Posesión / Possession, de Neil La Bute

David Guzmán

A Paco Peña, por ser luz guía
en las intrincadas laderas
del cine y la literatura.

Siempre he pensado que las películas basadas en una novela exitosa y especialmente premiada, tienen el plus -de inicio- de poder apoyarse en una historia que ha sido redactada con cierto cuidado, con detalles redondeados y en donde a veces es posible encontrar verdaderas hazañas de investigación histórica y la película 'Posesión' puede presumir de ello principalmente porque se percibe, poderosa e indiscutiblemente, una gran novela detrás.

Existe el riesgo casi inherente de que al traspasar a la pantalla un gran libro (como es este caso) de que los resultados que se logren, no serán satisfactorios para el exigente lector o conocedor de la obra literaria y está claro también que solamente los verdaderos genios de la realización podrían lograr superar lo escrito, ya sea aportando nuevos elementos puramente cinematográficos o implantando una visión complementaria (no peleada) con la historia original.


Pero para entrar en materia, hay que retroceder un poco. Se han hecho dos adaptaciones para la pantalla grande de novelas de la escritora inglesa Antonia Susan Byatt. En 1995 se realizó 'Ángeles e Insectos' basada en su libro 'Morpho Eugenia', una interesante metáfora sobre una familia aristócrata de la Inglaterra victoriana estelarizada por Kristin Scott Thomas y Mark Rylance. El film, que pasó prácticamente sin pena ni gloria, comparaba curiosa e inteligentemente, las costumbres de la familia protagonista con las de los insectos (objetos de estudio del personaje de Rylance).

La segunda adaptación, es la que nos ocupa: 'Posesión', la novela con la que Byatt ganó el premio Booker en 1990 y relata la historia de dos investigadores contemporáneos que están a la búsqueda de elementos que permitan sacar a la luz, una relación sentimental que aparentemente existió entre dos connotados poetas de la época victoriana y que el mundo desconoce.

Los escritores (ficticios, hay que decirlo) Randolph Henry Ash y Christabel LaMotte fueron, según lo sugieren las pistas, algo más que simples conocidos. Es por ello que Roland Michell (Aaron Eckhart) al descubrir en una biblioteca unas cartas escritas por Ash LaMotte, busca la ayuda de Maud Bailey (Gwyneth Paltrow) -quien conoce muy bien la historia de la poetisa- para intentar desentrañar el misterio. Poco a poco, al ir encontrando cartas y poemas escritos entre estos dos amantes, Maud y Roland exploran también sus sentimientos, provocándose finalmente que el amor surja entre ellos.


Técnicamente en el film hay una lógica separación visual muy marcada entre las dos épocas (contemporánea y victoriana) que se están representando; este tratamiento hace suponer que los vínculos narrativos entre los cuatro personajes se antojen inexistentes; pero es con el avance del metraje donde se acentúa esa unión, al grado de convertirse en inquietante la transición o traslape entre ambas etapas, que a veces ocurre prácticamente de un segundo a otro (Guillermo del Toro lo hizo con maestría en ‘El Laberinto del Fauno’). Y esto es muy notorio en un par de secuencias pues Maud y Roland, en su afán de llegar hasta el fondo de lo ocurrido, deciden visitar los lugares en donde habitaron Randolph Henry Ash y su contemporánea Christabel LaMotte, situación que facilita el ir recreando paralelamente la historia de los poetas.


‘Posesión’ –el film- también tiene sus errores de ambientación y esto se nota en el mundo de los escritores, sintiéndose plástico y superficial, pues no lograron darle vitalidad y coherencia al ambiente victoriano. Y es que es muy extraño porque todo parece estar ahí, el vestuario de la época, la arquitectura, los objetos; sin embargo, ayuda más el exquisito trabajo de la actriz Jennifer Ehle en su papel de la poetisa LaMotte para hacernos sentir inmersos en esos años, que todos los utensilios colocados en escena.

Y es que Ehle, con su rostro de porcelana, sus finas maneras, su elegante caminar y la ambigüedad que proyecta personificando a Christabel LaMotte, se roba la película. La actriz, con un gran parecido físico a Meryl Streep (algunos recordarán el clásico 'La amante del teniente francés' al lado de Jeremy Irons), logra proyectar sensualidad e inteligencia inquietantes, cualidades con las que logra atrapar al escritor Randolph H. Ash poniendo de cabeza su mundo, quién aún siendo casado y ella con una amante (la pintora Blanche Glover), decide dejarse llevar por la pasión que está experimentando.


Jennifer Ehle y Jeremy Northam

La dupla contemporánea (Paltrow y Eckhart) se sienten tibios en escena y definitivamente creo que el film no forma parte de los trabajos memorables de Gwyneth. Me quedé con la idea de un error del guión al delinear su personaje como una mujer dulce y a veces coqueta pues leí que en la novela, su personaje Maud Bailey es fría y distante y no es lo que vemos en la cinta. No hay pues gran diferencia en matices actorales con la Paltrow de ‘Posesión’ y la que vimos en 'Si yo hubiera' (Sliding Doors) o 'El talentoso Sr. Ripley' del desaparecido Anthony Minghella. Sin duda, un personaje más en la línea del que creó para 'Grandes Esperanzas' (hostil y calculadora) de Alfonso Cuarón hubiese dado mejores resultados. Aaron Eckhart por su parte, a quien recordamos por su papel en 'Erin Brockovich' y colaborador habitual de LaBute, realiza un sencillo trabajo actoral con la carga a cuestas de la endeble línea narrativa que une su personaje al de Gwyneth. Esto no parece ser un error, pues únicamente se ciñen al hecho de que la novela da mayor prioridad e importancia a la historia de los poetas Christabel LaMotte y Randolph Henry Ash (Jeremy Northam) que a la dupla contemporánea.


Neil LaBute

La cinta es un homenaje a la Poesía, a la escritura; los pensamientos que Maud y Roland van leyendo durante toda la historia son exquisitos, aunque para los que no hemos leído la novela, puede parecer un recurso excesivo la cantidad de poemas que se transcriben y seguramente algunos de ellos no encuentran eco en nosotros porque no tenemos el antecedente de la situación que se está contando (es decir, no se ve en pantalla -¿error de adaptación?-), que seguramente el lector del libro sí conoce; aunque cabe la posibilidad de que la transcripción funja como mero dato ilustrativo y nada más.

Y es que hay una sensación muy grande de que el director LaBute solo está ilustrando lo que el texto dice. No sabría decir si experimentar esta percepción sea benéfica para el espectador (creo que no), pero es claro que es una fuerte indicación de posibles errores en la adaptación de la novela al guión cinematográfico.

Pero hay momentos poéticos que si emocionan y que hacen valer la pena el boleto siendo uno de ellos el suicidio de Blanche -la amante de LaMotte-, pleno de desesperanza y tristeza. Es incluso posible deleitarse con la bella fotografía que logra Jean Yves-Scoffier, que en ciertas imágenes nos hace recordar otro estupendo trabajo fotográfico pero realizado por el australiano Stuart Dryburgh con ‘El Piano’ de Jane Campion; hay que poner especial atención a las imágenes del mar y de ese lago en donde Blanche (Lena Headey) se suicida pues son extraordinarias.

Y hablando de medias tintas, otro que se queda a medio camino es Gabriel Yared con su banda sonora. Hay muchas coincidencias con obras anteriores como ‘El Amante’ de Jean Jacques Annaud y posiblemente de ‘El Paciente Inglés’ pero definitivamente no alcanza esos niveles de calidad. Sin embargo, a pesar de ser casi imperceptible su trabajo musical, sí es posible identificar las bases creadas para ilustrar y diferenciar cada época del film poniendo especial empeño en la partitura clásica (que incluye violínes, teclados y piano) para la etapa victoriana. Pero a pesar de este acierto, la música de 'Posesión', prácticamente puede pasar desapercibida ya que queda reducida a mero acompañamiento de imágenes y aunque es identificable el estilo de Yared, no deja de ser convencional.


Me quedo finalmente con la inquietud de leer la novela. Es evidente porque se siente, que la novela de A.S. Byatt tiene muchísima más fuerza emocional y riqueza histórica. Es evidente también que hay un gran libro detrás; creo que este es el gran mérito del director Neil LaBute en el film: el haber logrado hipnotizarme para salir corriendo a buscar 'Possession' (el libro) y así enterarme, con lujo de detalles (que no encontré en pantalla), de todo lo que acontece con esta gran historia de amor.

Música - Videos (02) - Morrissey / MALADJUSTED / Recomienda MIGUEL CANE

Iniciamos una segunda ronda de recomendaciones de Música - Videos para nuestr@s lector@s de Cine Visiones.

Esta semana MIGUEL CANE nos recomienda la canción y el video de MALADJUSTED, de Morrissey, de la cual Miguel nos dice:

Han pasado 25 años de que, con Johnny Marr a su lado, tomó el mundo por asalto; 20 de que se lanzó a cantar en solitario y quince de que yo lo descubriera y me encontrara ante alguien cuya música me decía cosas de mi vida (por no decir que la cambió, de algún modo).

Este es un modesto homenaje a ese hombre que me habló con sus palabras en cantos profanos y me dio una historia (o varias) para ser contada.





MALADJUSTED

On this glorious occasion ... of the splendid defeat

wanna start from before the beginning
Loot wine; "Be mine and then let's stay out for the night "
Ride via parkside, semi-perilous lives
Jeer the lights in the windows of all safe and
stable homes
(But wondering then, well, what
could peace of mind be like?)
Anyway, Do you want to hear our story or not?
As the Fulham Road lights stretch and invite into the night
From a Stevenage overspill we'd kill to live around
SW6 with someone like you
Keep thieves' hours with someone like you
...As long as it slides
You stalk the house
In a low-cut blouse:
"Oh Christ, another stifled Friday night!"
And the Fulham Road lights stretch and invite into the night
Well, I was fifteen
What could I know?
When the gulf between all the things I need
And the things I receive
Is an ancient ocean wide
Wild, lost, uncrossed
Still I maintain there's nothing wrong with you
You do all that you do because it's all you can do
Well, I was fifteen
Where could I go?
With a soul full of loathing for stinging
bureaucracy
Making it anything other than easy
For working girls like me
With my hands on my head
I flop on your bed
With a head full of dread
For all I've ever said
Maladjusted
Maladjusted
Maladjusted
Maladjusted
Never to be trusted
Oh, never to be trusted


ANGÉLICA PONCE nos recomienda la canción y video de ALICIA (EXPULSADA AL PAÍS DE LAS MARAVILLAS) de Enrique Bunbury.

“Alicia”, de Enrique Bunbury - por Angélica Ponce

Uno de los personajes más inquietantes de la literatura y la cinematografía universal es, sin duda alguna, la pequeña Alicia de Lewis Carroll, que un día persiguiendo un conejo blanco se ve inmersa en uno de los universos más locos, caóticos y surrealistas. Y ahora que Tim Burton retoma la historia de Alicia en el país de las maravillas para presentar su propia versión, por qué no mirar y escuchar a la “Alicia” de Enrique Bunbury, un cantautor que ha demostrado que sin Los Héroes del Silencio es igualmente talentoso.





Patricia Farías nos recomienda la canción y el video YA NO SÉ QUÉ HACER CONMIGO, del grupo uruguayo EL CUARTETO DE NOS.

Canción para tiempo de cambios, por Patricia Farías.

El Cuarteto de Nos es un grupo uruguayo formado en el año 1984, caracterizado por letras irreverentes y muy irónicas, que han generado polémica en el Uruguay, incluso llegando a la prohibición de la venta de uno de sus discos a menores de 18 años por contener una canción que hacía referencia a José Gervasio Artigas.

La canción que hoy les recomiendo pertenece al disco “Raro”, del año 2006, que es el disco con el que personalmente “redescubrí” a este grupo sin estar guiada por referencias, prejuicios y demás. Es un disco muy parejo, donde casi todas las canciones son recomendables; por “Yendo a la casa de Damián”, estuvieron nominados para los Grammy Latinos.

Concretamente hoy recomiendo este tema, más allá de que hay expresiones locales en su letra, porque es uno de mis preferidos de este disco: en tiempo de cambios, nada mejor que un texto como éste, que habla de experimentar y no preocuparse por los cambios de rumbo que a veces nos toca pasar.





Ya no sé qué hacer conmigo

Ya tuve que ir obligado a misa, ya toqué en el piano "Para Elisa"
ya aprendí a falsear mi sonrisa, ya caminé por la cornisa

Ya cambié de lugar mi cama, ya hice comedia ya hice drama
Fui concreto y me fui por las ramas, ya me hice el bueno y tuve mala fama

Ya fui ético, y fui errático, ya fui escéptico y fui fanático
Ya fui abúlico, fui metódico, ya fui impúdico y fui caótico

Ya leí Arthur Conan Doyle, ya me pasé de nafta a gas oil
Ya leí a Bretón y a Moliere, ya dormí en colchón y en somier

Ya me cambié el pelo de color, ya estuve en contra y estuve a favor
Lo que me daba placer ahora me da dolor, ya estuve al otro lado del mostrador

Y oigo una voz que dice sin con razón
"Vos siempre cambiando, ya no cambias más"
Y yo estoy cada vez más igual
Ya no sé qué hacer conmigo

Ya me ahogué en un vaso de agua, ya planté café en Nicaragua
Ya me fui a probar suerte a USA, ya jugué a la ruleta rusa

Ya creí en los marcianos, ya fui ovo lacto vegetariano
Sano, fui quieto y fui gitano, ya estuve tranqui y estuve hasta las manos

Hice el curso de mitología pero de mi los dioses se reían
orfebrería lo salvé raspando y ritmología aquí la estoy aplicando

Ya probé, ya fumé, ya tomé, ya dejé, ya firmé, ya viajé, ya pegué
Ya sufrí, ya eludí, ya huí, ya asumí, ya me fui, ya volví, ya fingí, ya mentí

Y entre tantas falsedades muchas de mis mentiras ya son verdades
hice fácil adversidades, y me compliqué en las nimiedades

Y oigo una voz que dice sin con razón
"Vos siempre cambiando, ya no cambias más"
Y yo estoy cada vez más igual
Ya no sé qué hacer conmigo

Ya me hice un lifting me puse un piercing, fui a ver al dream team y no hubo feeling
me tatué al Che en una nalga, arriba de mami para que no se salga

Ya me reí y me importó un bledo de cosas y gente que ahora me dan miedo
Ayuné por causas al pedo, ya me empaché con pollo al spiedo

Ya fui al psicólogo, fui al teólogo, fui al astrólogo, fui al enólogo
ya fui alcohólico y fui lambeta, ya fui anónimo y ya hice dieta

Ya lancé piedras y escupitajos al lugar donde ahora trabajo
y mi legajo cuenta a destajo, que me porté bien y que ya armé relajo

Y oigo una voz que dice sin con razón
"Vos siempre cambiando, ya no cambias más"
Y yo estoy cada vez más igual
Ya no sé qué hacer conmigo



David Guzmán nos recomienda la canción y el video Stars, del dúo sueco Roxette.

Son realmente pocos los videos que me provocan bienestar emocional sólo con mirarlos. Uno de ellos es éste, del dúo sueco Roxette. Ver a Marie Fredriksson correr como desesperada detrás del hombre que ha elegido como ideal, con sendos ropajes y leerle la declaratoria me hace pensar que, como en el video y con un poco de esfuerzo, todo se consigue.

La espléndida fotografía en blanco y negro, el mensaje de búsqueda del amor, el toque (si acaso) cursi –pero encantador- de los niños haciendo coros ó los patos cantando, son una verdadera delicia y la conclusión es muy ‘de película de amor’. Bonito y emotivo, realmente.



You keep on walkin' on the other side
Other side, other side
You keep on walkin' on the other side
Other side, other side
Wherever you go, I'm going with you
Shouldn't you know
I'm bound to follow

Whatever you say, whatever you do
I give you a clue, I'm gonna follow

And the stars will show
Where the waters flow
Where the gardens grow
That's where I'll meet you

Why don't you let me, let me come along
Na na na, na na na
Why don't you open, make me come along
Na na na, na na na
Wherever you go, I'm going for you
Oh, I was truly born to follow
Like fire and wood and paper and glue
Only a few were born to follow

And the stars will show
Where the waters flow
Where the gardens grow
That's where I'll meet you
And the sun will glow
Melting all the snow
Knowing all I know
That's where I'll meet you
(2 veces)

And the stars will show
Every breeze will blow
Knowing all I know
That's where I'll meet you

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Francisco Peña nos recomienda una serie de tres canciones del mismo grupo:

Crosby, Stills & Nash (& Neil Young en ocasiones) forman parte de la columna vertebral del rock de finales de los 60, de todos los 70, e inicios de los 80. Sin la brutal cobertura medíática de Beatles, Rolling Stones, Janis Joplin o Jimmy Hendrix, fueron populares entonces y hoy son de culto al igual que otros grupos de esos años como Fleetwood Mac, por ejemplo.

Con raíces en el folk-rock, country y hasta ritmos latinos, David Crosby (la Morsa, para los cuates), Stephen Stills y Graham Nash se distinguen por una música muy melódica, pulida, cuyo sello distintivo son sus armonías vocales y el dominio maravilloso de las guitarras. A lo anterior se suman algunas de las letras con mayor calidad literaria que se hayan fundido a la música.

Por ejemplo, el planteamiento de TEACH YOUR CHILDREN revela en líneas muy sencillas la complejidad de la relación padres-hijos y la sucesión de las generaciones en el tiempo, con el aprendizaje existencial -siempre imperfecto- de la vida, donde finalmente lo que importa es el amor. DARK STAR es un cálido homenaje a la cantante Rita Coolidge que va más allá de su objetivo inicial para alcanzar, en el coro, una de las imágenes más eróticas y deliciosamente vitales en que puede culminar una relación de pareja. En WASTED ON THE WAY se acepta el paso del tiempo y las oportunidades perdidas en su transcurso, y se hace un balance positivo de la madurez -con una visión que evalúa la juventud y apunta al futuro- dentro del imparable fluir del tiempo.

Veamos ahora los tres videos y, al final, presentamos las letras de cada una de las canciones con las partes que nos parecen más relevantes marcadas en negritas.





Vemos a CS&N en su apogeo a principios de los 70. El sello de la casa ya es evidente: su dominio de las armonías vocales y las guitarras, pero con la frescura del "comienzo" cuando, ellos y nosotros, eramos "inocentes e indocumentados" y se gozaba de la música sin condiciones previas.





La fuerza de la canción de Stills se percibe desde su inicio instrumental, dinámico y alegre, con clara participación de los ritmos latinos, en especial cubanos. En medio de la variedad de ritmos, sobresale la guitarra de Stills mientras Nash disfruta y se divierte en el escenario.






Han pasado años... La calidad se mantiene e incluso ha madurado. El dominio de CS&N sobre su música llega a tal punto que se han vuelto clásicos en el mejor sentido de la palabra. Están por encima de modas, manipulaciones comerciales y vaivenes del gusto. Hoy CS&N pertenecen a tod@s l@s que aman la música. Punto.



TEACH YOUR CHILDREN
You who are on the road
Must have a code that you can live by
And so become yourself
Because the past is just a good bye.

Teach your children well,
Their father's hell did slowly go by,
And feed them on your dreams
The one they picked, the one you'll know by.

Don't you ever ask them why, if they told you, you would cry,
So just look at them and sigh and know they love you.

And you, of tender years,
Can't know the fears that your elders grew by,
And so please help them with your youth,
They seek the truth before they can die.

Counter Melody To Above Verse:
Can you hear and do you care and
Cant you see we must be free to
Teach your children what you believe in.
Make a world that we can live in.

Teach your parents well,
Their children's hell will slowly go by,
And feed them on your dreams
The one they picked, the one you'll know by.

Don't you ever ask them why, if they told you, you would cry,
So just look at them and sigh and know they love you.



DARK STAR
Forgive me if my fantasies might seem a little shopworn
I'm sure you've heard it all before. I wonder what's the right form
Love songs written for you, it's been going down for years
But to sing what's in my heart seems more honest than the tears.

I am curious, don't want to hurry us.
I'm intrigued with us.
Ain't this song a bust.
I don't care, dark star.

I met you several years ago,
The times they were so strange, but I had a feeling.
You looked into my eyes just once,
An instant flashing by that we were stealing.
Another time you felt so bad,
And I wasn't any help at all as I recall.
We didn't know quite what to do so we left the wanting be
Still there for me and you.

Dark star, I see you in the morning,
Dark star, a' sleeping next to me.
Dark star, let the memory of the evening
Be the first thing that you think of
When you open up your smile and see me, dark star.

It's easy to be with you
Even with the storms that rage beneath your search for peace.
We must make some time together
Take the kids and find a world that's ours to keep.
Now you've got me dreaming girl.
It's been so long that I thought that I'd forgotten how.
My heart is once again my soul.
We touched, we did, you know we did, no more teasing now.

Dark star, I see you in the morning,
Dark star, a' sleeping next to me.
Dark star, let the memory of the evening
Be the first thing that you think of
When you open up your smile and see me, dark star.



WASTED ON THE WAY
Look around me
I can see my life before me
Running rings around the way
It used to be

I am older now
I have more than what I wanted
But I wish that I had started
Long before I did

Chorus
And there's so much time to make up
Everywhere you turn
Time we have wasted on the way

So much water moving
Underneath the bridge
Let the water come and carry us away

Oh when you were young
Did you question all the answers
Did you envy all the dancers
Who had all the nerve

Look round you NOW
You must go for what you wanted
Look at all my friends who did and got what they deserved

Chorus
So much time to make up
Everywhere you turn
Time we have wasted on the way

So much water moving
Underneath the bridge
Let the water come and carry us away

So much love to make up
Everywhere you turn
Love we have wasted on the way

So much water moving
Underneath the bridge
Let the water come and carry us away

Let the water come and carry us away

Están Todos Bien / Everybody's Fine, de Kirk Jones

Retrato de Familia

Miguel Cane

En los últimos veinte años, Robert De Niro ha dado un giro en su carrera, pasando de hacer proyectos de calidad y valor artístico, a filmar virtualmente, cualquier cosa: este veterano actor pasó los últimos diez años destruyendo su bien ganada fama con horribles comedias y ridículos pseudothrillers que, en el mejor de los casos, aspiraban sin éxito a las glorias pasadas; y, en las peores instancias, demostraban lo bajo que puede caer un ilustre intérprete cuando se limita a obedecer las exigencias de su cuenta bancaria. No hace falta mencionar los bodrios recientes en la filmografía de De Niro; sin embargo, es preferible esperar que Están Todos Bien sea un augurio positivo en su carrera... o al menos un fugaz recordatorio de su talento original.



En esta cinta, se ofrece la mejor actuación de De Niro en mucho tiempo; pero, comparada con su obra reciente, esto no representa gran esfuerzo. Interpreta a Frank Goode, un hombre maduro que busca renovar los lazos con sus cuatro hijos adultos tras el reciente fallecimiento de su esposa. Pero cuando sus invitaciones a una reunión familiar son rechazadas por diversos motivos, Frank decide visitar a cada uno de sus hijos e hijas, desperdigados por todo Estados Unidos, con la esperanza de restaurar las relaciones que, para empezar, nunca fueron muy directas o especialmente afectivas. Y, desde luego, con cada visita descubre nuevos aspectos de su pasado, consecuencias de su papel como padre estricto y un tanto ausente, e incluso se entera de los diversos problemas que sus hijos tuvieron que enfrentar sin su apoyo.



Si bien se ha vendido esta película como una comedia de la temporada navideña, su argumento se decanta por aspectos de melodrama familiar, con un inevitable resultado agridulce. Afortunadamente el director Kirk Jones (más conocido por la deliciosa comedia de Emma Thompson Nanny McPhee y el filme independiente Waking Ned Devine) aprovecha su sentido común británico para moderar un poco el sentimentalismo que podría hacer presa de la historia; y aunque el resultado peca ocasionalmente de manipulador y teatrero, el elenco rescata la película con honestas actuaciones que están por encima del previsible libreto, basado en una aclamada película italiana (Stanno Tuti Bene), de Giuseppe Tornatore protagonizada por el legendario Marcello Mastroianni, y algunos fans de la original seguramente quedarán decepcionados por la ausencia de profundidad y referencias a la ópera que le dieron interesantes niveles a la sencilla historia familiar (esta vez reemplazados por una obvia analogía entre cables telefónicos y los lazos de comunicación que el protagonista trata de establecer con sus alejados hijos).

De Niro, como es natural, es la atracción principal del cartel, pero también destacan las participaciones de Sam Rockwell, quien tiene excelente química con su padre cinematográfico y una deslumbrante Drew Barrymore como Rosie, la hija menor, pues a pesar de tener la menos creíble historia personal, expresa perfectamente su temor a la decepción paterna junto con el deseo de encontrar su propio camino en la vida. Kate Beckinsale tiene un desempeño razonable como Amy la hija mayor, aunque se pierde un poco entre el "glamour" de su presencia; quizá hubiera funcionado mejor una actriz que no pareciera estrella de cine, sino ama de casa normal.

En el cine estadounidense, este tipo de dramas familiares dependen mucho de la carga emocional del espectador, y Están Todos Bien quizás funcionará mucho mejor para quien encuentre parecido entre la película y su propia situación personal. Sin embargo, en el plano técnico y narrativo merece una recomendación por el alcance de su ilustre elenco y la decente dirección de Kirk Jones. Cada quien deberá determinar qué es más importante en ese modesto nicho, pero al menos, no es una cinta que humille a sus intérpretes, si bien De Niro está muy lejos del Cabo del Miedo o de ser aquél que como El Francotirador conmovió a toda una generación.

Están Todos Bien/Everybody's Fine
Con Robert DeNiro, Drew Barrymore, Sam Rockwell y Kate Beckinsale
Dirige: Kirk Jones
Estados Unidos 2009

Adoración / Adoration, de Atom Egoyan

Adoraciones y sacrificios

Miguel Cane



La mayoría de películas de suspenso, desde los años dorados de Alfred Hitchcock, proponen al espectador una especie de juego basado en desentrañar un misterio. Poco a poco se nos dan pistas que cuidadosamente colocamos en su lugar correspondiente para configurar un todo general de la historia que se está contando. A medida que avanza la trama, los personajes, sus situaciones, y sus interrelaciones nos llevan a ver todo en su totalidad.



En el caso de Adoration, película del canadiense Atom Egoyan, éste propone -como antes hiciera con El dulce porvenir (1997) aunque en menor medida- un misterio en tres partes, que involucra al espectador. Más allá de colocar las pistas para entender el global requiere jugar con la información que nos ofrece y, a medida que avanza hay que reinterpretar los datos acumulados y reestructurar todo lo que hasta entonces hemos dado por seguro. Pasamos de la linealidad al laberinto narrativo de los tiempos perdidos y el efecto es fascinante: la reinterpretación constante es un ejercicio básico para adentrarse en Adoration.

El causante de esa estructura es el juego de dualidad entre realidad y ficción que plantea Egoyan a través de la historia (en el sentido biográfico de la palabra y en el sentido literario) de su protagonista, un joven estudiante llamado Simon (Devon Bostick, en un impresionante debut). El camino que lleva al espectador a navegar las aguas de esas dos lecturas está condicionado por el cambio de trato que se le da, dentro de la ficción de la película, a la información. Ese vaivén constante de perspectiva marea la estructura de la narración que se forma el espectador obligándolo a cambiarla de manera constante, convirtiendo el cuadro en una escultura a medida que los personajes se desenmascaran, la verdad sale a la luz y los procesos de manipulación de los hechos acaban por poner cada dato en el lugar adecuado para reconstruir de manera lineal la historia.

Adoration, por otra parte, no deja de ser un melodrama plagado de conflictos, envueltos en una parafernalia estructural y enriquecido con chats múltiples online como muestra del futuro de la red social, con el objetivo de acercar la reflexión sobre lo complejo y peligroso que resultan tanto el exceso de adoraciones (ya sea a nivel religioso, personal o tecnológico) como los indebidos enjuiciamientos de quienes las ejercen. Su rebuscada estructura y su constante movilidad sirven de mímesis de los escurridizos temas aunque resulte simplista reducir una película de estas características a una simple frase.



Además, las actuaciones de Scott Speedman y la engmática y sensual Arsinée Khanjian (brillante actriz que no solo parece la hermana secreta de Isabella Rossellini, es, además, Madame Egoyan en la vida real) dan un carismático contrapunto a la historia, como figuras que se relacionan inextricablemente con el destino del muchacho y su trágico origen. Complementa el cuadro la fotografía sublime de su tradicional colaborador, Paul Sarossy, misma que juega con la profundidad de campo y con la saturación de los colores y participa en esa atmósfera siempre al filo de la navaja entre lo sobrenatural y lo cotidiano, típica del autor de la memorable Exotica. La película, según el productor, director y guionista es decir, Egoyan presenta al espectador diferentes objetos de adoración. Algunos son antiguos. Otros son nuevos y peligrosos, porque son inéditos. 11-S, campos de concentración nazis, Navidad: como narrador, Egoyan no se priva nada en Adoration, y su maestría como gran cineasta se manifiesta en cada segundo de esta película en la que los personajes nunca son lo que parecen.



Adoración / Adoration
Con Scott Speedman, Rachel Blanchard, Arsinée Khanjian y Devon Bostick
Dirige: Atom Egoyan
Canadá/Reino Unido/Francia/Estados Unidos 2008

Robert DeNiro: Un hombre serio

Actor emblemático, reconocido por su profesionalismo, regresa a las pantallas como un patriarca que reconoce a sus hijos adultos en Todos están bien.

Miguel Cane

Considerado una figura casi mitológica gracias a sus interpretaciones en filmes como Taxi Driver, Toro salvaje, Buenos muchachos – todos estos realizados en mancuerna con Martin Scorsese-, 1900 y El Padrino, parte II, todos parte de una filmografía extensa y en su mayor parte admirable, Robert DeNiro (nacido en Nueva York en 1943) es un actor que pocas veces se acerca a los medios de comunicación, pero cuando lo hace, procura ser preciso en sus respuestas y atento al escuchar las preguntas.

Es más cordial de lo que se esperaría – su reputación de huraño lo precede y no es del todo cierta- y de su mas reciente película, Están todos bien, una nueva versión estadounidense de la cinta de Giuseppe Tornatore estelarizada por el legendario Marcello Mastroianni, reconoce que ha sido una de las más personales y cálidas que ha interpretadoen mucho tiempo y esto le agrada ya que explora una faceta de su carrera que no es muy habitual: "en años recientes existe esta idea de que interpreto a tipos duros, pero en este caso, siento que hay algo más que eso, una dimensión extra del personaje que lo hace más fácil de reconocer para el público”. La cinta muestra las aventuras y desventuras de un patriarca viudo que atraviesa los Estados Unidos para reunirse con sus cuatro hijos adultos durante la temporada navideña. Conocido por su meticulosa preparación a la hora de interpretar a sus personajes, De Niro reconoce que no necesitó estudiar en exceso para meterse en la piel del padre, Frank Goode, pues “en cierta forma, como hijo y como padre, he vivido cosas similares en la vida real”.

¿Es cierto que fue idea suya participar en la cinta cuando supo que era una versión del filme realizado por Tornatore en 1990?.
Sí. Leí el guión y me reí tanto que le dije a mi agente: “hagamos esta película. Yo interpretaré al protagonista”.

¿No le preocupó el hecho de que fuera, específicamente un remake? Esto es algo que se ha popularizado mucho en Hollywood en las últimas dos décadas.
Ya había hecho un remake, el de Cabo de Miedo, con Scorsese. De hecho, no era un remake, sino un nueva adaptación de una historia. Lo mismo pasa con esta. No tiene realmente nada qué ver con la película de Tornatore, excepto en que parte de una misma anécdota, pero los personajes son diferentes, tienen otro enfoque y el desarrollo es diferente también. Digamos que es una historia similar, con unos mismos valores, pero me gustaría pensar que es también muy personal. Hacer estas cosas forma parte de trabajar en Hollywood. Todos formamos parte de la misma industria, aunque cada uno tenga perspectivas distintas de su trabajo. Yo protagonizo esta película porque me parecía un proyecto muy inteligente y cálido. Una historia de familia que me daban muchas ganas de contar.

¿Recurre de algún modo a experiencias de su vida personal a la hora de escoger personajes?
Obviamente, recurro a mi propia experiencia para interpretar mis personajes. Eso hace que el trabajo sea más personal. En el caso de Frank Goode, me resultaba interesante que fuera un hombre que por cuatro décadas había trabajado de manera incansable para sostener a una familia con la que le unen lazos afectivos genuinos – él sin duda ama a sus hijos- pero no los conoce. Esto me pareció relevante para nuestros tiempos; hay muchos padres que no se dan tiempo de conocer a su prole hasta que son adultos y esto da pie a muchos conflictos que se reflejan aquí. Creo que el guión es cándido en ese aspecto y busca evitar la manipulación. Frank Goode es un personaje con fallas, pero creo que esas mismas fallas, al igual que las de sus hijos, toda vez que salen a la luz, los vuelven más humanos, más entrañables.

¿Como intérprete usted se enfrenta de modo distinto a la comedia que al drama?
Cada película es un universo en sí misma. No todas las comedias son iguales. Por ejemplo en esta película, que podría ser vista como una comedia, hay más drama que en La familia de mi novia, que es una película cómica y extrapola para lograr la risa. La gran diferencia está en el tiempo que uno invierte en cada filme. Con ciertos dramas tienes que estudiar el personaje, conocer su educación, su historia, el entorno donde se mueve. Otras películas, como ésta son más fáciles porque conoces perfectamente el personaje. Yo conozco a Frank Goode, creo que todos alguna vez hemos conocido, o hemos sido alguien como él.

¿A usted le preocupa cómo le percibe el público de una película a otra?
La verdad es que no. Creo que es algo que nunca me ha importado, ni para bien ni para mal. Siempre habrá gente que me critique por interpretar comedias, pero es algo que me divierte mucho y como actor nunca he buscado limitarme. Hago lo que me gusta.

Recién firmó un contrato con la CBS para producir tres series de televisión que se rodarán en Nueva York ¿Qué tipo de series le interesa llevar a la pequeña pantalla?
Vamos a producir tres series en Nueva York completamente diferentes. No puedo revelar mucho más. En lo personal, a mí no me gusta la televisión, pero cuando se presentó la oportunidad de producir esos proyectos, me pareció una buena idea. Hoy en día los mejores guionistas escriben para la pequeña pantalla; ahí tienes series como Los Soprano, o Dexter. El próximo otoño sabrán más.

Usted estuvo en tratamiento por cáncer de próstata hace dos años ¿la cercanía de la muerte le obligó a cambiar su forma de ver la vida?
Sí. Ahora ya no dejo nada para mañana. Si pienso en hacer algo lo hago en el momento, ya no lo dejo pasar. No me privo de nada. Uno piensa que tiene diez años para llevar a cabo un proyecto, y yo, ahora, después de mi enfermedad, soy muy consciente del tiempo. Hay que vivir en el presente.

¿Habrá un reencuentro con Martin Scorsese?
Hay planes. Hay un par de proyectos que Martin y yo queremos llevar a cabo y que están en manos del guionista. Pero tenemos un plan aún más ambicioso con otro filme que está escribiendo Eric Roth. El próximo año volveremos a trabajar juntos en dos películas. Ya verán. Yo estoy muy satisfecho de volver a trabajar con mi amigo.

Su relación con los medios de comunicación suele ser más bien ambigua. ¿A qué diría usted que se debe esto?
No sé si debo decir esto. Qué más da... Mira, yo creo que actualmente, en América, los medios son como un gran dinosaurio con una cola que se mueve de un lado para otro y puede pegarle a todo indiscriminadamente. Golpea, golpea y sigue golpeando, cosas buenas y cosas malas. Eso forma parte de la libertad de prensa. ¿Qué le vamos a hacer? Algunos medios son honorables, tienen equipos profesionales, buena gente, gente inteligente que se interesa por el trabajo que haces y busca hacer preguntas que se adaptan a esto. Por desgracia, ustedes son minoría ante la oleada incesante de seudo periodistas frívolos y estúpidos que sólo buscan explotar la vida ajena. Yo no discuto mi vida privada con nadie, no me interesa hacerlo. Solo hablo de los temas que me interesan y que me parece de cierta importancia compartir. No todos los medios comprenden esta posición y prefieren señalarme como un ogro. No lo soy. Es sólo que mi trabajo es lo único que debe importarles y eso es todo.

Avatar, de James Cameron

Miguel Cane

Hace más de diez años que James Cameron se autoproclamó el “Rey del Mundo” cuando obtuvo el Oscar a mejor director y mejor película por Titanic, a su vez la película más taquillera de la historia (eran los 90, década propensa a exceso, de cualquier modo) y con la canción más pegajosa que una banda sonora haya generado jamás – elevando a Celine Dion a ser un tópico sobreexpuesto, igual que Leonardo DiCaprio, que no se ha recuperado del todo-. Tras ese prolongado silencio, el otrora director aventurado de Terminator y la memorable Mentiras verdaderas, regresa con un proyecto que le ha tomado mucho tiempo (y mucho, muchísimo dinero) completar. En sus propias palabras Avatar es su “película soñada”, en la que ha invertido su concentración y todas las técnicas que aprendió a lo largo de su carrera (y que fueron, en su momento, consideradas revolucionarias por muchos).

¿Y el resultado?

El resultado son 180 minutos de una trama que podía haberse contado en 30, con una sensación de decepción que crece al punto de volverse insoportable. Uno espera que la cosa repunte, que mejore, que suceda algo que justifique (o bien, que disipe) los tropezones narrativos del principio, del medio o del final. Pero esto no sucede. La película no se recupera nunca de la falla fatal de tener un guión incoherente y pueril, apenas una triste semijustificación para sus mensajes gazmoños y rollos dizque “críticos” de la “política intervencionista en la historia reciente de los Estados Unidos” que son presentados con escasa sutileza a manera de “metáforas” con disfraz de ciencia ficción y efectos visuales que podían, pese a los recursos involucrados, haber sido mucho mejores y más convincentes de lo que en realidad son.



La trama, sin echarles mucho a perder, y como seguramente ya conocen (la avalancha publicitaria es casi sin precedentes y huele a desesperación del estudio por llevar gente a las salas como sea) trata sobre el primer contacto entre los terrícolas y los Na'vi, una raza semifelina que habita en el selvático planeta Pandora. Un humano (Sam Worthington) es infiltrado al planeta con un 'Avatar' – una representación virtual- de Na'vi. El resto de la trama gira en torno a su proceso de adaptación, su shock cultural y cómo descubre otra especie. Etcétera, etcétera. Ustedes pueden adivinar el desenlace desde el principio.


Ahora bien, la película tiene sus momentos de brillantez, hay un diseño de producción muy logrado (algo que es de cajón en la filmografía de Cameron) y algunos efectos (sobre todo en la nave nodriza) son estupendos. Sigourney Weaver (que es una presencia donde se la ponga) tiene una aparición notable como Grace Augustine, la proverbial figura materna y también la científica a cargo del proyecto Avatar, pero está desperdiciada en aras de la trama ostensiblemente simplificada para gustar a los adolescentes y niños que acudirán a las salas esta Navidad para ver el espectáculo. Porque eso es Avatar, un espectáculo llamativo, como el circo, pero sin sustancia, sin sensación de maravilla – aquella magia que se manifestó en Jurassic Park, aqui ya no pega-, sino de mercantilismo. Es inevitable preguntarse, ¿tantos años para esto? Desde luego, Avatar tendrá éxito de taquilla, ya está nominada para Globos de Oro y tiene por lo menos algún Oscar de efectos visuales asegurado, pero ¿y qué? Eso no la hace una buena historia, o una aventura memorable. Dentro de un año o dos, nadie hablará de Avatar, a menos que surjan las inevitables secuelas. Pero aún así, una cinta tan costosa, sin ningún tipo de espíritu, es un fracaso monumental a nivel artístico. Cameron trabaja de modo mecánico, y su “sueño”, por muy bonito que luzca, es tan sólo un paquete vacío.



Avatar
Con Sam Worthington, Stepehen Lang, Zöe Saldaña, Michelle Rodríguez y Sigourney Weaver
Dirige James Cameron
Estados Unidos, 2009

En corto, con Drew Barrymore

Ha sido una estrella desde niña, ha visto el lado sórdido de Hollywood y ha vivido para contar la historia. Ahora, es una de las protagonistas de Estamos todos bien, una de las cintas de la temporada navideña.

Miguel Cane

Debutó en cine a los cuatro años, con una aparición como hija de William Hurt y Blair Brown en la película Estados Alterados (Ken Russell, 1980) y posteriormente alcanzó el estrellato de la mano de Steven Spielberg como una de las protagonistas de E.T. El Extraterrestre. Nada mal para una de las herederas del linaje Barrymore, que incluyó a grandes figuras como su abuelo John Barrymore o su tía Ethel, que hicieron historia en los escenarios y en la pantalla a principios del siglo XX. Sin embargo, para Drew Blyth Barrymore (1975) las cosas no fueron tan sencillas – a los nueve años ya fumaba, a los diez bebia y a los doce era una drogadicta. Su camino de vuelta a la vida fue difícil y tortuoso; no fue sino hasta los 18 años que se desintoxicó por completo y comenzó a recuperar una carrera que había caído en producciones baratonas y carentes de calidad; poco a poco fue recuperando su nicho y en la última década ha conseguido ser una actriz taquillera, con buen reconocimiento de la crítica, balanceando filmes comerciales con producciones independientes y hasta de prestigio.

Así, cierra 2009 compartiendo créditos con el legendario Robert DeNiro en Estamos todos bien, una cinta agridulce que es la versión estadounidense de Siamo tutti bene, realizada en 1990 con Marcello Mastroianni por Giuseppe Tornatore; asimismo, tiene una nominación a los Globos de Oro por su trabajo en el telefilme Grey Gardens, en el que participó junto a Jessica Lange y debuta como directora con la comedia independiente Whip it! ambientada en el mundo del Roller Derby, por lo que éste ha sido un año de mucho trabajo.

¿Sientes que el periodo 2008/2009 fue un año agotador para ti a nivel profesional?
Bueno, trabajé mucho, es cierto, pero no me puedo quejar... fue maravilloso. Estuve activa en una serie de cosas que me cautivaron desde el principio y si eso significa que tenga que ir de un lugar a otro y trabajar muy duro, no me importa. Me encanta mi trabajo, mi profesión. La verdad es que no sé hacer otra cosa, me encanta esto.

Es verdad. ¿Nunca contemplaste la posibilidad de dedicarte a otra cosa que no fuera el cine?
La verdad es que... no. Bueno, sí, como a los quince o dieciséis años, cuando tuve muchos problemas personales, pensé “Oh, a la mierda con todo este mundo de apariencias. Quiero hacer otra cosa.” Pero lo cierto es que me estaba engañando. Esto me encanta, me ha encantado desde que era niña. Es solo que tenía que ponerlo todo en perspectiva. Conozco los detalles de dedicarme a esto, como si hubiera hecho un doctorado, pero a base de experiencia práctica. Son más de veinticinco años de hacer esto para vivir. No podría hacer otra cosa... aunque a veces pienso que un día lo que voy a hacer es comprarme una casa en el campo y dedicarme a leer y a sembrar mis propias verduras. Tal vez un día lo haga, ¿por qué no? Aunque siempre hay algo que me atrae, me hace volver...

Ahora te toca trabajar con Rober DeNiro.
Sí... ¿no es increíble? Es uno de esos actores que admiras de siempre, que ves de lejos y piensas “Oh, es Robert DeNiro... debe ser maravilloso trabajar con él” -- recuerdo que hace algunos años, mi amigo Ed Norton hizo una película con él y le dije, “¡Te odio! ¡Estoy celosa!”... él me contó que trabajar con él era muy diferente de lo que había pensado, que muchos podrían tenerle miedo, pero que en realidad es un personaje extraordinario... y lo es. Cuando me ofrecieron trabajar en la película acepté de inmediato, nada más oír su nombre. Aunque hubiera sido un papel muy pequeño, eso no me hubiera importado con tal de verlo trabajar de cerca, compartir una escena con él... y fue increíblemente bueno y generoso, conmigo y con todo el elenco. Fue una experiencia estupenda.

¿Fue difícil reunir a un elenco para esta película, considerando que no es muy fácil de interpretar?
Para nada. Todos se acercaron a la cinta de inmediato.y la razón es muy simple, además de trabajar con DeNiro. Cualquiera de ellos puede sentirse identificado con las historias que se cuentan en la película. Creo que todos nos reímos y nos conmovimos leyendo el guión y lo mismo le va a pasar al público. Si no somos ellos tenemos a un amigo o a un hermano que se le parece. ¿Quién no ha estado en la situación de tratar de reconectar con su familia por alguna razón? Todos en algún momento hemos tenido esas llamadas, esos encuentros. Es como la vida misma. Asi que Sam (Rockwell) y Kate (Beckinsale) estuvieron felices de acercarse y yo de trabajar con ellos. Fue sorpendente la dinámica que se logró. Me sentí muy satisfecha.

¿Por qué elegiste el papel de Rosie?
Cuando leí el guión la primera vez, me enamoré del papel de Rosie. Me habló mucho de mi vida. Tengo treinta y cuatro años, soy soltera, estoy muy tranquila, transitando otra etapa de mi vida, lo comparto todo con mis perros, tengo muy enfocada cómo quiero vivir mi vida, y eso me hace diferente a ella, que no está contenta con su vida, pero podría estarlo, si tan solo se atreviera a hablar con la verdad. Eso es algo que todos los hijos de Frank Goode tienen en común – aprenden a vivir con su realidad, por triste o complicada que esta sea, aunque con esperanza. Eso es lo que tiene la película para ofrecer, una idea de amor, de esperanza, de que no es demasiado tarde. Me gustó mucho esa idea y por eso tomé el papel de Rosie, encantada.

La familia es un tema central en la trama. ¿Cómo te llevas con esa institución?
Tengo una familia muy poco convencional. (Sonríe) Pero siempre fue de este modo, así que no puedo quejarme, porque no he conocido otra. Pero puedo decirte que mi relación familiar es buena, es cálida a su manera. Tengo muchos y muy buenos amigos, que me han dado abrigo en estos años y ellos también componen mi familia. Estamos juntos de un modo u otro, aunque no nos veamos con frecuencia, pero son mi familia, mis seres queridos.

¿Fue difícil poder dirigir tu propia película?
Sí, pero estoy fascinada. Lo primero que hice, desde hace unos diez años, fue empezar a producir – tenía una productora llamada Flower Films- pero me tomó algo de tiempo el poder sentirme preparada para tomar todas las riendas. Whip it! Es una comedia simpática, en la que también actúo yo. La historia sobre una típica chica de Texas (Ellen Page) que quiere dejar atrás los concursos de belleza a los que la lleva su madre, que sueña con que sea una reina de belleza y lo que realmente desea es unirse a un equipo de skaters profesionales. El rodaje lo hicimos en tres meses y fueron jornadas agotadoras, pero me sentí muy, muy contenta de los resultados. Cada dia llegaba a mi cama casi muerta, pero sentía que valía la pena. Cuando vi la película completa, sentí que lo habia valido todo. Ellen fue estupenda y Texas es el mejor lugar para filmar. Me encantó hacerlo y pienso repetir.

Siempre pareces estar de buen humor. ¿Cuál es tu secreto?
Trato de tener una filosofía positiva ante la vida. Creo que somos campos de energía y que podemos elegir que esa energía sea positiva o negativa. Sé que suena como un rollo medio hippie y es porque yo soy un poco hippie (se ríe) Pero ser así me hace feliz y espero que eso se transmita a las personas que me rodean. Creo que si tú estás bien, los demás también lo estarán al percibirlo, para mí es como la regla de oro. Me gusta compartir lo bueno con los demás.

La Princesa y el Sapo / The Princess and the Frog, de Ron Clements y John Musker

Soñar es desear

Miguel Cane

Esta temporada navideña, la casa Disney regresa a la animación tradicional que le trajo fama y prestigio, y lo hace con la primera princesa negra de su historia. Ahora bien, si es cierto que hay más aires de tradición con el estilo visual de siempre, y algo de novedad hay al optar por un personaje principal que cree más en el trabajo duro que en la magia, pero la película, pese a sus buenas intenciones, se queda corta en comparación con los grandes clásicos que marcaron una época.

La protagonista de esta historia es Tiana, una jovencita humilde (como es la regla, para poder aspirar a ser princesa) que vive en Nueva Orleáns durante los años 20, (la era del jazz que decía Fitzgerald) y que trabaja para cumplir su sueño de algún día tener un restaurante, por lo que ha puesto el amor en un segundo plano, en tanto una de sus amigas busca conquistar el corazón de un príncipe que llega de visita a la ciudad.

Por supuesto, para complicar las cosas, un conjuro vudú convierte al príncipe en sapo y (como es de esperarse) buscará el beso salvador en Tiana. En la historia, todo sigue su rumbo hacia el final previsible, haciéndole homenajes a musicales de Broadway, derrochando producción, presentando personajes simpáticos y chistes que son de fácil comprensión para los niños.

Pero la magia no está ahí. Se esfuerza tanto la película en ser “memorable” y “un retorno a los encantos de antes” que no tiene personalidad propia – aunque se esfuerza en hacerlo, que con la primera princesa afroamericana, etcétera- y deriva en una especie de híbrido de La Sirenita y La Bella y la Bestia, pero sin mucha elegancia. No hay la sensación de magia que abundaba en otros clásicos como La Bella Durmiente, que ayudaron a marcar una época. Se siente que ahora, la pelicula de marras es un pretexto para lanzar una línea de merchandising: muñecas, juegos. Es una manera de asegurar a un público cautivo (las niñas entre 5 y 13 años) pero es un esfuerzo tan descarado, que sabe a comercio, aún pese a las ingeniosas referencias a los musicales del antiguo Hollywood y a las intenciones políticamente correctas.

Es inevitable que en época de vacaciones surja una pelicula para llevar a los niños al cine, pero es una lástima que la casa Disney haya caído en el juego de la competencia y (con la excepción honorable de lo que hace con Pixar) recurra al sensacionalismo decepcionante y el lugar común, para refrendar el sitio que antes ocupara por antonomasia. Esta no es una princesa fea, de ningún modo. Es sólo que se siente prefabricada, lo cuál es en algunos casos, peor.

La princesa y el Sapo/The Princess and the Frog
Dirigen: Ron Clements y John Musker
Estados Unidos 2009

Wes Anderson: la visión detrás de la lente

Es uno de los cineastas jóvenes más reconocidos a nivel internacional y con El Fantástico Señor Zorro, incursiona por primera vez, con su estilo muy particular, en la animación.

Miguel Cane

Desde que realizó su primer cortometraje, Bottle Rocket, que posteriormente convertiría en su filme debut, Wes Anderson (Austin, Texas, 1969) dio mucho qué hablar en una esfera en la que la presencia de auténticos autores ya se consideraba algo escaso. La promesa cristalizó con Rushmore (1998), su segundo filme, que dejaba bien claro su estilo-rúbrica y rindió frutos con The Royal Tenenbaums (2001), considerada una de las mejores cintas de la década y aclamada tanto por las interpretaciones de un elenco notable – que incluye a algunos de sus actores recurrentes, como Bill Murray, Owen Wilson y Anjelica Huston- como por su guión, que le valió premios internacionales y una nominación al Oscar.

Tras realizar dos largometrajes más (La vida acuática y Viaje a Darjeeling), Anderson volvió sus ojos a lo que es su proyecto más ambicioso hasta ahora: una fiel adaptación de El Fantástico Señor Zorro, una novela del escritor Roald Dahl, autor de clásicos modernos para niños (y no tan niños) como La Brujas, James y el Melocotón Gigante y Charlie y la Fábrica de Chocolate, que es, no solo su primera adaptación de un libro – todos sus otros guiones eran originales-, es también su primera incursión en la animación por stop-motion, un estilo que Tim Burton llevó a su mejor nivel (hasta ahora) en El Cadáver de la Novia. El estilo particular que tiene Anderson para narrar, lo hace tomar a los personajes de Dahl y darles una vida propia, haciendo que la cinta de animación se convierta en algo completamente inesperado en el género.

Trabajar en animación, algunas veces es sinónimo de caos, y tus películas son muy metódicas. ¿Cómo se resolvió ese conflicto?
La animación puede parecer caótica a veces, y ciertamente hacer una película es cuestión de orden. Planeas un calendario y un presupuesto, y cuanto mejor sea ese plan, mejor será el resultado. Pero en la animación hay que hacer una planeación completamente distinta. Tienes que trabajar en el diseño de los personajes, los escenarios... es algo completamente nuevo, muy distinto, a por ejemplo, filmar en locaciones. Lo cierto es que tuve que seguir un método completamente nuevo y el filme no se parece en nada a lo que tenía en mente.

Supongo que éste fue un proyecto de larga producción...
Sí. La primera vez que salió a la conversación la idea fue hace unos cinco años, cuando estaba filmando La vida acuática, en Roma. Por entonces, no sé muy bien por qué, releí algunos libros que ya había leído antes. Roald Dahl me encanta de siempre, lo lei de niño y lo volví a leer de adulto. Señor Zorro me gustó particularmente ahora, porque me pareció no sólo una comedia brillante, también es una mordaz sátira sobre ciertos estilos de vida que son prevalentes hoy en día. El Señor y la Señora Zorro tienen un dilema que mucha gente en la vida real tiene, y luchan contra los que quieren despojarlos de su madriguera, que es su hogar, con ingenio, con picardía, con humor. Básicamente eso es lo que me atrajo de la trama, el humor y la manera de contar una historia relevante y divertida, sin caer en los mensajes odiosos. Entonces comencé a pensar en hacer la película y mi hermano Andrew comenzó a ayudarme a hacer los bosquejos para los personajes... y de pronto, mientras rodábamos Darjeeling en India, yo ya estaba en medio de la pre-producción y listo para rodar. Fue sorprendente lo rápido que pasó el tiempo.

¿Qué te inspiró para crear los personajes, elegir a los actores que les dan voz?
Tomamos como referencia las ilustraciones de Quentin Blake, que fue el ilustrador favorito de Dahl, y de ahí, comenzamos a hacer todos los cicloramas para las figuras. Hicimos muchísimos modelos para cada uno y cuidamos los detalles. Además de los zorros, tenemos hurones, osos... toda la fauna del bosque, antropomorfizada y cada uno con sus propias características individuales. Fue un trabajo agotador, darles cada textura. Y las voces... bueno, tú sabes cómo es esto. Owen (Wilson), Bill (Murray) y Jason (Schwartzman) son mis amuletos de la suerte... nunca faltan en mis peliculas, ya sea en papeles pequeños o grandes, pero siempre me gusta trabajar con ellos y tenerlos cerca. Para la Señora Zorro, quería una gran voz y la de Meryl Streep... bueno, no hay nadie que pueda superar a Meryl Streep. Luego, vino la elección de la voz del Señor Zorro y George Clooney buscó audicionar para hacerlo. Hablé con él y le dije “tú no tienes que audicionar, eres una estrella, ¿por qué querrías hacer una película tan modesta?” Y él dijo que porque era un amante de Dahl y porque quería el reto. Hizo pruebas de voz y funcionó. Le da una personalidad muy especial al personaje y le da vida. Ese es el centro de la película, el personaje que nos lleva en su aventura para asestar un golpe a los abusivos y poderosos, con un poco de ayuda de su mujer, claro.

¿Piensas volver a incursionar en la animación en un futuro?
No lo descartaría. Hice esta película por menos dinero que, por ejemplo, La vida acuática. Sin embargo, es un trabajo agotador. No sé si podría aventurarme así de nuevo... (se ríe) Fue una experiencia rica y satisfactoria. Hoy en día hay mucha competencia y lo que hicimos nosotros no entra exactamente en esos cánones. En los últimos años, muchas productoras pueden hacer lo imposible. Entre las sagas de "El Señor de los Anillos" y "Piratas del Caribe" hasta la película de "Transformers", solo por mencionar algunos filmes, todas las técnicas ya se han inventado. Ahora depende de qué tan buen creador eres. Eso es básicamente lo que hemos buscado hacer.

¿Es importante para ti que tus obras lleven tu rúbrica personal?
Mi prioridad en este oficio es contar historias nuevas que entretengan. Hay quien dice que hago películas para mirarme el ombligo o para demostrarles a todos que soy un hombre muy listo (que no lo soy) --risas.- Otros detractores dicen que siempre hago la misma película. Sí, hay cosas que se repiten. No me importa que mis obras sigan una misma corriente de pensamiento o que se las coloque juntas en una estantería. Pero me sorprende que se diga que The life aquatic es como Los Tenenbaum pero en un barco, porque no lo es.

¿Es El Fantástico Señor Zorro una película exclusivamente para los niños o un adulto puede asimilarla como algo que le va a interesar más allá del desarrollo técnico implicado?
Buena pregunta, a mí me gusta pensar que sí, que hay más cosas que le van a atraer al público, más allá de la animación. Queremos mostrar una historia bien contada; los personajes del bosque le gustarán a los niños, pero un adulto (especialmente aquél que como nosotros, creció admirando las obras de Roald Dahl y su fino sarcasmo) encontrará muchas referencias y elementos que le hablarán y que lo harán identificarse. La película le habla a todo tipo de audiencia y eso es lo que más importa: poder hacer una buena historia para todos.

John Cassavetes, el abuelo del cine independiente

En los 60 y 70 John Cassavetes fue motor del cine independiente. Hoy muchos “directores alternativos” no lo saben pero le deben la libertad… y el éxito.

Francisco Peña

“Paramount está a una pulgada de donde la queremos y, de repente, Universal está interesada también. Voy a dinamitar esta ciudad y vamos a estar en Beverly Hills con una alberca, jardín y todo el circo, y los niños también, Ro. Palabra de scout. Ahora tengo que correr y hacerme famoso”. Esta es una de las frases más famosas de John Cassavetes.

Sí, una de sus frases más conocidas… como actor. Nada más alejado de su carrera como director y de su vida personal. Hollywood y las grandes productoras nunca fueron las metas de John Cassavetes sino todo lo contrario: Nueva York, producciones pequeñas, películas personales y una fama ganada a pulso como cineasta creativo e independiente. La frase la recuerdan muchos porque describe perfectamente quien es Guy Woodhouse, el egoísta, manipulador, cínico, ambicioso y finalmente satánico marido de Rosemary (Mia Farrow) en El Bebé de Rosemary/La semilla del diablo (Polanski, 1968, -y aquí Miguel Cane se pone de pie), actuado por Cassavetes en una de sus interpretaciones de culto.

La huella que dejó como director es muy diferente. A 80 años de su nacimiento, el 9 de diciembre de 1929, y a 20 de su muerte en 1989, Cassavetes es una deidad fílmica para estudiantes de cine y cinéfilos de corazón que se apartan de la forma hollywoodense de hacer películas. Para ellos es el creador de dramas desafiantes casi improvisados, de aristas poco pulidas, que en momentos rompen la ilusión de realidad para declarar “soy sólo una película”; cintas en donde la realidad se sirve al espectador como carne tártara: cruda, no para paladares empantanados en el cinebasura. Fue un clásico director rebelde, que sólo pisaba los grandes estudios cuando filmaba como actor para ganar dinero y pagar las cuentas. Fue el iconoclasta que, junto con su esposa y actriz principal Gena Rowlands, se endeudó varias veces al grado de hipotecar su casa para terminar sus películas.

Sus cintas más conocidas como Maridos (1970), Minnie y Moskowitz (1971), Una mujer bajo influencia (1974) o Gloria (1980) eran amadas u odiadas en Estados Unidos, pero aplaudidas en Europa y algunas eran invitadas imprescindibles en las primeras ediciones de la Muestra Internacional de Cine. En todas hay varios hilos temáticos presentes, pero uno de los más subterráneos e importantes es el de la mortalidad, el juego entre vida y muerte. En medio de alguna secuencia sus personajes de pronto descubren que la vida es corta y frágil, que todo ser humano tiene encima una sentencia de muerte. Cassavetes siempre pensó que esta era una de las fuentes más interesantes del drama.

Relacionaba el binomio Vida-Muerte con su trabajo como director de cine. “Creo que estoy influenciado por el hecho de que, cuando haces películas, todos los que trabajamos en el cine lo hacemos como si fuera la última vez, la última película, como si ya no hubiera otra. Creo que mis personajes están influenciados por esto, cuando los escribo, cuando los dirijo. Es la última vez, aunque quizás viviremos, pero no tenemos otra alternativa. Creo que sientes más la mortalidad cuando estás más vivo porque es cuando no quieres que te pase algo. Cuando estás deprimido no te importa mucho la muerte. Pero si estas pasando por un momento maravilloso, si estás sintiendo la vida y la disfrutas mucho, entonces te preocupas. Es como un hombre rico que teme ser robado. A un pobre no le importa tanto que lo roben…”, comentó el director unos años antes de su muerte.

En el fondo, Cassavetes era un amante de la vida y del cine por lo que arriesgaba todo en sus producciones como lo haría un jugador en Las Vegas con tal de triunfar –y ver su película terminada justo como él quería. Esa vitalidad innata lo llevó a oponerse al cine clásico de Hollywood e impulsar una forma más libre de hacer cine. Un ejemplo fue como inició el financiamiento de su primera cinta, Sombras (1959). Ya era un actor conocido cuando decidió ir a un programa de radio para pedirle al público que lo ayudara a filmar mandándole sólo un dólar. “Al día siguiente llegaron siete mil, en billetes de a dólar, y otras gentes trajeron equipo. Era un milagro, así que teníamos que hacer la película”, comentó en una entrevista. Pero no fue el único caso. Para rodar Caras (Faces, 1968) invirtió sus salarios actorales de Doce del patíbulo (Dirty dozen, 1968, nominado al Oscar) y El bebé de Rosemary. Pero no todas sus innovaciones se referían al dinero. Aunque escribía los guiones y diálogos de sus cintas, en el momento de rodar (por ejemplo, Gloria, 1980) permitía que sus actores improvisaran el tono y la pronunciación, rompía la ilusión del público al dejar que se viera el boom para captar el sonido o movía la cámara desaforando para ver que las paredes eran paneles de madera.

Todo motivado por su amor a la vida, al cine y su desapego de Hollywood, al que de joven criticó con acidez: “¿Por qué no hacen cosas excitantes, innovadoras? ¿Por qué siguen haciendo esas películas aburridas que ya se han hecho tantas y tantas veces, y siguen diciendo que son maravillosas? Es una mentira. No son excitantes. Lo excitante es experimentar”, señaló en alguna ocasión. Por eso lo aman los estudiantes de cine y los cinéfilos de mente abierta: sus películas no son “cómo deberían ser”. Cassavetes hizo su cine de una forma totalmente diferente al que estaban acostumbrados.

Hoy existen directores jóvenes que abjuran de sus métodos, lo desconocen o de plano se burlan de su obra. En su ignorancia y/o soberbia olvidan que Cassavetes no jugaba con guiños infantiles a los espectadores sino que mostraba realidades. El abuelito del cine independiente era ante todo honesto con la vida y su cine. Así consiguió su libertad creativa y esa es su gran herencia, herencia que varios de sus “nietos alternativos” venden hoy por un plato de lentejas hollywoodenses.

Anticristo / Antichrist, de Lars von Trier

Pedro Emilio Segura Bernal

La historia es sencilla y casi por todos conocida, pero aun así, comentémosla. Lars von Trier se deprimió, se bloqueó y le costo escribir, así como le fue imposible tomar una cámara. Tiempo después, a pesar de las dificultades logró concebir Anticristo.

La trama de Anticristo es sencilla y probablemente usted lector ya la conoce, pero aun así, más por responsabilidad que por gusto, mencionémosla. El y Ella se rinden a los placeres de la carne mientras su primogénito, disfrutando de su libertad a causa del descuido paterno, cae de una ventana dándose así su muerte. Dicho suceso, contenido dentro del prólogo de la obra, se retrata con una técnica tan impecable que disgusta, quedando como resultado una escena falta de emoción salvo por la musicalización de Handel donde la exactitud técnica y su impecable factura disgustan más que deleitar visualmente.



El resto de Anticristo trata sobre el proceso y las consecuencias de la culpa, más en la madre, encarnada por una Charlotte Gainsbourg que se enfoca en impresionar dando uno de los mejores desempeños que se podrán observar dentro de la historia de la cinematografía mundial, por exagerado que pueda leerse. La pareja se adentra dentro de una de sus propiedades colocada en un bosque llamado Edén (más que obvia la base de este elemento) buscando bajo técnicas psicológicas (dícese de una terapia cognitiva que en Anticristo termina aplicando de manera individual el paciente a su doctor) para de ahí partir a que se suscite el tormento y el horror.

En sí, Anticristo es una búsqueda del terror dentro de lo natural, lugar donde el orden se encuentra y se da dentro y gracias al caos, donde el fin último de todo resulta la muerte y donde todo resulta supuestamente bello y perfecto, es por si solo terrible, tal y como la naturaleza innata del hombre como animal más que como ente social.

Como podrán darse cuenta, más que una llamada a la controversia, la obra de Trier es un exorcismo de toda la mierda que poseía su alma, su corazón y su inconciente, así como un ejercicio cinematográfico acerca de la culpa, los placeres y la muerte. Todo esto tiene la finalidad, fuera de la misoginia y la crudeza de cada uno de sus componentes, de llamarnos a unirnos a la visión del danés autoproclamado el mejor director del mundo: todo está jodido y lo jodido incluye nuestro interior, que es el que realmente termina proyectándolo y fundiéndose con el exterior.

Destacan en los aspectos técnicos las hipnotizantes imágenes en diferente tiempo y color, tributo a Nostalgia (así como Anticristo en su totalidad a Tarkovsky, según los créditos finales). Resultan un respiro de belleza dentro de una marea de mierda y desagrado de carácter imprescindible.

Antichrist 2009
Director: Lars von Traer
Guión: Lars von Traer
Actores: Willem Dafoe (He) – Charlotte Gainsbourg (She)
Duración: 104 Minutos
País Dinamarca