas Vespas en movimiento está en La Dolce Vita (1960) de Federico Fellini. Se trata del vehículo preferido de los paparazzi para cazar fotográficamente a las estrellas y celebridades que rondan en la noche fílmica felliniana.

Pero para calibrar lo que es la Vespa para el cine hay que ver el video (arriba) http://youtu.be/RnHRUeMhxqc (Nicole Kidman de 00:24 a 00:27): se puede sentir lo que es bailar con alegría por las calles. Esta moto es el orgullo de quienes aprecian la libertad, el estilo y el buen diseño: triunfo nada despreciable para la “humilde” Vespa que cumple 65 años.

Noche de Miedo / Fright Night, de Craig Gillespie

2011-09-02T13:13:00.013-05:00

Un poco de tu sangre

Miguel Cane

Sorprende que después de hacer un filme tan logrado y diferente como Lars y la chica de verdad, Craig Gillespie, un director con talento notable, haya decidido filmar un remake – que en Hollywood es lo de hoy – y que sea de una película de culto de los 80. El resultado no es malo, pero sí es algo que estaba por debajo de las expectativas que generaba el director. No puede reclamársele a esta película su afán de entretenimiento, ni su intención de hacer reír y asustar a base de los elementos y estereotipos típicos del género del terror y de los vampiros como son los crucifijos, agua bendita y diversos símbolos sacros, alergia a la luz solar, una tenebrosa mansión repleta de reliquias y armas y unas víctimas que se dejan morder con facilidad. Pero el problema es que tiene una crisis de identidad: no sabe qué quiere ser realmente.

En la parte que corresponde al terror, cuenta con un par de escenas de sustos y alguna otra de suspense que no llega a provocar la tensión esperada, y solamente se compensa con la excelente interpretación de Colin Farrell (Jerry, el vampiro), quien gracias a su carisma consigue que el espectador celebre sus salvajadas. En cuanto al territorio cómico, tiene algunos momentos chistositos, gracias sobre todo a la aparición de Peter Vincent (David Tennant), una suerte de mago-caza-vampiros con aires de rockero alcohólico y mujeriego, y de Ed (Christopher Mintz-Plasse), el amigo del protagonista, que es bastante obvio. Pero tanto el humor como los diálogos ocurrentes, que prometen bastante al principio, van decayendo a medida que avanza la cinta.

Lo más notable aquí es la actuación de Colin Farrell que consigue crear un personaje perverso a la vez que encantador. Por su parte, Anton Yelchin (que interpreta a Charley), insiste en interpretarse a sí mismo como siempre (es inexplicable que siendo una nulidad le sigan dando papeles protagónicos). El resto de actuaciones están correctas, con Toni Collette espléndida y virtualmente desperdiciada en el ingrato rol de madre del protagonista.

La banda sonora, creada por Ramin Djawadi (Juego de Tronos), es uno de los aciertos, mezcla violines con órganos de iglesia y convirtiendo así a la propia música en uno de los elementos que más nervio le imprimen a la película, que es visualmente es llamativa, con unos buenos efectos especiales, un maquillaje (obra de Greg Nicotero, creador de The Walking Dead), que consigue unas transformaciones en los vampiros escalofriantes y una preciosa fotografía cortesía de Javier Aguirresarobe, el cinefotógrafo de Amenábar. Con todo esto a su favor, Noche de Miedo entretiene, y su director Craig Gillespie le proporciona un ritmo ágil, pero no acaba de definirse, si bien logra sostenerse gracias a las buenas actuaciones de Farrell y David Tennant, que compensan lo insulso de su héroe, y además porque consigue reírse de ella misma, lo cual siempre es de agradecer, aunque sin lugar a dudas, pudo ser un producto mucho mejor de lo que es.

Noche de Miedo/Fright Night
Con Colin Farrell, David Tennant, Anton Yelchin, Imogen Poots y Toni Collette
Dirige Craig Gillespie
EU 2011

Colin Farrell, Vampiro estilo Hollywood

2011-09-02T13:12:00.013-05:00

El actor regresa a las pantallas con el papel de un chupasangre en el remake de Noche de Miedo.

Miguel Cane

Hace unos pocos años, Colin Farrell (Irlanda, 1976) saltó a la fama casi como si hubiera aparecido de la nada, con participaciones en filmes como Minority Report (al lado de Tom Cruise y dirigido por Steven Spielberg) y a las planas de escándalos en los periódicos, principalmente por su comportamiento rebelde, sus fiestas constantes y su abuso de sustancias. Sin embargo, esto no pareció afectar su trabajo: se trata de un actor sólido y versátil, muy solicitado por grandes cineastas, como Peter Weir, Neil Jordan, Terrence Malick y Oliver Stone. Los últimos años, los pasó alejado de Hollywood, rodando títulos independientes como Escondidos en Brujas (2008), Ondine (2009) y Camino a la Libertad, y ahora regresa al circuito comercial con una cinta de terror salpicada de elementos cómicos basada en un filme de los 80 Fright Night, en el que encarna a un seductor vampiro que llega a instalarse en un tranquilo vecindario, para horror de su joven vecino.

Es una sorpresa que decidieras volver a Hollywood en una cinta de género...
Se me antojó mucho cuando me la ofecieron, ¿sabes? Pensé, ¿por qué no? No iba a ser un rodaje muy largo y era divertido. Tenía ganas de divertirme, llevaba una época haciendo muchos dramas con personajes muy extremos y complicados. Todos los filmes que hice estos últimos cinco años trataban temas profundos y serios. Eso está muy bien y me encantó hacer cada uno de esos filmes, pero también tenía ganas de hacer algo distinto a lo que había hecho en los últimos años. Tenía la confianza para ello y dije que sí. Me dio la gana hacer algo loco.

Tu vampiro, Jerry, es muy distinto a los de Crepúsculo...
Oh, sí. Es que esos no son vampiros. Son para nenas. (se ríe) ¡Este es un vampiro de sangre caliente! Un verdadero monstruo. Esta película no tiene nada qué ver con Crepúsculo y creo que no le va a gustar a las chicas que son su público. No tengo nada en contra de esas películas, la verdad. A la gente a la que le gusta eso, eso es la clase de cosa que les gusta, pero aquí quisimos hacer una historia de vampiros que metiera miedo de verdad. Es decir, es una película de terror, pero también tiene otros elementos: hay mucho humor negro, mucha ironía. Jerry es un gran personaje.

¿Cómo te sentiste al interpretarlo?
Me encanta el trabajo que hizo Chris Sarandon, en la versíón original. Él le dio el visto bueno al proyecto e incluso se animó a participar en una escena como guiño a los fans. Su vampiro era digno, elegante y amenazador, pero yo no quería que fuera igual. Mi vampiro es más cruel y malévolo, muy sexual y arrogante. Con mucho carisma. Sin miedo, sin remordimientos y nada romántico. Que el personaje fuera distinto resultó liberador. Estaba harto de ver a los vampiros como tú dices, al estilo Crepúsculo. Quise sacudirlo un poco. Le dije a Craig (Gillespie, el director) que quería darle la vuelta y me dio carta blanca. Eso es algo que se aprecia, el poder colaborar en la creación de tu personaje.

Pero además, un factor decisivo para que la hicieras, fue trabajar con Gillespie, ¿cierto?
Es verdad. Soy su admirador desde que vi Lars y una chica de verdad. Me encantó, creo que es una gran película. Así que le dije, “oye, si haces otra pelicula, la que sea, yo quiero participar.” Por eso fue que me hizo llegar el guión de esta versión de la película. Es muy fiel al tema original, que cuando era yo chico me encantó. Hablé mucho con Craig sobre cómo quería hacerlo. Lo vi como una especie de adicto en crisis.

¿Un adicto?
Claro. Así como hay quienes tienen una adicción al alcohol o a las pastillas – y eso es algo de lo que sé de primera mano, Jerry es un adicto a la sangre humana. Siente una fascinación enferma por los humanos. Es algo parecido a cómo mira un niño pequeño a una mariposa antes de arrancarle las alas. Su conflicto es ese y lo comprendo. Yo no bebo una gota de alcohol desde que hace seis años fui a rehabilitación. Es por mis hijos, ¿sabes? (James tiene siete años, y Henry, dos). Es dificil al principio, pero lo consigues. El vampiro, en este caso, es dominado por su adicción. Y estar así es algo terrible, por eso encontré en él una serie de características que me interesaron. Por eso te digo, no tiene nada que ver con los “vampiros” de ahora, que ves en la tele y en otras cosas. No tiene nada de romántico.

Eres un actor famoso ahora, pero tampoco fue un camino fácil.
Al comienzo de la carrera de un actor no existen las opciones. Vas a todas las audiciones que puedes y simplemente esperas una respuesta. Así me ganaba la vida, pero ahora sé que soy un afortunado. Tuve suerte muy pronto y desde hace años he podido elegir lo que quería hacer. Mi intención es buscar experiencias dispares. Cuantos más contrastes pueda tener en lo que hago, mejor.

¿Por qué buscar el contraste, desafiar lo cómodo? Otros estarían felices con tener algo seguro.
Yo soy así. Yo no hago esto o lo otro por llevar la contraria, es solo que me gustan los retos y hacer cosas que me sorprendan y que sorprendan al público también. En mi vida soy así también: Yo soy como soy, vivo mi vida, no hago daño a nadie, trabajo en lo que me gusta y perfecciono mi talento -mucho o poco- para disfrute de los demás. ¿Por qué despistar a la gente con otras cosas? Soy afortunado, pero tampoco me quiero quedar estancado. Si hiciera el mismo tipo de películas todo el tiempo, a la segunda ya estaría muy aburrido. Además, no soy tonto. Sé lo que puedo hacer y lo que no. Yo no pagaría por verme en una comedia romántica, porque no tengo el tipo, la ligereza para hacer una. Admiro a los que pueden, pero yo no. No me sale.

Pero la ciencia-ficción sí, ¿por eso aceptaste hacer la nueva versión de Total Recall?
Claro. Fue una buena oferta. Económicamente me viene bien y me gusta ese tipo de películas, para romper un poco el molde. ¿Quién sabe qué haré después? He hecho otras películas a cambio de casi nada... y no me importa. Si quedo satisfecho, lo vale.

Irlanda sigue siendo importante para ti.
Siempre. Muchísimo... y duele estar tan lejos. Soy irlandés hasta lo más profundo y echo inmensamente de menos mi tierra. Es el precio que tengo que pagar por dedicarme a esto. El teléfono es mi cordón umbilical con mis orígenes, con mi familia, con mi gente... Llevo más de un año sin pisar Irlanda y empiezo a pensar que estoy pagando un precio desgraciadamente elevado.

¿Dejarías lo que tienes por volver atrás?
No, no. Ni un paso atrás. ¡Sería una idiotez retroceder! Me has costado mucho lograr mi sueño de ser actor y, ahora que he conseguido que me respeten y valoren, no voy a tirarlo por un golpe de nostalgia. Quiero disfrutar de lo que tengo, pero me gustaría poder gozar más de las cosas que realmente me hacen feliz.

Amor llama dos veces, El / Larry Crowne, de Tom Hanks

2011-08-27T16:49:00.010-05:00

El mínimo esfuerzo

Miguel Cane

Tuvieron que pasar 15 años, para que Tom Hanks regresara detrás de las cámaras después de su debut con la ligera, amena y pop-nostálgica Eso que tú haces, que gustó bastante, estaba bien realizada y en la que Hanks, director y guionista, tomaba un lugar secundario como actor, conteniéndose, para contar una buena historia. En su retorno a la silla de director, El amor llama dos veces, Hanks tiene que lidiar con otro tipo de concepto: un guión blandengue, complaciente y de segunda, a cargo de (¡sorpresa!) Hanks y Nia Vardalos (que después de la Boda Griega no ha vuelto a dar pie con bola) y una estrella que pesa demasiado para una película tan inferior: él mismo.

La trama, en sí, es un cliché. Amable, pero no por ello, menos cliché. Larry Crowne (Hanks) es un líder de primera en una gran compañía, donde trabajó desde que salió de la marina, que de pronto se queda sin empleo. Con una hipoteca disparatada, por una vivienda devaluada, y sin saber qué hacer con tantos días libres, de repente, Larry sigue los consejos de sus amigos y se inscribe en una universidad local para volver a empezar.

Ahí, Larry, como “pez-fuera-del-agua”, se junta con unos jóvenes que andan en motonetas que le pintan a Larry un futuro muy diferente al que se imaginaba y aprende a ser amigo de una generación que no conocía, bien buena onda. Como es natural en este tipo de cintas, Larry empieza a sentirse atraído por su guapa profesora, Mercedes (Julia Roberts), que ha perdido toda la pasión, tanto por la enseñanza como por el baquetón de su marido, Dean (Bryan Cranston, de Breaking Bad). Mercedes no puede negar que los cambios en Larry son una inspiración, ni tampoco su creciente atracción por su alumno madurito. El resto, no tiene sorpresas y usted lo puede adivinar sin necesidad de gastarse su dinero, que tanto cuesta ganar, en ver esta cosa condescendiente y anodina.

La química entre Hanks y Roberts es vaga, por no decir casi nula –si ni el mismísimo Mike Nichols logró encontrarla en Charlie Wilson's War, hace unos años-- y la película obviamente lo resiente. Usted ya vio esta película antes, con otros personajes pero una misma trama y el mismo “mensaje positivo” metido con calzador.

Si fue un fracaso en su país de origen (y no le demos vueltas: fue un fracaso, Harry Potter la hizo polvo), obedece al hecho de que pese a sus monas intenciones y realización competente, es una mala película. No es mi intención, por supuesto, que usted prejuzgue ni tampoco decirle que no la vea (el crítico de cine no es madre del espectador, ni mucho menos), simplemente cumple uno con la función de informar a usted que está ante un producto que, pese a estar bien hecho, no es un satisfactor. Acceda a la sala, bajo su propia cuenta y riesgo. Es una pena que a estas alturas del partido, Hanks, la Roberts y Cranston (que es un actor enorme) tengan que hacer esto para estar vigentes y cobrar un cheque.

El amor llama dos veces/Larry Crowne
Con Tom Hanks, Julia Roberts, Taraji Henson, Wilmer Valderrama y Bryan Cranston.
Dirige: Tom Hanks
EU 2011

Mélanie Laurent canta "En t'attendant"

2011-08-27T16:48:00.006-05:00

Rachel Weisz cuenta la verdad

2011-08-25T20:21:00.002-05:00

Ganadora de un Oscar, estrella por mérito propio, esta belleza inglesa protagoniza Secretos Peligrosos.

Miguel Cane

De serena belleza elegancia natural y larga cabellera oscura, Rachel Weisz (Londres, 1970), ha tenido una carrera diversa, y aclamada que incluye trabajar con grandes cineastas como Bernardo Bertolucci y un muy merecido Oscar por su papel en El Jardinero Fiel, donde interpretó a una apasionada activista cuyo marido se propone descubrir la verdad tras su asesinato. Ahora, en Secretos Peligrosos, dirigida por Larysa Kondracki, se mete en la piel de un personaje real: Kathy Bolkovac, una agente de policía de Nebraska, que en el 2000 viajó como voluntaria a Bosnia en una misión de paz y descubrió par su horror, cómo responsables de la ONU y otras ONGs se confabulaban con grupos de mafia para agilizar el tráfico humano con jovencitas. El caso llegó a titulares internacionales, sobre todo porque al descubrir esta red de corrupción, Bolkovac puso en riesgo su vida.

Este es un proyecto personal que has ido preparando desde 2006, ¿por qué ha tardado cinco años en llegar a los cines?
Cuando leí el guión yo estaba embarazada y pensé que era un trabajo de escritura increíble y un gran guión y una historia muy importante, pero creo que porque estaba embarazada era un poco angustioso para mí enfrentarme con él en ese momento. Pero nunca lo olvidé. Me persiguió por años.

¿Qué te cautivó de la historia?
El que forma parte de uno de mis géneros cinematográficos favoritos, una especie de thriller que es una historia de David y Goliat sobre una mujer normal que hace cosas extraordinarias, como en Erin Brockovich. Son madres que hacen sus trabajos y se encuentran con una injusticia y simplemente la persiguen. Se vuelven imparables y no se dan cuenta de que están haciendo algo heroico. En El Jardinero Fiel era Tessa, una mujer de alta sociedad con ideas progresistas, que es muy compasiva y alborotadora y Kathy no es así en absoluto. Ella es policía, es de clase obrera, es menos sofisticada que Tessa. Literalmente sólo estaba haciendo su trabajo. No estaba allí para causar problemas. Quería ayudar a la gente. Tenías ideas realistas que encarna la ONU y no puede evitar hacer lo que hace, porque para ella es lo correcto. Me inspiran enormemente las historias como la de Kathy, no porque la quiera emular, no tengo nada que ver con ella y si estuviera en su situación me hubiera ido a casa sin hacer nada. Estaría demasiado asustada. No llevo eso en mi naturaleza. No soy tan valiente como ella, o como en su momento lo fue Tessa, que estaba inspirada en la activista Yvette Pierpaoli, que también fue asesinada.

¿Qué es mejor, o diferente, sobre trabajar en una película más pequeña y de bajo presupuesto, como esta, a diferencia de una superproducción?
Son muchas cosas. Por ejemplo, la cantidad de escenas que teníamos que rodar al día era muy, muy grande, nadie estaba allí para hacer dinero, todo el mundo allí era realmente apasionado. Y muchas veces teníamos que ingeniarnoslas para hacer ciertas cosas con menos recursos. Pero también le pones más corazón a lo que haces. Por otra parte, tuve la suerte de poder trabajar con grandes actores como David Strathairn y Vanessa Redgrave, que son enormes maestros y muy generosos. Entonces los puedes ver trabajar más de cerca y aprender de ellos. En una película independiente hay más cercanía. En los estudios, todo es más controlado, menos espontáneo.

Las películas con un gran presupuesto atraen la fama y tú eres una celebridad. ¿Te molestan las invasiones a la privacidad, especialmente ahora?
Realmente soy afortunada, ¿sabes? No tengo ninguna invasión de privacidad. Sí, claro, me sacan fotos en el aeropuerto, porque ahí es donde están los paparazzi, en alfombras rojas y aeropuertos. Pero el resto del tiempo, me dejan en paz. Voy por todas partes de lo más despreocupada. Llevo una vida normal.

Te casaste hace poco con Daniel Craig. ¿Es más fácil convivir con alguien que tiene el mismo ritmo de vida y actividades que tú?
Supongo que sí, aunque es un elemento completamente aleatorio. Tanto él como yo veníamos de relaciones largas con personas que se dedican a hacer cine. Pero creo que lo importante es la comunicación, la empatía, el amor. Esos elementos son claves para todo tipo de convivencia. Tengo una buena relación con el padre de mi hijo (el cineasta Darren Aronofsky) porque terminamos en buenos términos. Con Daniel hay una relación completamente distinta. Es una cuestión de acoplarse, no sé cómo podría explicártelo, pero me entenderán. De hecho, la fórmula es bastante sencilla: es solo cosa de amar estar con quien estás.

Recuadro:
OTROS “CHIVATOS”

En Secretos Peligrosos, la cineasta Larysa Kondracki relata el caso de Kathy Bolkovac, una oficial de policía que expuso una red de corrupción que llegó a los más altos niveles de la ONU. Pero este no es el único caso de cintas que cuentan historias de personas valientes que rompen el silencio para denunciar diversos peligros, arriesgando sus vidas.

*Serpico (Sidney Lumet, 1973)
Al Pacino está increíble como el oficial Frank Serpico, quien en los años 60 y 70 denunció corrupción entre sus compañeros de la policía de Nueva York. Sus denuncias no solo le costaron el ostracismo de sus compañeros, sino que también pusieron en peligro su vida. Serpico aún vive y sigue siendo considerado una figura muy importante en la lucha por erradicar la corrupción de los cuerpos policiacos en la urbe más agitada del mundo.

*Silkwood (Mike Nichols, 1984)
Meryl Streep obtuvo su cuarta nominación al Oscar por su interpretación de Karen Silkwood, una humilde madre soltera, que trabaja en una planta que fabrica cartuchos de plutonio para una planta nuclear. Cuando descubre que hay corrupción corporativa en la planta, decide hablar con los medios, aún cuando hay quienes ponen un precio a su vida. El caso real concluyó en 1974, cuando Karen murió en un misterioso “accidente”.

*Marie (Roger Donaldson, 1985)
Sissy Spacek fue aclamada por la critica por su interpretación de Marie Ragghianti, una madre de familia que en 1977 fue destituida de su puesto en la mesa directiva de libertad bajo palabra del tribunal de Tennessee, al llevar a cabo una investigación que implicaba corruptelas en el sistema penal. Marie fue difamada por los medios locales, pero llevó su querella civil ante la suprema corte y logró mandar a la cárcel a varios importantes miembros del ministerio de justicia de su estado.

*El Informante (Michael Mann, 1999)
Russell Crowe causó furor al transformarse en Jeffrey Wigman, ejecutivo de una compañia tabacalera que, al sufrir una crisis de consciencia, decide hablar con el programa 60 minutos (cuyo productor es interpretado precisamente por Al Pacino), para hacer revelaciones que afectarían para siempre a la industria y la percepción pública de sus productos, aún si el precio que tiene que pagar puede ser demasiado alto. La actuación de Crowe es tan sensacional, que hay quienes afirman que el premio Oscar que recibió en 2001 por Gladiador, en realidad se lo merecía por esta memorable cinta.

Beginners, así se siente el amor / Principiantes / Beginners, de Mike Mills

2011-08-24T21:12:00.028-05:00

Francisco Peña

“Mi nombre es Anna. Estás preocupado porque no puedes confiar en mí porque no sabes quién soy. Entiendo, eso lo puedo comprender.” – Anna (Mélanie Laurent).

Beginners, así se siente el amor, es una joya muy disfrutable para los amantes del buen cine. El film, dirigido y escrito por Mike Mills, equilibra con delicadeza temáticas poco usuales con una realización que recrea las mejores visualizaciones del cine independiente norteamericano. Artísticamente el resultado está muy por encima de la línea de flotación del insípido cine comercial hollywoodense. Es una delicia para el público que gusta de los retos en pantalla tanto para su inteligencia como para su gusto visual. En síntesis, es una cinta que hay que ver.

Por la parte temática Beginners, así se siente el amor, seduce al espectador al interrelacionar tres mundos en apariencia inconexos: las relaciones amorosas de una pareja heterosexual; la diversidad sexual cuando un esposo, después de 45 años de matrimonio, revela que es gay y se acerca a la cultura de la diversidad sexual para vivir su preferencia; el mundo de los adultos mayores que confrontan enfermedad y muerte.

Planteado así suena como una película muy “dramática”, pero una de las múltiples virtudes de Beginners (“Principiantes” en España) es plantear la relación de estos temas en forma muy humana y accesible.

El crisol donde se entrelazan las temáticas en el film es la familia como protagonista conjunta, que atraviesa por distintas etapas fuertemente condicionadas por la Historia, los cambios sociales una comunidad y los paradigmas ideológicos que la “definen”, y que son promovidos por los medios de comunicación y el sistema político. Así la familia Fields, en apariencia, es una familia “normal” de acuerdo a los paradigmas ideológicos de los años 50 en la sociedad estadounidense: sus miembros son heterosexuales, blancos, protestantes y anglosajones. Al “cumplir” con estos paradigmas sólo ellos “tienen derecho” a la felicidad tal y como es descrita en los medios de comunicación y publicidad (en 1955). Pero la cinta se ubica en 2003 como su presente, con paradas históricas en 1948, 1963, 1975 como marcas de cambios sociales decisivos en Estados Unidos.

El contexto cultural e histórico que marcan esos años (1948, 1955, los años 60, 1975, 2003) se refleja en el microcosmos familiar de los Fields, finalmente condicionados por los paradigmas ideológicos de cada época en la que creció cada generación. De esta forma, el padre Hal (Christopher Plummer), la madre Georgia (Mary Page Keller) y el hijo Oliver (Ewan McGregor) viven en apariencia la “felicidad y armonía” de una familia con ideales de los 50’s.

Pero la realidad es otra. No hay tal cosa como una “familia normal” sino una forma de vida “mayoritaria” –que no es única- y que esconde otros múltiples tipos de familia que son invisibles. La familia “normal” Fields oculta sus propias contradicciones internas aún entre sus propios miembros y resulta ser, en el fondo, tan “anormal” como cualquier otra familia humana en cualquier país del mundo.

Ya en 2003, después de la muerte de Georgia, la madre, las contradicciones familiares salen a flote. A los 75 años, Hal Fields confiesa a su hijo Oliver que es gay, que es un hombre homosexual que ha tenido un matrimonio por 44 años y que a partir de ese momento decide asumir pública y socialmente su homosexualidad de manera activa. No sólo eso, sino que busca de manera activa una pareja masculina para ser feliz a pesar de las condicionantes derivadas de su propia edad.

Oliver tiene sus propios problemas sentimentales con las mujeres, con una larga fila de fracasos, derivados de su infancia y adolescencia en esa familia. Así es como “siente el amor” y es la revelación de su padre (de que es gay) la que lo pone en camino de confrontarse a sí mismo, entenderse, darse una oportunidad real de amar a una mujer y ser feliz.

Sólo que la mujer de la que Oliver se enamora en 2003 es Anna (Mélanie Laurent), que también viene de una familia “normal” perfectamente “disfuncional”. La chica también “siente el amor” de forma heterodoxa: su relación con su medio social se resuelve con una migración constante entre varios cuartos de hotel en diferentes ciudades. La huída de Anna de sí misma es externa… geográfica; la huída de sí mismo de Owen es interna… psicológica.

Con estos cuatro personajes la cinta de Mike Mills se embarca en un interesante e inteligente cuestionamiento social y presenta varias ideas interesantes para que los espectadores obtengan sus propias respuestas.

La familia “normal” es sólo una “ilusión ideológica” sustentada en la cotidianeidad, en “dulces costumbres”. Por ejemplo, Mills la presenta en una edición compactada de los diferentes besos de despedida entre Hal y Georgia cuando él sale al trabajo y que Owen observa. Poco a poco ve que entre los padres hay cariño, quizás un amor amistoso pero algo falta. La repercusión en Georgia es un alcoholismo controlado y soledad, en Hal es distanciamiento de su esposa e hijo, en Owen en inseguridad (como tener que salvar a su madre de situaciones sociales inconvenientes sin entender la causa profunda). Es decir, la familia tiene miembros con una psicología diversa entre sí que no corresponde al “ideal ideológico”.

*En ese sentido, todo el film tiene una atmósfera “extraña” (weird) que remarca continuamente la distancia entre realidad e “ilusión ideológica – mito histórico” de una época determinada. Eso se logra por medio de resúmenes históricos con imágenes y monólogo de Owen, que se repiten con variaciones en distintos puntos de la película y que señalan dicha confrontación.

Owen: “Este es 2003, así se ve el Sol (a color)… y las estrellas. Este es el presidente (foto de Bush hijo). Y este es el Sol en 1955 (en blanco y negro)… y las estrellas… y el presidente (foto de Eisenhower). Mis padres se casaron en 1955 (varias fotos de parejas heterosexuales blancas, protestantes en sus bodas y con pastel, muy sonrientes, besándose, en blanco y negro). Tuvieron un hijo y estuvieron casados 44 años (enfermera y recién nacido b&n) hasta que mi madre murió (los besos cotidianos de despedida en color)…”

A lo largo de la cinta, se observa como los miembros de la familia son diversos pero están condicionados por el ambiente de su momento histórico, y la discriminación social cuyas manifestaciones también se van transformando a lo largo de los años. Tan es así que cada uno de ellos ha manejado su vida con la preocupación de ser víctimas de la discriminación abierta y soterrada que permea la sociedad estadounidense.

En el armado de la narración el público descubre que Georgia ocultó que era judía por temor a la discriminación laboral, familiar (sólo le dice a Owen que es ¼ judío) y social (el desprecio de las amigas adolescentes) que podría sufrir en su vida por el solo hecho de ser judía. Hal oculta 44 años que es gay por los mismos motivos de discriminación (razzias policíacas en los 50 contra los gays) y sólo lo sabe su mujer Georgia. El que Georgia lo sepa y lo acepte también se debe a un “paradigma ideológico” cuya justificación es “científica”: en 1955 la homosexualidad era considerada una “enfermedad”, pero que además era “curable” (desde tandas interminables de electroshocks en el cerebro hasta curaciones psicoanalíticas). En el momento de su matrimonio, Georgia consideraba que Hal estaba “enfermo” y ella podía “curarlo” y cambiar su sexualidad, incluso le dice “Yo lo arreglaré – I’ll fix that”. Georgia y Hal sólo actuaron conforme a las “ilusiones ideológicas” y “científicas” de su momento.

Por su situación familiar, cuyas raíces profundas desconoce hasta la confesión de su padre, Owen crece con su propia inseguridad frente a las mujeres, y enfrenta otro tipo de discriminación social menos aparente que la de sus padres: sus amigos y amigas le cuestionan su inestabilidad emocional y su falta de pareja, lo que lo margina en eventos sociales. Pero Owen es producto de otro momento histórico por lo que acepta la confesión de su padre, lo trata como persona y lo alienta en su nueva relación. En la juventud de Owen se da el nacimiento del movimiento de protesta gay. En 1975 surge la Bandera del Arcoíris y ocurren los asesinatos de Harvey Milk y el alcalde Moscone en San Francisco, por un homofóbico desequilibrado (Universal también distribuyó la excelente cinta Milk, 2008, de Gus van Sant, con Sean Penn, visible en DVD). Estos acontecimientos también tienen su resumen en pantalla (Este es el presidente… con foto a color de Jimmy Carter), por lo que se relacionan claramente con Owen como un producto de su tiempo.

Así que la familia no es “normal”; ni Hal, Georgia, Owen o Anna son “normales”. Mills, como guionista y realizador muestra a su público que todo ser humano –todos y todas- somos diversos, y que la Igualdad, entre otras cosas, se refiere a tener opción a la felicidad en igualdad de condiciones que el resto de la población, lo que implica igualdad de derechos como se presenta con claridad en la cinta Milk. La otra vertiente de la Igualdad se da en los sentimientos y emociones, que se pueden manifestar de distintas formas pero que esencialmente todos y todas compartimos: amar y ser amados, por ejemplo, son rasgos que todos compartimos, y en ese sentido no somos tan diferentes en lo referente a las necesidades básicas de todo ser humano.

En el film, el caso más claro de lucha por la Igualdad se da en el personaje de Hal, el padre gay. A partir del acto de sinceridad con su hijo respecto a su homosexualidad, y en contra de “la ilusión ideológica” de que el adulto mayor ya no tiene utilidad social, Hal se embarca en una actitud vital que lo lleva a buscar su pareja gay por el tiempo que le quede de vida. Se une al movimiento gay y toma parte activa en éste, descubre nuevas amistades y las disfruta, trabaja y se organiza. Finalmente Owen lo observa y comenta, sin dejo de amargura u homofobia, que ve a su padre enamorado y feliz como merece todo ser humano.

Sin embargo, en el mismo Hal se entrecruza otra variable: su edad. Descubre que no pasa por situaciones discriminatorias abiertas por ser gay, como resultado de la lucha del movimiento gay por sus derechos; las sufre por ser un adulto mayor en el trato de cierto personal de enfermería. Frente a la aceptación de su edad por parte de su pareja gay, que es un hombre mucho más joven, está la actitud social frente a su carácter de adulto mayor. Sin embargo, queda claro al público que en la sociedad estadounidense el rechazo al adulto mayor es mucho menor que en México. En nuestro país, la sociedad mexicana con su discriminación abierta y deshumanizada condena a que el 85 por ciento de sus adultos mayores no tengan empleo; que sólo el 30 por ciento de los adultos mayores tenga algún tipo de seguridad social… claro, sin mencionar que muchas pensiones y jubilaciones son de hambre.

En cambio, Owen establece una sana relación con su padre no sólo en su carácter de gay sino también de adulto mayor. La confesión de su padre, en lugar de alejarlo lo acerca. Durante el período de su enfermedad consigue reestablecer el vínculo afectivo y eso lo lleva a verse a sí mismo, darse la oportunidad de cambiar y tener una relación sentimental con una nueva compañera. El cimiento de este cambio motivado es la honestidad del padre y la comprensión del matrimonio de sus padres.

Es pues el momento de hablar de Anna (Mélanie Laurent), la joven actriz. Es quizás, el personaje más difícil de desentrañar por parte del público. Su presentación en el film es simbólica: muestra la “extrañeza” (weird) de la supuesta “normalidad”. Durante buena parte de la cinta Anna no habla sino que escribe para conversar con Owen: se conocen en una parodia de psicoanálisis, Owen disfrazado de Freud y Anna vestida de hombre como paciente que no habla.

A lo largo de sus encuentros y desencuentros, Anna se revela como una gente que escapa de la relación con su padre y su hogar “normal” en una constante huída hacia adelante por medio de distintas ciudades y cuartos de hotel. Al ser el personaje más joven es evidente que ya no tiene actitudes discriminatorias ni las sufre; sin embargo, sigue en la búsqueda de la igualdad. Ya no se trata de una igualdad de derechos y leyes sino de trato de género en sus facetas emocionales. La pareja de la cual se enamore Anna, para la cual “sienta amor”, debe primero respetar su irrestricta libertad de ser cómo es. Cualquier compromiso sentimental que ella acepte debe estar acompañado por parte de su compañero de una aceptación plena de su forma de ser.

Anna no sólo no habla en buena parte de la cinta (por motivos naturales, no por pose snob) sino que marca la frontera en los primeros acercamientos: aceptar pasar la noche en el departamento de Oliver pero sin tocarse. Dormir es dormir. Owen pasa la prueba y, a su vez, Anna cede libremente una parte de sí misma: habla.

A partir de ese momento Anna convive con Owen en múltiples situaciones cotidianas que, para el cine hollywoodense superficial, en apariencia no tienen valor (es más, ni siquiera aparecen con frecuencia en pantalla: desayunar, comer, mostrar la casa, platicar lo ocurrido en el día). A lo largo de estas situaciones cotidianas Anna va calibrando el carácter y sentimiento de Owen hacia ella; percibe su inseguridad, que aunada a la propia, la lleva a un aparente punto de no retorno. Sin embargo, la cotidianeidad es lo que le permite a Anna ser el personaje más libre, más cómico y humano de la narración. Es así como ella deja atrás la desconfianza y se acerca más a Owen tomando siempre la iniciativa en los momentos más significativos. Tal pareciera que Anna ejecuta la dialéctica de “La Zorra y el Principito” (en El Principito, de Saint-Exúpery) donde, para que la zorra y el principito sean amigos, ella se acerca un poco más cada día hasta estar juntos; cosa que sería imposible si el principito se juntara de golpe a ella sin una previa construcción de la mutua confianza.

En ese sentido, lo que pide Anna es una equidad de género emocional y real, no construida en un falso discurso “igualitario” donde lo que se dice no corresponde a las acciones reales. Desea que Owen la tome como es para ella, a su vez, tomarlo como él es en igualdad de condiciones. Cuando ella percibe que la relación no camina y Owen la despide, puede marcharse… aunque con la intuición de que la relación podría renovarse si Owen se renueva a sí mismo.

En ese sentido, el padre Hal y la chica Anna comparten y convergen en algo, cada quién a su manera: el ejercicio de la libertad personal y la búsqueda de la igualdad afectiva. La liberación del primero permitirá que la chica encuentre a un verdadero compañero y, quizás a partir de ese encuentro sincero con Owen, dejar de migrar incesantemente y quedarse en un solo lugar con un solo compañero. En ese sentido, Anna es una chica postmoderna y postfeminista; ahora la meta parece estar en otra parte: en la igualdad de género, en la igualdad afectiva.

Eso no implica que Anna haya renunciado a sus convicciones, de lo cual Owen es testigo –sufrido en ocasiones- en varios momentos de la narración. Ella es actriz y se debe a su carrera, es libre y no se deja amarrar por los chantajes emocionales del padre, es mujer libre y no se deja someter, no acepta ataduras emocionales sino mutua aceptación. En síntesis, Anna es el personaje más rico y satisfactorio del film de Mike Mills.

Todas estas interrelaciones de los personajes (sus características emocionales, psicológicas e ideológicas) no serían tan disfrutables por parte del espectador si no estuvieran acompañadas de una excelente factura cinematográfica.

Por principio de cuentas parte del gran atractivo del film, distribuido por Universal, es que el público tiene un papel activo en el armado de la historia de la familia Fields y en los procesos amorosos de Owen y Anna; de Hal, Georgia y a la muerte de esa, de su nueva pareja Andy (Goran Visnjic). Esto se debe a que la forma narrativa del film es modernista (¡ya nos hacía falta ver algo así!) y por lo tanto no es lineal. Sus tiempos están fragmentados y a partir del presente de 2003 hay flashbacks a las distintas épocas del pasado. Pero no sólo eso, hay flashbacks dentro de los flashbacks. Todos los saltos temporales, algunos de ellos realizados con una extraordinaria edición a cortes directos (otro de los atractivos del film) van aportando datos históricos, sociales y, sobre todo, psicológicos y existenciales de los personajes.

El público activo, cinéfilo, que sabe que el Cine puede ser y es el Séptimo Arte, va estructurando la narración y las imágenes alternadas para descubrir una historia rica en matices y conceptos, como se ha descrito antes.

Con este enfoque, reitero que las situaciones cotidianas son muy significativas en el guión. Rechazadas por el Hollywood más superficial que ni siquiera las pone en pantalla, aparecen en este film como aparentes tiempos muertos en diálogos y acciones que, sin embargo, no lo están. En esas situaciones siempre ocurre algo, siempre hay movimiento de cámara y los diálogos aparecen poco a poco para irse sedimentando. Estos tiempos muertos si están vivos y gozan de buena salud.

Al final, esa cotidianeidad acumulada por capas experimenta un fuerte cambio cualitativo y salta más allá: ocurre algo inesperado que ilumina y nos hace entender la importancia real de todo lo que hemos visto antes. Ese momento es muy disfrutable para el espectador, es el momento de la comprensión estética, el mayor goce que produce Beginners como película.

Como colofón, este disfrute estético del espectador no sería posible sin un magnífico trabajo actoral y una dirección de Mike Mills que cuida el mínimo detalle sin ser obvia.

Christopher Plummer, toda una institución en la historia del cine, le da a Hal una vitalidad inusual, un goce de la vida a los 75 años que ya quisiéramos muchos de edades menores. Su actuación tiene un registro de baja intensidad pero pleno de matices en las reacciones del personaje ante sus circunstancias. Sin duda, Plummer es un clásico del cine.

Ewan McGregor nos enseña una faceta diferente a sus trabajo más conocidos (Obi Wan Kenobi, claro) y nos aporta un registro de emociones contenidas más cerrado que el resto de los actores y actrices. Sin embargo, Owen-McGregor maneja con mucha destreza la expresión facial que se convierte en el eje para plasmar en pantalla los cambios emocionales del personaje y su madurez final.

A pesar de que Georgia está poco tiempo en pantalla, Marie Page Keller hace un trabajo extraordinario con los ritmos del cuerpo para expresar la frustración, impaciencia y hastío de su personaje.

Finalmente, quien a mi juicio tiene la labor actoral más destacada es Mélanie Laurent como Anna. Es un personaje difícil por los altibajos que vive aunque siempre enmarcados en su meta final de igualdad afectiva dentro de la igualdad de género. Laurent acomete la tarea con la herramienta gestual centrada particularmente en ojos y labios; a partir de ellos desarrolla toda una gama de sentimientos que van desde el desengaño y la depresión a la risa abierta y libre. Incluso su actuación no está exenta de picardía (única entre los personajes) al percibir lo inseguro que se siente Owen frente a ella, no sólo en lo sexual sino en lo existencial. Esa brillante mezcla de picardía, atracción y comprensión frente a las debilidades del Otro sólo puede ser tripulada por buenas actrices.

En síntesis, Beginners, así se siente el amor, es un excelente film que hay que ver. Sus planteamientos acerca de la discriminación social y cómo condiciona la vida íntima de los individuos, así como la búsqueda de la igualdad afectiva de las personas, no dejarán indiferente a un público ávido por disfrutar un film respetuoso de su inteligencia y capacidad de goce estético y que, finalmente, no sólo lo trata como un espectador sino como un digno ser humano.

Beginners, así se siente el amor (México) / Principiantes (España) / Beginners (EUA)
Duración: 105 minutos. Año: 2011. Director y guión: Mike Mills. Música original: Roger Neill, David Palmer, Brian Reitzell. Fotografía: Kasper Tuxen. Montaje: Olivier Bugge Coutté. Reparto: Ewan McGregor (Oliver Fields), Christopher Plummer (Hal Fields), Marie Page Keller (Georgia), Goran Visnjic (Andy) y Mélanie Laurent como Anna. Distribución: Universal.

Secretos peligrosos / The Whistleblower, de Larysa Kondracki

2011-08-21T10:56:00.012-05:00

La mujer que sabía demasiado

Miguel Cane

La cineasta debutante Larysa Kondracki fue la elegida por Rachel Weisz para dirigir Secretos peligrosos (The Whistleblower), interesante melodrama de carácter político, ostensiblemente basado en el caso real de Kathryn Bolkovac, una policia del estado de Nebraska, que fue contratada por la reconocida compañía militar privada, DynCorp, para investigar una serie de irregularidades ocurridas durante la época de la postguerra en Bosnia.

A su llegada a la localidad, Bolkovoc descubre que una considerable cantidad de oficiales de la ONU y la misma compañía estaban implicados en el tráfico de jovencitas que fueron engañadas con trabajos falsos, la mayoría de ellas del este de Europa, y llevadas a la región como esclavas sexuales. Pero este descubrimiento lejos de llevar a la polícia a su cúspide como custodia de la ley y los derechos, le traería una serie de dificultades que incluyó la compra de testigos falsos para encubrir el hecho y enlodar su labor como investigadora.

Su lucha por revelar esta red de corrupción llegó a titulares internacionales y puso en riesgo su vida y eso es lo que la cinta va narrando, siguiendo la fórmula probada por Sidney Lumet en Serpico (1973) en la que Pacino se transformaba en Frank Serpico, agente de la policía de Nueva York que al ir ascendiendo a detective, descubría toda serie de corruptelas y las denunciaba, pagando por su honradez casi con su vida.

La Weisz está muy bien como Bolkovac, una mujer valerosa pero también humana, con defectos y con inseguridades, que le dan una dimensión al personaje (si hubiera sido una heroína de ficción, posiblemente el balance habría sido diferente) y la hacen empática al espectador. Y es importante que lo consiga, porque es en los hombros de la actriz donde recae el peso de la cinta y es algo muy delicado, puesto que podría caer en exageraciones y Weisz siempre mantiene su presencia e interpetación bajo control, muy al estilo de Meryl Streep en Silkwood (de Mike Nichols, que tenía una temática similar). Un reparto internacional acompaña a Weisz: Monica Belluci (totalmente desprovista de su aura sexy como una burócrata oficiosa y odiosa), David Strathairn y la monumental Vanessa Redgrave como Madeleine Reece, el principal soporte de Bolkovac.

La cinta es ágil e inteligente. Se deja ver muy bien, y es un trabajo que invita a enterarse más acerca de la horripilante realidad del tráfico de personas. Su realización es aceptable y funciona, si bien, en manos de un director más avezado, hubiera fluido mejor (uno se pregunta qué habría hecho Paul Greengrass, por ejemplo), pero cumple bien su cometido y deja perfilar una actuación excelente por parte de la Weisz, que es una de las mejores actrices de su generación, en activo hoy en dia.

Secretos peligrosos/The Whistleblower
Con Rachel Weisz, Vanessa Redgrave, David Strathairn y Monica Belluci
Dirige: Larysa Kondracki
Canadá/Reino Unido/Alemania 2010