Naomi Watts: "Estoy en un momento espléndido de mi carrera".

Naomi Watts

Miguel Cane.



Bellisima, inteligente y entregada, la australiana Naomi Watts (Shoreham, Inglaterra, 1968) es una de las actrices más consistentes del cine actual, poseedora de una presencia notable, que le ha permitido destacar en un sinnúmero de roles, desde que David Lynch le diera la gran oportunidad en Mulholland Drive, hace más de una década y afianzándose en el panorama de Hollywood como la protagonista de El aro, uno de los filmes de horror más aclamados de la década. Ahora, cambia el miedo a lo sobrenatural, por uno de los horrores reales más tremendos de la historia: el tsunami que, el 26 de diciembre de 2004, arrasó con las playas de Phuket en Tailandia, cobrando miles de vidas y causando incontables daños materiales, en la nueva cinta de J. Antonio Bayona, Lo Imposible, que se colocó como la cinta más taquillera en la historia de España y que ella protagoniza junto con Ewan McGregor.



La historia de una familia española que sobrevivió a la catástrofe, sirvió de inspiración para el filme, que cuenta la inolvidable odisea por la que tuvieron que pasar. Rodada en locación natural, esta es, afirma la actriz, una de las películas que más le ha exigido, tanto física como emocionalmente hablando.

Representar una historia real como ésta debe suponer una responsabilidad extra para todo actor. ¿Te llegó a afectar personalmente?
Desde luego, aunque siempre facilita el trabajo el hecho de tener mucha información y contábamos cn ella, María y Enrique Belón estuvieron cerca de nosotros; a pesar de ello, también resulta complicado porque no hay lugar para la improvisación. Además, sentía que debía hacer honor a la verdad con máxima fidelidad. Con este filme todos queríamos ser muy precisos para no herir la sensibilidad de cualquiera de las personas afectadas por el tsunami. Hubo víctimas de muchos países y queríamos honrar su memoria.



¿Qué te llevó a aceptar un filme con un durísimo rodaje que se prolongó durante casi siete meses?
Pues si, fue duro, ya lo creo. Ahora, lo que me gustó de la película fue cómo plasma la relación de esta familia que conecta y desconecta, que se pierde y se tiene que enfrentar a sus emociones y sus miedos en el afán de reencontrarse durante y después del desastre, que es lo que parece ser algo, como el título lo señala, imposible. Yo sabía desde que leí el argumento, que éste iba a ser un trabajo difícil, pero no tanto como resultó finalmente. No tenía ni idea de que fuera a pasarme siete meses de ciudad en ciudad y de país en país, rodando, lejos de mi familia muchas veces, y teniendo que sumergirme en un estado emocional muy complejo durante cada escena distinta.

Al menos, algo aliviaría la tensión el trabajar junto a Ewan McGregor, que es amigo tuyo desde hace mucho.
Así es, Ewan y yo tenemos una gran relación de amistad desde hace ya varios años. Él es un gran ser humano, con un talento capaz de decir mucho con apenas unos pocos gestos de su rostro. ¿Viste Beginners? Es increíble. He tenido la suerte de trabajar con Ewan varias veces y, la verdad, es maravilloso. Hicimos muy buen equipo con él y los niños y contábamos con un muy buen director. Eso hace que rodajes como éste sean una experiencia mucho más disfrutable.



Bayona pertenece a la nueva ola de directores españoles que destacan en el mundo anglosajón. ¿Cómo fue trabajar con él?
Me gustó bastante, él me cae muy bien y he llegado a apreciarlo mucho. Es un hombre muy joven y muy valiente que sabe cómo conseguir lo que quiere, aunque trabaje al borde del precipicio. Cuando acepté su oferta sabía que solo había hecho una película, El Orfanato, pero, desde la primera semana, en los ensayos, demostró que estaba a la altura del reto que se traía entre manos. Y fue impresionante su nivel de entrega. Era algo inspirador para todo el equipo.

¿Cómo definirías la experiencia de interpretar a una persona real como María Belón?
Es un trabajo que acarrea una gran presión. En la mayoría de los casos, la persona real a la que se interpreta ya ha fallecido, pero María no solo está viva, sino que estuvo muy implicada en el proceso de creación de la película. Ella fue una de las principales presencias durante el rodaje. Nuestro propósito era mantenernos fieles a la realidad y ella jugó un papel central. Como actriz, esforzarte demasiado en parecerte a alguien puede terminar alejándote de su esencia. No quería realizar una simple imitación, quería buscar una cierta verdad en la historia y en el personaje, así que convivimos mucho, hablamos de todo, de su experiencia, sus recuerdos, de su vida anterior al tsunami, de sus hijos, de los míos, de nuestras infancias, nuestros temores, nuestros sueños, nuestras alegrías, incluso de películas, libros y música y descubrí que podía identificare en ella y eso me llevó a comprender su esencia personal y convertirme, al menos durante ese rodaje, en una versión muy apegada a ella misma. Nos hicimos grandes amigas y eso es un extra maravilloso de este filme, no me había sucedido antes, interpretando a personajes reales, cosa que he hecho. Creo que María es la mujer más valiente que haya conocido nunca. La admiro profundamente.



En tu próximo filme encarnas a la difunta Princesa Diana. ¿Es cierto que ha sido el personaje mas complicado de toda tu carrera?
Dios, sí. Sin duda. Para mí ha sido un honor interpretar un personaje icónico como fue Lady Diana, una mujer adorada por las masas. Recuerdo que me costó mucho encontrar la voz adecuada, porque es muy popular y todo el mundo tiene una idea preconcebida de ella. Esta cinta va a mostrar los dos últimos e intensos años en la vida de la Princesa y estoy muy orgullosa de haber participado en ella.

Acabas de cumplir 44 años. ¿En qué momento de tu carrera te encuentras?
En uno espléndido. A mi edad, que me ofrezcan personajes como el de Diana o el de Marilyn Monroe en Blonde, que se rodará el próximo año, es simplemente sorprendente. La verdad es que no me imaginaba nunca que podría conseguir una carrera tan sólida en este punto de mi vida. Me siento afortunada y estoy plenamente satisfecha.



¿Qué relación mantienes con el éxito de tu carrera?
Creo sinceramente que el éxito no me ha cambiado como persona. Yo soy la misma chica que llegó de Australia en 1995. Eso tiene mucho que ver con el hecho de que mi carrera despegó cuando ya era adulta y madura. Imagino que el éxito te puede consumir si no tienes las cosas claras, pero yo sé muy bien quién soy. Soy muy consciente de cuánto he luchado y de lo que me ha costado llegar a donde estoy. Mulholland Drive lo cambió todo para mí. Hasta aquel momento, mi vida era una lucha constante y algo desafortunada por encontrar mi lugar en el mundo del cine. Pero entonces llegó David Lynch, que me dio la oportunidad de trabajar en una película que conectó de una forma extraordinaria con muchos espectadores.



¿Y cómo ha cambiado todo con tu maternidad?
Ha sido un cambio absoluto; de hecho, ser madre me hace muy feliz y ha cambiado por completo mi modo de elegir mis papeles. Antes los criterios que guiaban mis elecciones eran el nombre del director y mi interés personal en la historia, y aunque eso no se ha perdido del todo, como en este caso, hoy en día lo fundamental es saber si podré compatibilizar el rodaje con mi vida familiar. En cuanto me ofrecen algo, pregunto: ¿Cuánto durará el rodaje? ¿Dónde será? ¿Podrán acompañarme mis hijos? Soy muy afortunada de contar con Liev (Schreiber). Así intentamos hacer turnos a la hora de elegir nuestros proyectos. Si el filma o hace teatro, yo descanso para estar con mis hijos. Por otra parte, creo que la maternidad me ha vuelto una persona más situada en el presente. Solemos estar demasiado pendientes del futuro y el pasado, pero cuando estás rodeada de niños es imposible distraerse, ellos te mantienen anclada al hoy y eso es algo muy positivo.

Lo imposible / The Impossible, de Juan Antonio Bayona

Luz en la catástrofe

Miguel Cane.



Basada en la historia real de una familia que sobrevivió al tsunami del 26 de diciembre de 2004, es el segundo filme de Juan Antonio Bayona, que saltó a la fama con El Orfanato en 2007. Se trata de un melodrama contundente y emotivo sobre la pérdida, mostrada en distintas fases; por una parte es una recreación aterradora del desastre natural, y su brutal impacto físico y emocional sobre los personajes, especialmente en la madre, María (una deslumbrante Naomi Watts), que lleva en sus hombros buena parte del filme, donde Ewan MacGregor le da un soporte impecable.



El director sabe que ésta es una trama estremecedora y la maneja con cuidado, valiéndose de los efectos visuales más avanzados, para transmitir el shock de la tragedia, sin perder una esencia reflexiva recreación aséptica al detenerse en una serie de gestos y decisiones, abordados con sublime delicadeza y directa, que no suelta la atención del espectador mientras éste sigue los pormenores de la familia, su separación, la angustia por reunirse, y cómo, entre las ruinas del resort de lujo y en un atestado hospital, va poco a poco renaciendo la esperanza.



Con un guión de Sergio G. Sánchez, que a su vez parte del argumento de las vivencias de María Belón y su marido, Enrique, Bayona, que es un director correcto y con gran sentido del ritmo en su edición expone con lucidez plena de ojo al detalle y de emoción sus temas de principal interés (la infancia, la relación entre madres e hijos, la educación), y sin estridencia, más allá del golpe que implica la secuencia de la catástrofe, efectivamente conmueve con su forma de mostrar la asimilación de la pérdida y presenta una película optimista, con un mensaje afectuoso y positivo, que trasciende la norma del género y deja claro un mensaje (quizá poco sutil, pero no por ello menos efectivo), en el que la esperanza no es arrastrada de vuelta al mar.




Lo imposible / The Impossible
Con Naomi Watts, Ewan MacGregor, Tom Holland y Geraldine Chaplin
España/Reino Unido/Francia 2012

Ang Lee. El cine aporta algo bello, da esperanza...

Miguel Cane.



Es uno de los directores más aclamados de las dos últimas décadas; no obstante, Ang Lee (Taiwan, 1954) es un hombre afable, jovial, muy sencillo, con un profundo amor por su oficio y una humildad que desarma. Irradia una tranquilidad que pocos cineastas parecen alcanzar y que sabe transmitir a sus actores (Sigourney Weaver, Joan Allen, Anne Hathaway, Emma Thompson, Tobey Maguire y Heath Ledger lo han elogiado por su “serenidad congruente”), lo cual le permite crear universos tangibles en sus cintas, la más reciente, Una aventura extraordinaria (Life of Pi), se basa en la universalmente célebre y hasta ahora virtualmente infilmable novela de Yann Martell, que por más de 10 años estuvo en el limbo de la preproducción, entre distintos equipos de productores y directores hasta que llegó a sus manos para convertirse en una de las cintas más ambiciosas y bellamente realizadas del 2012.



UNA AVENTURA EXTRAORDINARIA NO ES DRAMA NI AVENTURA NI FANTASÍA, Y ES TODO ESO JUNTO AL MISMO TIEMPO. ¿QUÉ ROL JUEGA ESTA PELÍCULA EN SU DIVERSA FILMOGRAFÍA?
Gracias. Mi intención no es cambiar de género por sistema, es algo que surge por sí mismo. Yo busco proyectos que me emocionen: unas veces por la historia y los personajes, como me pasó con la adaptación maravillosa que hizo Emma (Thompson) a Sensatez y sentimientos, o con La tormenta de hielo, que me resultaron imposibles de rechazar; me hablaban muchísimo. Hay otras que me atraen por su aspecto estético, como El Tigre y el dragón. En el caso de ésta, me gustaba mucho cómo el libro contemplaba la pérdida de la inocencia, las dudas internas, cómo todos de pequeños somos buenos y, con los años, nos vamos volviendo diferentes, nos volvemos “malos” (aunque éste no es el término exacto que quiero usar, pero es el que mejor aplica). No quería hacer una película que fuera ligera ni inocente, pero sí buscaba reflexionar sobre cómo sufrimos al crecer y cómo forcejeamos con la vida. Aprendemos a sobrevivir en las situaciones más extremas.



SIEMPRE HA DICHO QUE CADA UNA DE SUS PELÍCULAS LE APORTA UN APRENDIZAJE. ¿QUÉ FUE LO QUE APRENDIÓ EN ÉSTA?
De esta película, como en todas, aprendí mucho. Este es un oficio en el que siempre aprendes algo nuevo: aquí fueron aspectos de la narrativa, de cómo contar las historias mediante las imágenes, porque casi toda la novela es descriptiva, los diálogos en cierta parte son mínimos y había que encontrar una manera de hacer que la narrativa fluyera. También aprendí mucho sobre nuevas facetas de producción: en esta industria cada año hay innovaciones y hay que buscar la manera de incorporarlas a un proyecto, si es que se adecua a lo que requerimos. Por ejemplo, esta vez rodamos en Taiwán y en la India, sin mi productor habitual, y era un proyecto muy grande y muy ambicioso del que tuve que hacerme cargo, además de rodar en 3D, cosa que yo jamás había hecho antes. Fue algo muy duro, pero yo no quería hacer una película realista y palpable, porque eso ya lo hice muchas veces, anhelaba crear una cinta con una atmósfera imaginativa y fantástica. ¡Y digo que fue difícil porque uno no aprende nada sin dolor, y sin dolor no hay recompensa! (risas).



COMO EN HUGO, DE SCORSESE, EL 3D DE LA CINTA TIENE UN OBJETIVO DRAMÁTICO, MÁS ALLÁ DEL MERO EFECTO ESPECIAL...
Sí, es una herramienta para la narración. Así quise hacerlo. En mi opinión, es una cuestión de tiempo para que el 3D se use más y mejor... Ahora hay mucho cine de acción e infantil tridimensional, y algunos proyectos prestige, como el que señalas, Gatsby de Luhrmann, El Hobbit de Jackson y en cierta medida esta cinta mía. Son contadas, son películas evento... pero en el futuro... verás cómo en el futuro incluso habrá porno en 3D, ¡y habrá que verlo! (risas). No, no, en serio, el 3D es bueno para el cine dramático, permite dar una profundidad especial a los rostros, es un lenguaje diferente. Es sorprendente.

¿CONSIDERA, ENTONCES, QUE EN EL FUTURO NO MUY LEJANO TODO EL CINE SERÁ EN 3D?
¡Oh, no! Yo espero que no. El color casi eliminó al blanco y negro, el cine sonoro al mudo... Pero espero que el 3D no acabe con nada, sino que haya una coexistencia y nuevas maneras de crear.

¿CUANDO LEE UN LIBRO PIENSA QUE PODRÍA SER UNA BUENA PELÍCULA?
La literatura y el cine son distintos, por muy fiel que intentes ser. Y no soy ni quiero ser un traductor de lenguajes. Yo soy un narrador con imágenes. Y a veces me sucede eso que dices, me pasó con Secreto en la montaña, un relato corto que Larry McMurtry se encargó de abrir con su estupendo guión. Pero en ese breve relato, escrito por Annie Proulx, supe que había algo, porque me hacía llorar en distintos fragmentos y yo quería transmitir esa emoción intensa a los espectadores.

ES USTED SERENO Y CORDIAL. ¿CÓMO HACE PARA SOBREVIVIR EN UN NEGOCIO COMO ÉSTE?
No te creas, no suelo estar tan tranquilo como ahora que hablo contigo. Todo acto humano implica un conflicto, y en el cine hay muchos conflictos. Pero soy tímido, no me gusta estar muy expuesto ni recibir mucha atención ni gusto de las comparaciones: que si las obras de otros cineastas, que si la carrera por el Oscar. Nada de eso me gusta. Por eso rodar es una buena terapia: la gente me deja tranquilo. Casi descanso más cuando hago una película, porque me dejan en paz. No me puedo imaginar una mejor forma de vivir que ésta. El cine es para mí casi como una religión. Hace unos 10 años estuve a punto de retirarme, no sabía por dónde seguir mi carrera. Estaba muy estresado; sin embargo, volví a encontrar el rumbo y el amor a lo que hago.

¿Y EL MUNDO REAL? ¿CÓMO LO PERCIBE?
¡Ah, el mundo! (sonríe). La naturaleza, de manera invariable, toma su propio curso. Los humanos tendemos al consumismo, al egoísmo, a poseer cada vez más y más sin respetar los límites. No tengo una buena respuesta para darte porque así es en todo el mundo, hoy y siempre, es demasiado complicado. Lo que sí me pregunto es por qué no hay mejores líderes en el mundo, por qué no son más inteligentes y compasivos, por qué no nos orientan mejor y, sobre todo, por qué no nos dan una esperanza real. Se ha perdido la inocencia, nos conformamos con sobrevivir y pensar en nosotros mismos. Así es como percibo el mundo. Pero no quiero estar triste. Por eso hago lo que hago. Es mi manera de aportar algo bello, de dar algo de esperanza, porque eso siento al hacer cine. Es lo único que puedo aportar, y lo hago muy honrado, con emoción y gusto.

Una aventura extraordinaria / Life of Pi, de Ang Lee

Odisea de una vida

Miguel Cane.



Considerada una de las novelas más aclamadas de la última década, “La vida de Pi” de Yann Martel , era considerada virtualmente infilmable, principalmente porque la trama transcurre principalmente a bordo de un bote salvavidas y uno de sus principales protagonistas es un tigre de Bengala. Sin embargo, en las capaces manos de Ang Lee, la obra de Martel cobra vida (en un sorprendente trabajo de 3D que no resulta intrusivo) y lo hace de una manera abrumadora en su belleza y su exquisito cuidado narrativo.



La historia comienza en Montreal, cuando un joven escritor (Rafe Spall) se encuentra con Piscine Militor Patel (Irrfan Khan), un hombre que podría contarle una historia verdaderamente increíble con la que llenar las páginas de su próximo libro. El encuentro entre ambos sirve a Lee para utilizar al protagonista de esta historia como principal narrador de la misma, igual que en la novela, lo que le permite efectuar pequeños saltos en el tiempo que nos devuelven al presente y permiten aligerar la monotonía del relato, al mismo tiempo que se aprovecha para puntualizar en los pequeños detalles.

Pi crece en Pondicherry, India, al lado de tigres, cebras, hipopótamos y otras exóticas criaturas dado que su padre (Adil Hussain) era propietario de un zoológico. La inquietud del joven le llevó a interesarse por la fe y la religión de distintas culturas, desarrollando su propia teoría de la vida y de la naturaleza humana (y animal) a través de un compendio de todas ellas. A los 17 años (interpretado por Suraj Sharma) sus padres deciden emigrar para conseguir una vida mejor. Para ello, se embarcan en un carguero japonés con dirección a Canadá, con todo el zoológico a cuestas para poder venderlo a un nuevo propietario, pero es ahí donde comienza su fantástica aventura a bordo de un bote a la deriva en medio del Pacífico, con un peculiar compañero de viaje: Richard Parker, un enorme tigre de bengala. Poco a poco se establece una curiosa e inesperada relación entre ambos náufragos y la historia se desarrolla.

Realizada con maestría por Lee, la cinta aprovecha al máximo la tecnología de punta, para contar una increíble historia con la que cautiva, entretiene y también nutre al espectador. Al hacer un formidable festín visual, utiliza cada imagen para sostener su relato cuyo ritmo no decae; ingeniándoselas para transustanciar la novela y mantener su mensaje original, ofreciendo al espectador una odisea, que lo llevará a hacerse muchas preguntas al salir de la sala, y eso es también el trabajo de un filme que se sale de la norma: distraer, maravillar y también plantear una reflexión tan sutilmente, que no es evidente hasta que uno se da cuenta de que no puede dejar de pensar en la película que vio, aún días después de hacerlo y esto es testimonio de la mano magistral de Lee como uno de los cineastas más versátiles, maduros, empáticos y observadores de su era.

Una aventura extraordinaria/Life of Pi
Con Suraj Sharma, Imran Kahn y Rafe Spall
Dirige Ang Lee
EU/Canadá/Reino Unido 2012

Ian McKellen. El regreso de Gandalf

Miguel Cane.



Polémico, versátil y ocurrente, Ian McKellen es uno de los actores de carácter más populares del mundo. Su buen humor, su inteligencia y su absoluta libertad para expresarse lo han hecho un favorito en el ámbito cinematográfico. Ahora, una década después de participar en la saga de El señor de los anillos, interviene en la nueva trilogía dirigida por Peter Jackson, basada en El Hobbit, otra novela de John Ronald Reuel Tolkien. McKellen habla sobre el rodaje de este taquillazo de temporada navideña.

DESDE EL SEÑOR DE LOS ANILLOS SIEMPRE SE PREVIÓ UN FILME BASADO EN EL HOBBIT. ¿PENSÓ QUE REALMENTE SE LLEGARÍA A FILMAR?
Me mantengo cuerdo porque, tú sabes, tengo una vida fuera de Tierra Media (ríe). Siempre hay muchos altibajos, y esta fue una producción larga, tardó mucho en concretarse y todos nos sentimos aliviados cuando por fin tuvimos una fecha de inicio y comenzamos a filmar.



¿SINTIÓ ALGUNA ANSIEDAD POR VOLVER A PERSONIFICAR A GANDALF?
Ansiedad no, aunque hubiera sido más excitante interpretar a un nuevo personaje. Volver a un viejo territorio no es tan atractivo como un nuevo paisaje y también significaba estar lejos de casa dos o tres años. Era un gran compromiso. Pero, en verdad, no hubiera soportado que otro actor representara a Gandalf, y he oído a muchísimas personas decir que se hubieran molestado si no lo hubiera actuado yo. Así que para mí hay muchas cosas positivas. Fue hermoso regresar a Nueva Zelanda. Creo que estas películas son maravillosas, así que involucrarme en ellas de nuevo es algo que ahora me parece inevitable.

¿FUE ALGO DIFERENTE PERSONIFICAR A GANDALF EL GRIS QUE A GANDALF EL BLANCO? EL GRIS ES UN PERSONAJE UN POCO MÁS SOCARRÓN Y TRAVIESO.
Bueno, Peter y yo preferimos a Gandalf el Gris. Tiene más variedad y es más humano, ¿verdad? Lo ves en distintas situaciones, mientras que Gandalf el Blanco está más enfocado en la misión que tiene que cumplir: es más un comandante, es más espiritual, y no dice muchos chistes. Así que el viejo Gandalf el Gris es un personaje más confortable para convivir y, sí, es más gracioso.



¿CUÁL ES EL DESARROLLO DE GANDALF EN ESTA CINTA? EMPIEZA POR JUGARLE UNA ESPECIE DE BROMA A BILBO, PERO LUEGO SE MUEVE A UN TERRITORIO MÁS SERIO, MÁS OSCURO.
No es una broma, es más una manera de reclutarlo. Mientras trata de convencerlo de que abandone su forma de vida tan sedentaria, le dice a Bilbo: “Esto será bueno para ti”, y en cierto sentido lo es. Siempre hay peligro cuando se trata de una aventura, pero quiere verlo vivir una vida más plena. Gandalf conoció a Bilbo cuando era un niño y se sorprende al verlo años después y descubrir que el niño se transformó en un hobbit algo recluido. Así que, el arco del personaje de Gandalf es más amplio: allí está ayudando a los enanos y descubres por qué los está ayudando —algo que no está de forma explícita en el libro—. Es decir, ¿por qué ayudarías a un grupo de enanos a recuperar el tesoro que les robaron? Gandalf está preocupado porque la Tierra Media se está moviendo. Hay rumores, hay peligro en el aire, hay señales de que se acercan tiempos oscuros. Piensa que si puede supervisar el viaje de los enanos, pueden entender mejor qué es lo que está pasando más allá de esta aventura en particular. Así que lo ves, otra vez, visitando otras zonas de la Tierra Media —lo que no pasa en el libro— mientras los enanos siguen en su propia aventura. Vemos a Gandalf tratando de unir las piezas del rompecabezas que nos lleva a las películas de El señor de los anillos. Pero el arco del personaje, como siempre, incluye los rasgos de que es un guía, un consejero, alguien que facilita las cosas y además ayuda. Le gustan las bromas y la diversión, le encantan la pipa y el tabaco, se divierte con sus fuegos artificiales y ama a los hobbits. Pero también es un diplomático y un mago que tiene la responsabilidad de cuidar la Tierra Media, y lo toma muy en serio. Así que también ves esa parte de su naturaleza. Es un personaje perfectamente redondeado, y llegamos a conocer los motivos de sus acciones en una forma que no encontramos en el libro. Así que el personaje de Gandalf se explica un poco más profundamente.

¿CÓMO PERCIBE EL TONO DE LA PELÍCULA? HAY MOMENTOS MÁS LIGEROS, MÁS CÓMICOS, PERO AL MISMO TIEMPO ¿CÓMO SE UNE TEMÁTICAMENTE CON LA TRILOGÍA ANTERIOR?
Bueno, esa era la cuestión. Después de El señor de los anillos, ¿cómo unirlos? Peter decía con frecuencia, “Quiero que esto sea más divertido, más ligero”, y yo le contestaba “Hmmm, no sé… es una situación muy seria para Gandalf”. Peter reiteraba “Sí, pero debemos contar la historia de una manera ligera”. Puedes ver por la selección de actores que Peter quería más comedia. Es decir, contrató a grandes comediantes como Barry Humphries, Bret McKenzie y Sylvester McCoy. A Martin Freeman, que tiene una vena cómica extraordinaria; todos son extraordinarios cómicos. Así es una gran aventura con muchas risas. Pero también están entretejidas con ese sentimiento de que hay un mundo más grande en otra parte, donde abunda el peligro y hay que ser precavido.

¿CÓMO HA CAMBIADO PETER JACKSON EN ESTOS AÑOS?
La verdad, no creo que haya cambiado. Su temperamento es casi el mismo; claro, es más maduro, pero no diría que más lento. Sus niveles de energía son sorprendentes. Ahora está más seguro de sí mismo, pero siempre te presenta una cara positiva. Tú sabes: “Esto es lo que vamos a hacer”, y es capaz de explicarlo, defenderlo y entusiasmarte para que lo hagas… y todavía lo hace. No sé lo que pasa en su interior. Es decir, si has ganado un buen número de premios Oscar por tus filmes y ahora debes hacer una precuela, ¿se te facilita por el éxito que has tenido o se te dificulta porque sabes que tienes que igualarlo? Pero si tiene esos miedos o preocupaciones, no las comparte. Y por supuesto hay un ambiente familiar porque está Fran Walsh, su compañera y socia profesional, así que es a puerta cerrada dónde se expresan esas preocupaciones. En el set es, sobre todo, la persona que está a cargo. Pero es Peter, es un Kiwi, un hombre muy jovial y amistoso. No hay neurosis, así que se puede distraer muy fácilmente si le llevas un juguete o le muestras una foto chistosa o le cuentas una historia divertida. Es muy buena compañía.

HABLANDO DE JUGUETES, ¿QUÉ TAL LA FILMACIÓN EN 3D A 48 CUADROS POR SEGUNDO? ¿LA NUEVA TÉCNICA RETRASÓ EL RODAJE?
No, para nada. No la percibías. Era sólo una cámara grande con dos lentes en lugar de uno, pero no te das cuenta. Nunca oí a Peter exclamar algo como “Ohhh, eso se verá muy bien en 3D”. No es la 3D que te golpea; es la 3D que tiene profundidad, y que te invita a entrar en ella. Así es cómo trabaja. El resultado en pantalla es alucinante. El público nunca ha visto nada parecido.

¿DIRÍA QUE ESTÁ CONTENTO DE HABER VUELTO A LA TIERRA MEDIA DESPUÉS DE TODO?
¡Pues claro! ¡Fue un rodaje estupendo! Es decir, sí, fue agotador, pero también fue maravilloso ver a viejos amigos como Hugo Weaving, Christopher Lee, la adorable Cate (Blanchett)... fue un poco nostálgico a veces, vernos de nuevo, unos 12 años después de haber empezado a rodar La hermandad del anillo, y vernos cambiados, sí, pero tan entusiasmados como esa primera vez, con nuestro maquillaje, nuestros disfraces, y las risas y la misma camaradería. Fue como haber vuelto, en cierta forma, a casa.

El Hobbit (1): un viaje inesperado, de Peter Jackson, basado en la obra de J.R.R. Tolkien

Retorno a Tierra Media

Miguel Cane.



La siguiente, es una pregunta retórica, pero seguramente será inevitable para muchos de los posibles espectadores que consideren ver, en cualquiera de sus formatos (se estrena en varios, aunque la recomendamos ver en 3D a 48 cuadros por segundo, que fue como la vimos) la nueva versión, comandada por Peter Jackson a la novela de JRR Tolkien El Hobbit.

¿Es realmente necesaria una nueva versión cinematográfica de esta historia?

En la década de los 70, el estudio de animación Rankin Bass (los mismos de El último unicornio, una pequeña obra maestra del género, basada en una novela de Peter S. Beagle) creó una cinta en dibujos animados basada en El Hobbit, que encapsulaba, en noventa minutos de duración, toda la aventura de Bilbo Bolsón que precediera a la saga de El Señor de los Anillos. Compacta y bien realizada, fiel a la novela, por décadas fue la referencia visual para esta historia... hasta que el éxito apoteósico de taquilla de la trilogía creada por Jackson entre 2000 y 2003 abrió la puerta para que se planteara la posibilidad de filmar con actores esta cinta, en el mismo “universo” que se había creado. Guillermo del Toro ostensiblemente iba a ser el nuevo director – ahora solo funge como productor – y Jackson vuelve tras la lente, a dirigir un reparto que incluye a miembros de la trilogía original, como Ian McKellen, Elijah Wood, Ian Holm, Cate Blanchett o Hugo Weaving, así como nuevas adiciones, como Martin Freeman, Barry Humphries o Lee Pace.



Lo que sorprende (aunque no tanto, en esta era de la secuela, la precuela y la saga, véase Star Wars, Crepúsculo, Harry Potter, Juegos del Hambre y sucedáneos afines) es que Jackson y Fran Walsh extiendan esta historia para hacer tres películas. Eso es lo que resulta, en todo caso, más innecesario que una nueva versión en sí. El Hobbit es una película técnicamente impecable; se nota cómo ha avanzado la tecnología en la última década y Jackson y su equipo WETA lo aprovechan con todo; el despliegue de efectos hace ver su King Kong (en 2005 la cumbre de este tipo de filmes) casi ordinario.



El problema es la sobre-dirección (es decir, el exceso de la misma): Jackson toma tanto control de todo, buscando imprimir su estilo personal, que abruma y en casos, asfixia el propósito original de la trama de aventuras; los actores son estupendos, pero poco pueden hacer con un diagrama tan calculado. Jackson, para extender a dos horas cuarenta minutos la cinta, calca secuencias de otras películas suyas – batallas de El Retorno del Rey, paseos bucólicos de Desde mi cielo y dos o tres secuencias que sirvieron en su momento para extender King Kong – este afán autorreferencial acaba por agotar; todo para llevarnos a un punto en que la aventura se interrumpe de manera anticlimática, para anunciarnos una segunda parte. Esto funcionaba al final de La Hermandad del Anillo, porque así estaba escrito, pero en esta historia, resultará para algunos espectadores, algo desconcertante. La abundancia de recursos hace de esta una película hermosa (aunque no necesariamente para niños), con humor, con ternura y sobresalto, pero también con un cierto deseo de lucimiento que acaba por opacar sus mejores valores para convertirse en un espectáculo notable e importante, pero quizá excesivamente técnico. La magia no es tan aparente, pero eso es solo responsabilidad de quien la ejerce, en este caso, no Gandalf, si no el mismo Jackson.



El Hobbit: Un viaje Inesperado/The Hobbit: An unexpeted journey
Con Martin Freeman, Ian McKellen y Cate Blanchett
Dirige: Peter Jackson
EU/Nueva Zelanda 2012

Wes Anderson: alguna vez tuvimos 12 años y nos enamoramos de alguien a esa edad

Miguel Cane



Se le considera un auteur – esto es, un director cinematográfico con una idiosincracia tan específica que se vuelve rúbrica de estilo en su obra – pese a su juventud, y es que cada una de sus obras (desde la aparición de Bottle Rocket, en 1996) ha sido aclamada por la crítica y le ha valido cada vez mayores muestras de cariño por parte de un público que se encuentra identificado con los personajes que ha presentado en cintas como Los excéntricos Tenenbaum, Academia Rushmore, La vida acuática con Steve Zissou, El fantástico señor Fox o la más reciente, Moonrise Kingdom, que abrió el pasado festival internacional de cine de Cannes y ha sido una sensación desde su estreno.

Sin embargo, más allá de todo el reconocimiento y la fama, Wes Anderson (Houston, Texas, 1969) es un hombre modesto, sencillo que se expresa con una mezcla de claridad y timidez, que es el sello personal que junto con un peculiar sentido de la moda y una excentricidad natural, ha sabido imprimir a sus filmes. "Una de las cosas que me gusta dramatizar, y que a veces es divertido, es ver cómo alguien se cae a pedazos y luego debe volverse a pegar. Aunque en la realidad eso no tiene nada de gracioso, creo que en la ficción sirve para plantear un conflicto y puede ser útil para una narrativa. Por ejemplo, el personaje del padre, que hace Gene Hackman en Los Tenenbaum, no es una persona entrañable o particularmente evolucionado, pero de alguna manera él lo hizo divertido; era el material que estaba trabajando y el punto de la historia era ese, romperse, para volverse a unir."



Pero ese es un tema recurrente, ¿no? Podría decirse que son estudios de la disfunción...
"Es verdad, por lo general, los personajes están inspirados en una combinación de personas y, sí, no hay historia si no hay algún conflicto. Las cosas no suelen ser memorables cuando todo el mundo está reunido y contento. Creo que todo el mundo se siente solo y atrapado a veces. Yo creo que es más o menos la norma, y mis personajes son más o menos eso, un tanto extraños porque están en una película, pero finalmente, muy parecidos a nosotros. La inspiración para crearlos proviene de la vida misma y la vida en sí misma, es disfuncional, después de todo. Sólo buscamos hacer un reflejo de ella, exagerado y filtrado por la sensibilidad del cine, pero reflejo, al fin y al cabo."

Suzy y Sam, los protagonistas de Moonrise Kingdom tienen 12 años. ¿Fue muy diferente colocar a niños al centro de este espejo de disfunción existencial?
“En efecto, son niños, pero eso no quiere decir que sean alienígenas o ajenos a las emociones que nos forman. De hecho, en la trama, su infelicidad es parte de su razón para darse a la fuga. Ese es el punto de partida de estos niños. Pero lo principal que me interesaba, era contar un romance a esa edad. Cuando escribía el guión, con Roman Coppola, trataba de recordar la fuerza de esos sentimientos cuando uno tiene esa edad. Cualquier sentimiento romántico a los doce años es como entrar en un mundo completamente diferente, más intenso, amplificado. Todo se extrapola y de ahí surge la idea del filme.”



Pero usted tuvo una infancia comparativamente feliz, ¿no?
“Mucho. Mis hermanos y yo crecimos felices. Pero eso no quiere decir que no tuviera una idea de lo difícil que es ser un niño o una niña de doce años, especialmente en una atmósfera como la que se presenta en la película: muy cerrada, muy aislada, donde la infelicidad de los adultos de algún modo contagia la esfera de su infancia. Moonrise Kingdom en realidad no tiene nada qué ver con mi niñez, pero creo que en cierta forma nos habla a todos porque tiene elementos universales que nos hablan a todos los que alguna vez tuvimos esa edad y nos enamoramos de alguien a esa edad.”

Aquí cuenta de nuevo con Bill Murray, Jason Schwartzman, entre otros colaboradores habituales. Siempre forman parte de un modo u otro, de sus filmes. Esta es una especie de la familia. ¿Es importante tener esa sensación de normalidad, de una familia que te rodea, con el fin de crear situaciones como las que plasma en este filme?
"No creo que ninguno de nosotros se considere “normal” (risas). Es probable que juntos seamos más bien como una de una familia de locos, cada uno con su tema. Pero hay una energía creativa extraordinaria que proviene de personas que son amigos. Sea cual sea la química está en juego durante el rodaje, va a estar ahí en la película terminada, y si tú, como director, quieres algo de electricidad, necesitas reunir los elementos que te la den, y en mi caso, es trabajando con ellos.”



Usted es célebre por el control que ejerce en cada uno de sus proyectos. No hay una sola toma en toda su obra que no se identifique como una película de Anderson. Incluso la animación stop-motion de Mr. Fox es única. sólo podía ser suya. ¿Se considera un artista perfeccionista?
"No lo sé... Creo que realmente yo creo que en el momento en que estás ensayando en el set y capturas algo espontáneo, es como magia. Luego hay un proceso largo, muy largo donde se puede ir mejorando y volver a trabajar, ¿me explico? Me gusta hacer eso, siempre tengo la sensación de que está mejorando un poco y un poco más cada vez, y al final va a ser un poco mejor de lo que creamos al principio. Los actores que trabajan conmigo, son muy generosos y entran en ello. Siento que mis películas responden a eso y no sé si lo veo como perfeccionismo o solo si es que me gusta trabajar como yo quiero. Verás, el tipo de películas que hago puede ser interpretada de muchas maneras, y con razón, alguien puede odiarlas o quererlas por muy buenas razones.”

¿Eso le molesta, que los espectadores puedan perder el punto que está tratando de hacer?
"Por lo general, yo trato de no pensar en cómo querría que alguien reaccionara al ver una de mis películas. La mayor parte del tiempo mi atención se centra en que crean que el personaje está sintiendo algo, y que esto que siente es real. Normalmente no me pongo a pensar en si esta es una escena cómica o no. Casi siempre hay algún tipo de mezcla de ambas cosas, y creo que a veces esto hace que una película funcione en mayor o menor grado, que conecte o no con el público, algo que no puedo controlar de ninguna manera. Cuando haces una película, te estás abriendo a algo que te podría hacer sentir muy mal. Como creador no quieres estar demasiado concentrado en eso, en las reacciones. Sólo haces tu trabajo y esperas que le llegue a alguien. Es como echar una botella al mar."

Así como en usted influyeron directores de los 70 como Hal Ashby, Mike Nichols o Louis Malle, usted también ha influido en directores actuales. ¿Qué opina al respecto?
“Me halaga. Pero creo que es aún demasiado pronto como para hablar acerca de si puedo o no influir a alguien. Yo solo hago estas películas, cuento estas historias. Pero cómo cada espectador las interpreta, es una cuestión tan íntima para ellos, como lo es para mí crearlas. No busco influir en nadie, solo contar una buena historia, quizá compartir una emoción. Poco más.”

Un Reino bajo la Luna / Moonrise Kingdom, de Wes Anderson

Un pequeño romance

Miguel Cane



Es 1965 y en la pequeña (e imaginaria) isla de Nueva Penzance, está por suceder algo sorprendente, climatológica y emocionalmente. Sam Shakusky y Suzy Bishop son dos niños que viven en esta localidad; él es un huérfano rijoso que pasa el verano como interno en el campamento scout Ivanhoe, mientras que ella es la mayor de los varios hijos afectos a la música y el arte de una familia de exiliados neoyorquinos con diversas neurosis. Juntos, estos dos encontrarán no solo el primer amor, con toda su amplificada plenitud y despropósito, si no que también pondrán de cabeza a la comunidad, que encontrará notables revelaciones acerca de sí mismos.



Como es natural en un filme de Wes Anderson, la familia – ya sea la biológica o la que nos hacemos con amigos en nuestro entorno – y la disfunción son un tema recurrente; a esto se suma su muy particular visión estética y sentido de la composición; no existe una película de Anderson que no sea totalmente identificable, así como una banda sonora impecable, que en este caso gira en torno a variaciones hechas por Alexandre Desplat a temas de Benjamin Britten, junto con algunos temas de la época (que son rúbrica personal del director, obsesionado con canciones de los sesenta).



El cuadro de actores adultos, que rodea la trama de estos enamorados prófugos de la convencionalidad y los tediosos horrores del mundo de los mayores, en pos de una utopía de amor puro e inocente, está encabezado por un sorprendente Bruce Willis, en una interpretación entrañable, tierna y sosegada, algo completamente inesperado que recuerda que más allá de ser un héroe de acción es un estupendo actor; con él, Edward Norton, Frances MacDormand y Bill Murray son los arquetípicos adultos-niños que Anderson suele confeccionar con maestría mientras que Tilda Swinton, en un rol que es virtualmente un cameo glorificado, hace lo habitual y deslumbra, con una fina vis cómica.



Agridulce, nostálgica, profundamente emotiva y hermosamente realizada, Moonrise Kingdom es probablemente el mejor trabajo de su autor desde su paso a la madurez en Los excéntricos Tenenbaum, de la cual evidentemente hay ecos, y es un filme sumamente personal. La anécdota narrativa probablemente no da para mucho, pero el amor (al oficio de hacer cine, a los personajes, al espectador, al niño interno) con que está hecha, basta para compensar con creces sus pequeñeces.

Esta es, personalmente, una de las mejores películas de 2012, y sin duda es uno de los más enternecedores gestos de parte de un cineasta para el público que le ha dado más allá de seguimiento de culto, una verdadera devoción a su trabajo como autor.

Un reino bajo la Luna Moonrise Kingdom
Con Bruce Willis, Frances MacDormand, Bill Murray y Edward Norton
Dirige Wes Anderson
EU 2012

Zoe Kazan: “Escribir es mi pasión”

Miguel Cane.



Lo que se hereda no se hurta, reza el popular dicho, y en el caso de Zoe Kazan (Los Ángeles, 1983) es la prueba de ello. Hija del oscarizado guionista Nicholas Kazan y nieta del legendario cineasta y escritor de origen griego Elia Kazan —creador de filmes clásicos como Un tranvía llamado deseo, Nido de ratas, Esplendor en la hierba, Al este del paraíso y El último magnate—, esta joven, vivaz y de agudo sentido del humor, empezó desde abajo con papeles menores en diversas películas, pero hoy puede alcanzar el reconocimiento como guionista y protagonista de Ruby Sparks, la más reciente cinta dirigida por Jonathan Dayton y Valerie Faris (creadores de Pequeña Miss Sunshine) que llega esta semana a cartelera. En ella aparece con el actor de cine independiente Paul Dano (su pareja en la vida real), y con Annette Bening y Antonio Banderas. Dano interpreta a un escritor con un severo caso de “bloqueo creativo” que de forma inesperada, al escribir un ejercicio de terapia, acaba por crear a la mujer ideal.



¿QUE TE INSPIRÓ A ESCRIBIR ESTA HISTORIA TAN PECULIAR?

Siempre me ha fascinado el mito de Pigmalión, siempre fui una fan de la mitología griega. Un día estaba pensando en ello y cuando me desperté a la mañana siguiente, Calvin y Ruby se encontraban en mi cabeza. Así empecé a escribir y de ahí viene toda la historia. Fue muy divertido.

¿DESDE EL PRIMER MOMENTO PENSASTE EN PAUL DELANO PARA EL PAPEL PRINCIPAL?

Cuando escribo, normalmente, se lo enseño a Paul. Él suele llegar cansado del trabajo, pero yo siempre le digo: “Cariño, tienes que leer esto” y él es adorable por darme gusto. Eso es lo que pasó, escribí las cinco primeras páginas a toda velocidad esa misma mañana y cuando llegó, le dije: “Creo que esto es bueno”. Lo leyó y me dijo: “Ah, estos somos nosotros”. Ni siquiera me había pasado por la cabeza, pero cuando me dijo eso yo le contesté: “Por supuesto”. Había descrito a Calvin como una persona delgada y alta con gafas. Obviamente estaba describiendo a Paul. Así que escribí el resto de la historia pensando que quería que Paul actuara como Calvin.



¿CÓMO FUE ENCARNAR UN PAPEL COMPLEJO COMO EL DE RUBY? ¿EXISTE ALGUNA SIMILITUD ENTRE USTEDES?

No, no. Somos bastante diferentes. De hecho, yo no pensé en interpretar a Ruby hasta que quedaba poco para la producción de la película. Yo estaba ayudando a Paul a ensayar una escena en el parque y Jonathan y Valerie dijeron “esa es Ruby, justamente ésa, ¿por qué no la haces tú?”. Verás, Ruby es mucho más franca que yo; yo no soy tan directa. Soy ambiciosa y creo que eso es algo que puede resultar poco atractivo. Por eso trato de esconderlo, pero es algo que forma parte de mí. En cambio Ruby no trata de impresionar a nadie. Me gustan esas cualidades suyas.

¿Y TRABAJAR CON TU PAREJA?

Ya habíamos hecho una película; en realidad nos conocimos actuando juntos en una obra de teatro. Es muy fácil trabajar con Paul; es encantador y un actor excepcional, pero fue complicado en algunos momentos. Pasábamos 14 horas juntos en un set y luego el resto en casa. Creo que es más o menos como tener un bebé, nadie tiene tiempo para dormir lo suficiente. Es una situación en la que hay algo que es más importante que tu relación. Le dedicas todo el tiempo a la película. Llegamos a discutir por cosas por las que jamás habríamos discutido en la vida real, como por ejemplo el tipo de música que queríamos escuchar en el coche (risas). Pero al final salimos fortalecidos de la experiencia, debo agregar.

CALVIN SUFRE UN BLOQUEO DE ESCRITOR. ¿COMO ESCRITORA, LO HAS EXPERIMENTADO ALGUNA VEZ?

No, nunca… hasta ahora. Puedo liberarme de esa presión que suele tener el escritor porque tengo otro trabajo que me encanta, el de actriz. Por lo tanto, si no estoy inspirada, no me tengo que sentar delante de una página en blanco y martirizarme, como Calvin. Si me quedo estancada con algo, simplemente lo dejo hasta que me siento lista para terminarlo. En cuanto a este proyecto en particular, escribí el primer borrador en muy poco tiempo, dos semanas y media o tres.

LA CONEXIÓN CREADOR-OBRA ENTRE RUBY Y CALVIN ES MUY COMPLEJA.

Creo que cuando eres joven estás continuamente cambiando y encontrando partes nuevas de ti mismo. A veces te despiertas por la mañana sin saber por qué te encuentras tan mal. Esas son experiencias humanas normales. Ruby no sabe que en realidad Calvin la está cambiando. Y entonces la película te plantea si estarías tentado a controlar a alguien si tuvieras el poder para hacerlo. Al principio son todo impulsos, entonces avanzamos en la relación entre Ruby y Calvin, y, de repente, empieza a ser todo elecciones. La elección de Calvin es: ¿la controlo?, ¿la cambio?, ¿es feliz?, ¿me va a dejar? Esas preguntas lo aterrorizan y obligan a hacer cosas que no haría normalmente. Creo que muchas personas harían cosas extremas bajo esas circunstancias si tuvieran miedo. La amenaza de la pérdida de un amor es un sentimiento muy intenso.

¿QUÉ ESCRITORES TE INSPIRAN?

Me encanta Woody Allen. Cuando estábamos trabajando en Ruby Sparks, Jon, Valerie y yo hablamos sobre La rosa púrpura de El Cairo. Es un buen ejemplo de una película que tiene una magia totalmente inexplicable y maravillosa.

TIENES UNA HERENCIA ASOMBROSA. ¿SABÍAS QUE TRABAJARÍAS EN EL MUNDO DEL CINE CUANDO ERAS NIÑA?

Siempre me ha interesado el cine. Desde pequeña he estado expuesta al arte y a la cultura. Pero no sé si es algo heredado. Mis padres sabían cómo criar a una niña creativa porque ellos mismos habían sido niños creativos. Así es que esa ha sido la ventaja de mi herencia. Aunque tampoco le doy demasiada importancia. Para mí, la pasión es la parte más importante de la ecuación, ya que eso es lo que me hace levantarme cada mañana y querer trabajar muy duro. No recibí una educación de Hollywood. No crecí con la sensación de que venía de una familia privilegiada. Mis padres tienen los pies bien puestos en la tierra y mi abuelo también. Llevábamos una vida normal. También creo que haber estado expuesta a la fama desde tan joven me ha hecho sentir que no la necesito, en ese sentido no soy ambiciosa.

HAS CONSEGUIDO MUCHAS COSAS SIENDO MUY JOVEN. ¿CUÁLES SON TUS OBJETIVOS?

No suelo hacer planes. Creo que, cuando estás empezando tu carrera como actor, simplemente tienes que coger lo que te llegue. Me siento muy afortunada porque he trabajado con un montón de directores de cine muy buenos, pero también hice audiciones para todo lo que había y para la mayoría no era la más adecuada. Ahora reflexiono mucho más a la hora de tomar decisiones. Por ejemplo, quiero tener algo de tiempo para escribir. Esa es una decisión que no habría tomado antes; pero es que he hecho cuatro películas este año y no necesito hacer más durante un tiempo. Ahora mismo Paul y yo estamos hablando de la posibilidad de empezar con nuestra propia productora. A los dos nos encantó la experiencia de esta película y nos gustaría volver a hacerlo. También quiero dirigir y, por supuesto, quiero seguir escribiendo. Escribir es mi pasión.

CANANA Y IM GLOBAL lanzan en conjunto la empresa MUNDIAL

Prolífica compañía Hollywoodense en financiamiento fílmico y ventas internacionales IM GLOBAL y CANANA, una de las empresas latinoamericanas más importantes en producción cinematográfica y distribución de cine independiente, pondrán en marcha conjuntamente una nueva compañía llamada MUNDIAL, su sede tendrá lugar en la Ciudad de México y se centrará exclusivamente en las ventas internacionales de cine latinoamericano, esta unión ha sido anunciada por Stuart Ford, CEO de IM GLOBAL, Pablo Cruz y Julian Levin socios de CANANA.

MUNDIAL se encargará de las ventas internacionales de entre 8 a 10 películas Latinoamericanas y además servirá como una plataforma que proporcionará un servicio completo para los cineastas latinoamericanos. Las producciones de CANANA también formarán parte de este convenio.

Esta nueva compañía tendrá una presentación informal en Ventana Sur y su lanzamiento oficial será en el EFM de Berlín en Febrero, donde la Vicepresidente Cristina Garza, ex directora de distribución de CANANA, liderará el proyecto. El Consejo Administrativo de MUNDIAL estará integrado por Stewart Ford, Pablo Cruz, Julian Levin, CEO de CANANA, y Jonathan Deckter, Presidente de Ventas Internacionales y Distribución de IM GLOBAL.

Esta nueva empresa, MUNDIAL, iniciará con tres títulos de CANANA: “PARAISO”, de la cineasta mexicana Mariana Chenillo, directora de la exitosa cinta “5 días sin Nora”, que comienza su rodaje en Enero de 2013; “MANTO ACUIFERO”, del director Michael Rowe, ganador en 2010 de la Cámara de Oro en Cannes con la cinta “Año Bisiesto”, actualmente en post-producción; y “MR. PIG” cuarto largometraje y segundo en idioma Inglés dirigido por Diego Luna socio fundador de CANANA, que actualmente se encuentra en desarrollo y será filmado durante el 2013.

"Los cineastas latinoamericanos están siempre en la necesidad de financiamiento y soporte en ventas para levantar sus nuevos proyectos y para que sus películas puedan conformar catálogos en lugar de perderse en ellos", dijo Cruz. “El marketing y la fuerza en ventas así como la presencia global de IM GLOBAL representan una oportunidad real para las películas de América Latina de llegar a nuevos mercados y acceder a nuevas oportunidades de financiamiento. El lanzamiento de MUNDIAL no podía llegar en mejor momento."

Ford dijo, " El cine en América Latina está en ebullición y estamos emocionados de iniciar negociaciones con muchos de los más importantes cineastas de la región, nuevos talentos y, por supuesto, uno de nuestros grandes logros son tener a nuestros nuevos y destacados socios de CANANA. Este proyecto continúa con la expansión de IM GLOBAL, para convertirse en una plataforma de distribución verdaderamente global. "

Al respecto Julian Levin, CEO de CANANA, comenta: "Nos da mucho gusto poder entrar al negocio de la ventas internacionales con un gran socio como lo es IM Global. Creo que esto puede traer grandes beneficios para el cine latinoamericano y darnos un espacio importante en las salas de cine y demás ventanas a lo largo y ancho del mundo."

Acerca de CANANA:
CANANA es una productora y distribuidora de cine y televisión, fundada en 2005 por Diego Luna, Gael García Bernal y Pablo Cruz, y liderada por Julián Levin a partir del 2011.

Surge con la misión de desarrollar proyectos que abran puertas al talento latinoamericano, contando historias que respeten el contexto y la entidad actual del país.

CANANA ha realizado los largometrajes "Drama/Mex", "Déficit" “Cochochi” JC Chávez” y "Voy a explotar", entre otras. Sus innovadoras estrategias de producción, distribución y comercialización han permitido que importantes películas, como “Abel” y “Miss Bala”, lleguen a pantallas de México y el extranjero con una sobresaliente respuesta de la crítica y el público.

CANANA Distribución nace en el año 2007 siendo, desde sus inicios, una plataforma para el cine propositivo. Se han estrenado más de 45 películas incluyendo las exitosas,“Pina”, “Déjame Entrar”, “Ano Bisiesto”, “Exit through the Gift Shop”, y “Seguir Siendo: Café Tacvba” entre otras; además CANANA OnDemand, cuenta con un catálogo de 100 películas exhibidas en 9 plataformas digitales en México.

Con la misma energía y visión con la que fue creada la compañía, surge CANANA TV, un proyecto que apunta a redirigir la televisión de nuestro país. Este objetivo se ve reflejado en el éxito y aceptación del público con las series de televisión “Soy tu fan” y “Niño Santo”.

Desde 2011, CANANA expandió sus operaciones hacia los Estados Unidos, con Pablo Cruz al frente de la oficina, CANANA LA (EU) se esfuerza por ofrecer entretenimiento con contenido social para la comunidad latina que vive en Norteamerica, durante su primer año, Cruz desarrollo la más grande producción de Canana, CHAVEZ, en colaboración con Emilio Azcarraga, Haim Saban y Participant Media. Además CANANA se ha asociado con FOCUS Films y Showtime para futuras producciones.

Acerca de IM GLOBAL
Stuart Ford fundó IM GLOBAL en el año 2007. Esta empresa es una de las principales compañías de financiamiento, ventas y distribución cinematográfica en el mundo, defendiendo una amplia variedad de cine, incluyendo filmes comerciales, cine de arte, de lengua extranjera y de género.

Como una de las financiadoras más prolíficas en Hollywood, la compañía ha financiado o co-financiado 14 filmes en los últimos dos años y medio, incluyendo los próximos estrenos internacionales A HAUNTED HOUSE (Open Road), BULLET TO THE HEAD (Warner Bros.) y DEAD MAN DOWN (Film District).

MUNDIAL marca otro paso estratégico importante dentro de los mercados globales emergentes para IM GLOBAL, la cual vendió una participación significativa en la compañía para Reliance Entertainment, en la India, en el 2010; y en el 2011 lanzó la compañía de distribución Pan-asiática, Apsara Distribución, la cual cuenta con un acuerdo múltiple de producción con Buena Vista International en 12 territorios y con Reliance en la India. Los próximos estrenos de Apsara incluyen: THE LAST STAND con Arnold Schwarzenegger, LONE SURVIVOR con Mark Walhberg, y PARANOIA con Liam Hemsworth y Harrison Ford.

Como una de las compañías de ventas más reconocidas de la industria cinematográfica internacional, las ventas exitosas al extranjero adicionales para IM GLOBAL en los últimos años incluyen: PARANORMAL ACTIVITY, SKYLINE, A SINGLE MAN, DREDD, INSIDIOUS, SINISTER, THE INBETWEENERS, y los próximos grandes estrenos: THE BLUTLER, DARK SKIES y WALKING WITH DINOSAURS.